无间道风云

难道只有我这样的吴家死忠才会发现,华人黑帮的头儿克隆吴镇宇,骂人骂得特溜那警官同志简称FUCK警官,克隆专演警官二号的吴廷烨?虽然角色相同,FUCK警官比吴廷烨要幸运,最后一枪的戏份不错.

　　前言　　标题其实暴露出我的忐忑。

我曾经想用《Hollywood是如何让〈The Departed〉变得更好的》，考虑到模仿的色彩过重，再者比较的味道过浓，立场不够中庸，于是退而求其次，试着探寻其中变化的脉络。

首先表明一下立场，抱着没有最好只有更好的消极心态，我对《Infernal Affairs》的态度是恨铁不成钢，不是不好，是不够好，这种心态也跟我被蒙在鼓里首先看了大陆太监版有关；《The Departed》不完美，但是足够好。

这次做比较之前，特别从网上下了个粤语原版《Infernal Affairs》重看。

当时可供选择的有粤语原版、120 min director's cut版、300min正序版，考虑了一下以后还是选了原版，因为港产片惯例以九十分钟长度为圭臬，这对于导演的出发点极为重要，加长以后当然会弥补故事的许多漏洞，但对于《Infernal Affairs》这种追求剧情张力的类型电影来说，同时必然会减弱故事进度与节奏。

我先入为主的观点是，港版略显单薄的镜头语言明显无法支撑这样长度的加长。

正序版当然无视。

　　　　背景　　这是从《Infernal Affairs》到《The Departed》的第一个改变。

这种转变是自然的，因为地理位置在变化。

但对于Martin Scorsese来说，地理位置的变化只是表层，内里的真实才是他追求的第一要素，更是其社会纪录的电影作者特质所在。

这首先就划分出楚河汉界，如果说Wai Keung Lau们是在讲述一个虚构故事，借助电影媒介营造真实的体验；Scorsese们则是在表现一个真实故事，用电影手段写意地纪录其世界。

于是，香港街头发生的故事就转移到了波士顿西区这个Scorsese 眼中“最具正邪莫辨气质”的美国街头。

对于制造过一座城与一个人神话的纽约客Scorsese来说，这是一个具有重要意义的选择，它象征着转变。

与空间关联的要素是时间，《Infernal Affairs》是发生在现代的故事，选择波士顿而不是纽约意味着Scorsese对真实的更多追求。

但这些元素都是可变的，即使是出于真实的目的，Scorsese仍然需要在波士顿街头找到一块足够大的空地，使之成为虚构变存在后的落脚点。

解决办法就是加入真实人物，波士顿西区曾经最臭名昭著的毒枭James Bulger，北美十大通缉要犯之一，就成为《The Departed》存在的基石，同时其所处的年代也顺利成章的成为时代背景。

当故事由过去跳跃至现在，省略的部分就成为精彩的留白，为人物塑造留下足够宽阔的空间。

　　　　结构　　结构包括了对事件的选择与编排，对于卧底与反卧底这一最主要的情节设置来说，《Infernal Affairs》与《The Departed》大同小异，但具体到各自的整体与局部上都各有侧重。

局部变化是因循各自不同的处理，例如华纳顾问迈尔说过的制度，“这个故事发生在香港是真实可信的，然而在美国，情况就会变得复杂…如果黑帮派出卧底进入警校，根据实际情况毕业后分配到各州的可能都有，并不像香港一样必然会留在本地…”。

《The Departed》就作出必要调整，Leonardo DiCaprio饰演的Billy Costigan，是在加入州警时被选中做卧底，而不是在警校之中，这样就使人物在波士顿的相遇变得合理。

在局部而言，两者区别极大。

抛开“三部曲”刻意赋予《Infernal Affairs》的史诗感，单看其自身内容，毫无疑问是单薄的。

这种单薄来自于内容也来自于形式，同时也源于这两者所决定的故事的相对娱乐性，这是Wai Keung Lau们最大的局限。

在《Infernal Affairs》里，情节集中于人物对抗之上，Lau Kin Ming与Chan Wing Yan的对抗，Sam与SP Wong的对抗，警察与毒贩的对抗，全部包含在绝对的正邪冲突之中，这是典型的娱乐处理，人物被分置于两极，黑白分明。

而一部分人认为《Infernal Affairs》中表达的佛家思想，即前后题记中所包含的“无间地狱”，基本上属于牵强附会，它虽然存在于故事之中，但不是Wai Keung Lau们讲述的重心。

到了《The Departed》中，Scorsese保留了对抗的内容，但加入了更多的人性冲突，将结构的重心转移到了人物，通过写人，以及人物在环境之中困与突，将人性提升到一个更加深邃的层面，在娱乐之外还具备了浓厚的辩证思想。

相对于原作，《Infernal Affairs》并没有做出颠覆性的架构改写，更多是局限于细节的变化，用局部的变化带动整体的提升。

而细节的不同主要取决于人物，即结构上的相对改变实质上源于人物的不同处理所带来的变化。

　　　　人物一　　这是《The Departed》相对原作故事最重要的改写，窃以为也是最成功的改写。

《The Departed》之所以比《Infernal Affairs》更厚重，除了Scorsese刻意求工之外，William Monahan对人物的改写更是赋予故事以灵魂。

改写主要集中在五个人物形象之上，在［背景］一节中已经提到了其中一个人物的改写，即Jack Nicholson扮演的毒枭Frank Costello，他的改写主要基于James Bulger，通过将真实人物叠加于虚构人物之上，令到剧中一切都具有了纪实特质，为编、导、演、摄、美等方面作出全面指引；同时为了使整个故事更尖锐更反讽，将Costello的身份设置成FBI线人，使故事整体更具一层悲剧意味（真实现实里James Bulger确为FBI线人），这个改写也填补了原作剧情中一些含混不清的漏洞，制造出更多的剧情张力。

对于Leonardo饰演的Billy的改写，准确地说不是改写，而是为其留下幕后故事，在叙述中慢慢揭示，以此营造出强有力的转折点，这是相当成功的建构，人物因而具备了合理的动机，其行为能够找到出发点，其结局具有了必然性，这是写实也好戏剧也好都极力追求的人物深度。

Leonardo的家族历史，对于他投身警界、接受卧底安排的两次选择来说，都是强有力的动机，也在他和Costello之间建立起间接与直接兼有的人物关系，并巧妙地利用 “Departed”一词点题；对于故事发展（Billy进入黑道）来说，也是适当的铺垫。

这样的处理，将港版中冗长而无用的时间有效压缩，使时空更加集中。

对于Matt Damon饰的演Colin Sullivan来说，编导同样会精心构筑其人物世界，但相对于前者的繁写，对比的简写显然更加有效。

情节中数次出现国会大厦上的金顶，就揭示了其向上爬的内心欲望，相对于刘健明在故事后半段冒出的“我想做一个好人”，显然更加自然和合理。

这种深层欲望为人物发展做出简洁有力的铺垫。

由此，两个主角的命运偶然又必然的有了截然不同的方向，在对抗的表面冲突之下，成功地深入人物内心世界，又由至外，将内部冲突扩展至外部冲突，将正邪冲突提升至社会与命运层面，从而具有了一定的史诗特质。

　　　　人物二　　在沿袭原作故事的部分人物之外，《The Departed》对另外的一些重要人物作出了颠覆性的改写。

首先是对女性角色的处理，《Infernal Affairs》有三个女性角色，分别是Kelly Chen饰演的心理医生Lee Sum Yee、Sammi Cheng饰演Lau Kin Ming的作家女友Mary、Elva Hsiao饰演的Chan Wing Yan前女友May，如此繁多的女性角色并未成为故事增加更多有效对抗，更多的只是因情节需要而存在，目的是为了侧面赋予主要人物（男性角色们）以深度，这是一种单向的存在，因为缺乏相应的联系而全部沦为可有可无的花瓶角色。

甚至可以说，这是为了填补单薄的剧情而做出的补充，角色只能在特定的位置存在，因为位置的局限性，Wai Keung Lau们也无法赋予其深度，只能任其占用叙事空间。

到了《The Departed》中，Monahan删掉May的角色，将Lee Sum Yee和Mary两个角色合为一体，即承担了原有的叙事功能也节省了空间，更重要的，这为故事最主要的两个角色Billy与Sullivan在正邪对立的直接关系外建立起更多的联系与对比；通过这种三角关系的建立，角色的存在具备了合理性和必要性，编导也能更简洁地揭示其性格，为故事、角色营造更多的矛盾冲突。

另一个完全改写的人物是Mark Wahlberg饰演的Dignam，这个人物的存在相当特殊，可以认为这是重新加入的一个人物，也可以认为这是由《Infernal Affairs》中的人物改写而来，这就是《Infernal Affairs》中与黄秋生一起选中Young Chan Wing Yan作卧底的警校教官，但在原作中他的存在极其短暂，Wai Keung Lau为此还不得不利用蒙太奇特别交待其消失，目的只是为了令“全香港只有一个人知道Chan Wing Yan的卧底身份”，将人物置于毫无选择的困境中。

这种处理不能说完全失败，但毫无疑问的是，做戏的目的相当明显，跟女性角色的存在具有了同样的性质。

因为这个角色处于相对次要的位置，跟其他具有同样位置的人物一样，Monahan采用了直接交待的手法赋予其个性，也就是通过言而非行（选择）来揭示人物性格。

对于故事结局而言，这个人物的存在极其重要，通过其行动（杀死Sullivan）令电影由《Infernal Affairs》的开放性结局变成了闭合式结局。

港版之所以产生开放性结局，我的看法是不得已而为之（延伸阅读）。

一般来说，商业性的题材大多采用经典设计，《Infernal Affairs》显然也要如是处理；前面说到原作中Lau Kin Ming在故事后半段冒出的“我想做一个好人”的突兀而重要的转折，由于是重要的，存在即合理，故事结局不得不依此方向发展，这也就是虽然我最初看的是大陆太监版，但很自然地猜想结局是Lau Kin Ming逍遥法外的原因。

　　　　人物三　　在前节［人物一］中说起了Costello相对于Eric Tsang扮演的Sam的改变，除了必须的变化外，再来看看Monahan在情节中如何处理这一重要人物。

跟前面说过的Dignam一样，《The Departed》中并没有刻意追求其人物深度，因为相对于Billy与Sullivan的角色来说，他还是处于相对次要的位置，在描写这一人物时，故事加入了一个新的女性角色，这个女性角色并不重要，其存在跟《Infernal Affairs》中女性角色具有同样的功用，就是从侧面单向的烘托Costello这一人物，丰富其性格；Costello手下的Mr. French也是同样的功用，但他的位置处于Billy与Costello之间，效果更加多样。

在这一层面的人物上，除了Costello与Dignam外，另外还有两个比较重要的人物，就是Martin Sheen饰演的Captain Queenan与Alec Baldwin饰演的Ellerby。

这两个人物在《Infernal Affairs》中都有出处，或者简化处理而来，或者强化处理而来。

前面提过《The Departed》的叙事主线偏离了《Infernal Affairs》针锋相对的正邪对抗主线，但相关冲突依然存在，主要就来自这些简单处理的人物被刻意赋予不同的性格，当他们遭遇后直接就产生出冲突，相对于原作更加多样化。

这些角色与中心位置的主要角色在各个方向上具有多样的联系，从而使得他们之间的关联也被强化，所有的人物织成了一张具有千丝万缕联系的人物网，加上各自或深或浅的人性深度，故事由平面扩展成为立体，在这个空间之内，故事在某种意义上达成了三一律所追求的一致性，从而进发出强大的张力。

在此之外，故事中还有一些处于更次要位置的角色，例如港版中为人津津乐道的Man-chat To饰演的Keung，到了美版中完全被置于咖喱啡的位置。

在Scorsese风格化的镜头语言里，故事在主线上强有力的向前发展，根本无须利用这些角色及情节来填补情节空白，或者藉此来调剂故事节奏。

　　　　架子　　《Infernal Affairs》的意义，我认为更多的在于其具有的某种原型特质。

在原创性故事极度匮乏的今天，创造出了一种新的模式，尽管这种模式并非全新，而是在原有类型上杂糅融合而来，但这种架构却有着全新感觉。

这种原型的故事架构，我个人习惯称之为架子。

所谓架子，它可以放置在任意背景之下，结合其独有的时空、环境、人物，诞生出共性之内的个性，从而具备独一无二的特质。

如何结合才会达到这种效果呢？

我认为首先要找到背景中独一无二的元素。

《The Departed》能够在原作的基础上更上层楼，除了Scorsese独此一家的风格、Monahan成功的改编之外，还在于他们找到了独一无二的元素，从而使得《Infernal Affairs》具有了与原作截然不同的境界。

这些元素，简单来说，主要有两点，第一是爱尔兰，爱尔兰黑帮、爱尔兰人，这种爱尔兰特质深入故事骨髓，在人物性格、人物命运、情节设置等方面烫上了独特的烙印；其次是波士顿，波斯顿西区、波士顿诅咒，这种波士顿特质同样深入故事最底层。

这两样元素集中到一起，深刻地影响并改变着故事进展，在人物命运、故事结局上营造出一种舍此别无他途的气质，恍如命运诅咒，附骨之蛆，不死不散；又仿似一饮一喙，早已前定。

注意结局Dignam打死Sullivan，不要单纯将之归类为好莱坞式似的赏善罚恶大圆满结局，而要看到其无处可避的命定味道。

扯远一点，前段时间曾经跟人因《风吹稻浪》起过争论，因为我说这是不成功的电影。

不成功的原因，就是因为那个故事结构是一个架子，当其被放置到爱尔兰这块土地上，却没有找到独一无二的特质，故事停留在表面，人物命运只是例行公事，所以内容流于形式，由头至尾只能重复一个别人的架子。

回到《The Departed》来，除了上述主要的两个元素，真实人物James Bulger也有类似的效果。

这些独一无二的元素，在情节中对应不同的人物还有不同的侧重，构建得相当精妙。

至于《Infernal Affairs》，我觉得它的吸引之处，恰恰就是它的失败之处，也就是它没有真正完成一个完美的架子，因为别人能改写它的结局而不失逻辑。

说起它的独一无二，在于无奈的开放式结局，在于大量不严谨的逻辑、情节似乎通又似不通，在于香港电影一贯的“尽皆过火，尽是巅狂”；又在于中国人特有的含蓄感，在于对抗情节所营造的对称及平衡，在于架空的设置所特有的空灵感，在于本来不是黑色的黑色等等。

　　　　手法　　跳出来看两部电影，编导几乎用了完全不同的处理手法。

这里的手法并不是指结构、情节、人物、镜头语言等等的术语，而是指所有这些技巧营造出来的整体感。

在《Infernal Affairs》中，人物没有幕后故事（《Infernal Affairs Ⅱ》当然不算），或者说这些故事并没有纳入叙述，人物没有过去，没有动机，在故事的开始部分，基本上处于随机状态，这种选择的随意性根本无法揭示人物性格。

由于人物缺乏动机，故事发展的随意性就强，比如到了中段，Lau Kin Ming或者Wai Keung Lau们突然告诉我们，“我想做一个好人”，立马就有一种无厘头的感觉。

因为我们一直接受Wai Keung Lau们告诉我们的事实，Lau Kin Ming是一个坏人，Lau Kin Ming要受到正义的惩罚，而不是内部逻辑决定的黑色结局，这样的转折太过机巧。

同样的在Chan Wing Yan身上，卧底生涯令到他内心有了矛盾冲突，矛盾感又导致良心谴责，谴责导致巨大压力，这些连贯现实在《Infernal Affairs》中完全被忽略了，或者说Tony Leung隐藏得太好了，我们更多的只能通过其语言来了解其内心。

我们现在不论这些是否好坏，我们容许其可以省略，可以随意转折，可以巧合，按说这样Wai Keung Lau们就拥有了巨大叙事空间，可以加入更多人物、更多情节，营造更多对抗、冲突与转折，进而追求华丽的叙事感，但恰恰相反，这巨大的空间完全令到他们无所适从，人物之间无法建立起有效联系，只能采用插入式的设置；巨大空间也产生大量情节空白，他们只能在本来作为过渡的场次、人物身上增加内容，以填补主情节对抗后留下的断裂带。

这样处理的结果，故事越变越小，到了最后故事几乎没有腾转挪移的空间，只能以不合故事逻辑但符合情节逻辑且唯一的结局来结束故事。

但不可否认，Wai Keung Lau们做得相当成功，这样一个对抗激烈黑白分明的正剧居然有了群戏和黑色电影的味道，而且为前传、后传都留足了空间，相当具讽刺性的事实。

与之相反，Scorsese们踏踏实实地刻画人物，一点一滴地建立关系，一段一段地描绘其发展轨迹，然后渐渐深入其内心，找到令他们改变的微小因子并展示出来，以使前因后果显现脉络，进而得出性格即命运的终极主题。

按理说这种手法会将故事越变越小，因为变异的三一律最终还是会使故事集中，在有限空间内追求压力与张力的最大碰撞。

但Scorsese还是脱困而出，在找到人物个性的同时也找到了命运的共性，以小见大，使其具有了浓烈的象征意味，就像杨慎《临江仙》中表达的观点一样，“浪花淘尽英雄，是非成败转头空。

”　　　　技术　　为了避免被人视为没有技术含量，这次总得扯一扯。

故事开始，一段Boston七十年代的街头纪录片，纯粹的写实；然后是Costello的华丽出场，Rolling Stones《Gimme Shelter》铿锵节奏下的慢移长镜，典型的Scorsese镜头；这各自代表写实与写意的片段矛盾并置，又是Scorsese式写实主义的独特印记，即真实性与表现力的合而为一追求。

在Costello出场一段有两个细节，一是移动镜头暗示的人物视点，但镜头转过来却见到人物端坐于吧台前；二是独特的光影处理，前数分钟以内，无论环境光线如何，Costello的面部一直处于阴影中不可见，直到他从中走出来，一个怪异却极具表现力的处理。

我很好奇的是，这究竟是通过灯光布置或者场面调度或者两者结合来达到的效果，还是后期处理直接涂黑来得更省事。

但毫无疑问的是，这都是Scorsese喜欢摆弄的小花样，前者在《Goodfellas》中就有类似解构镜头，但后者却很少见，不知道是否Scorsese第一次这样玩。

通过这短短一段，Scorsese就给《The Departed》打上了独家印记，不是Wai Keung Lau，不是《Infernal Affairs》，不是HONGKONG；是Hollywood，是Martin Scorsese，是《The Departed》。

　　在［背景］一节中我们说到了纽约客却选择了波士顿，以及其代表的转变。

这个地点转变在纽约客身上其实不算第一次了，自然不会是其中最重要的转变，最重要的变化是Scorsese不再Scorsese。

《The Departed》毫无疑问是一部黑帮电影，有印象的自《Goodfellas》起， Scorsese拍黑帮电影就有了一些固定模式，比如以真实事件为底、虚构情节为表里；大量画外音；移动摄影、快速剪切；极度写实的暴力；时代记忆与映像；音乐、剪辑、摄影、人物言行等等结合在一起弄出来的怪异但流畅的节奏；以及Scorsese身上蕴含的热情与活力所外现的快速叙事、镜头中充斥的大量信息……很长时间内我都觉得Scorsese式黑帮电影就像他一个人孤独的长跑，他有足够的体力以始终如一的步伐一路到底，从来不会中途停下喝喝水或者弄几个闪回煽煽情，彻彻底底地将电影变成Scorsese的栋笃SHOW。

以至于我常常怀疑的是，Scorsese是否能够有效控制自己，将节奏放缓，使他的观众能够跟上他的步伐，某种程度上使主题具有更广泛的接受性，这也意味着商业最大化。

　　最重要的改变就在这里，在《The Departed》中Scorsese极少的保留了过往的强烈风格化语言，在绝大部分时间内取而代之以新的表现手法。

这种手法不是其独创也不是全新的，自然也不是过往那种复杂而华丽的镜头语言，而是最普通最常见的平行剪辑。

通常的说法中，平行剪辑包括了交叉剪辑、动作以及反应的剪辑。

由于《The Departed》的故事结构具有很多的交叉叙事，自然就应用了交叉剪辑，这很平常，但Scorsese从来都不会这样规行矩步，要去自然要去到尽，于是余下的空间就全部交给了动作以及反应剪辑。

这种手法最常见，对话大多这样拍这样剪，好像没有特别之处，但像Scorsese在这里大用特用的就太特别了。

始终是Scorsese啊，他不把招数亮出来，你就不会猜到他会怎样干。

这种极端的平常，你很难说他是妥协还是更加叛逆。

但这种手法用在这里却相当有效，前面说过这是一个包含了很多对抗情节的故事，针尖对麦芒，还有什么技巧能比这种平行剪辑更简单更直接突出这种情境。

这种来回的正反拍镜头、剪辑又营造出一种诡异的节奏，明明他在情节中已经减缓了进度，但这种简洁的来回切又营造出一种不停向前的小跑式节奏。

Wai Keung Lau们还停留在用对抗来表现对抗的阶段，老马用一种简单至极的镜头语言就完全抛离了他们。

　　　　马后炮　　说的这些都是马后炮。

我们说到了改变，说到重要的变化，说到了他能够放慢脚步，迎合大部分人的步伐，但他还是保持住了自己，即使不是印象中的Scorsese，也是真正的Scorsese。

我觉得这就是突破，突破自己，突破Scorsese，但还能是Scorsese。

既然一部分人希望他更大众，他做到了；既然另一部分人希望他更作者，他也做到了；为什么不能把奥斯卡最佳导演、最佳电影授给Martin Scorsese、授给《The Departed》呢？

自然，也不能少了始终如一助Scorsese为所欲为的老太太Thelma Schoonmaker。

我不觉得第79届奥斯卡最佳导演、最佳影片候选者中还有哪一个人、哪一部电影更有资历、更有水准、更艺术或者更商业来横刀夺爱，终于给Scorsese等到了。

对于这个属于个人的奥斯卡金像奖，Scorsese从不讳言自己的内心渴望，他说最重要的原因，学院奖依然保持好莱坞黄金年代的价值观。

对黄金年代的好莱坞所抱持的向往对于Scorsese走上电影这条道路来说应该是最初的原因了，对他而言这就有如麦加。

那么得到还代表着与黄金年代奥斯卡金奖具有同样含金量（也许很多人不这样认为）的小金人，也许这才是Scorsese求之不得辗转反侧的原因，他渴望自己成为其中的一员。

颁奖礼上来了与他同代的三大导演，斯皮尔伯格、科波拉、卢卡斯，三人联合颁奖给最晚得到这个棒棒糖的小伙伴，三人都拿过太多奥斯卡，虽然卢卡斯并没有属于他自己的一个棒棒糖，但在Scorsese和绝大部分人眼中，“卢卡斯搞电影只是为了赚钱”，这么说他早就得到了他想要的棒棒糖。

当这四人站在台上，对于好莱坞而言是一个极具象征性的时刻。

我觉得，当代美国电影学院奖的成员们，有意无意将这四人地作为一个整体推上前台，意味着一种也许是Scorsese梦寐以求的荣誉，同样也许还是其他三人梦寐以求的荣誉。

虽然许多人认为当今的好莱坞已经堕落，但这四人站在一起的时候，“依然保持着好莱坞黄金年代的价值观”的人们显然已经认同，以这四人为代表的一代好莱坞电影人，同样为好莱坞缔造了数十年的黄金时代。

这一刻来得有些迟，却正是时机，因为Scorsese正是那个最虔诚却最后抵达的朝圣者。

在影视版看了一遍所有关于美版无间的影评 发现有骂美版丑化中国人的 有或贬或褒拿它跟港版比较的 也有冲着西科塞斯说事的 好像就是没有一个从电影反映的现实社会意义着手的 虽然我不太喜欢马丁的风格 (他太张狂 太直接 不像主流导演那样还假惺惺地摆个人文姿态以讨好美国以外的观众 他拍的就是给原汁原味的美国人看的) 不过看过三遍后我不得不承认美版的要比港版的要出彩许多---不光是把港版的情节漏洞都基本补齐了 而且也更深刻更悲凉. 这么说吧 港版的是教父式的优雅小提琴独奏 美版的是u2摇滚下粗糙的码头风云 港版里的警匪对立理想地就像二元论下的光明黑暗大战 可美版的我确看出了在一个阶级分明的体制下两个人绝望的奋斗　　　　苏利文 一个波士顿底层穷爱尔兰人的后代 记得毕业典礼时他的同学怎么说他的么？

你爹是一个看门人 你这辈子也只是一个小警察 影片开头掠过的70年代纷乱的美国街头 爱尔兰人饱受欺压的历史 再加上快餐店听着弗兰克的淳淳教诲 小苏早就知道了自己的命运要走弗兰克那样的道路 只不过方式不同 波士顿市政厅的金顶就是他彻底脱离草根 走向上流社会的象征 毕业后春风得意 买了一座能看得见市政厅穹顶的豪宅 可道出自己的职业后 连经纪人都不相信一个州警（即使是毕业后升得最快的）能买得起这样的房子 还记得影片快结尾时他回到自己的公寓逗邻居的小狗邻居们的反应么？

即使他在事业上成功也抹不了他爱尔兰人出身的卑微背景 在这里 他的上司亚历克鲍德温对他的态度耐人寻味 从他接受的第一个案子 那两个到弗兰克地头收保护费的意大利佬被杀的案子起 我觉得他就看透了小苏 倒不是他知道小苏是内鬼与否 他知道小苏是和他一类人 知道什么时候装糊涂什么时候出手 这样的人才能在警局吃得开 小苏的机灵和圆滑可能让模范老警察马丁辛和脏话连篇的马克沃伯格本能瞧不起 可却能在黑道白道游刃有余 不但官运亨通还顺便捞到了心理医生大美人 所以鲍德温在打高尔夫时对他坦然自己和他一样历史有过污点 俨然要是没有弗兰克代表的过去和死心眼威廉的搅局 他苏利文就是局长大人的继承人了 到了那时也就真的离那圆金顶代表的梦想更近了 可惜机关算尽太聪明 弗兰克也早就看透了 一个从底层奋斗上位的爱尔兰穷小子 必定会出卖所有人来换取他的金色穹顶之梦 所以宁肯把机要档案交给黑帮世家的威廉也不告诉为他卖命的小苏 最后把小苏逼的只好反正灭口 影片最后心理医师美女的离开还有脏话警察马克的一枪彻底终结了他的金色穹顶之梦 结尾处你可以看见阳台上那壮观的金色市政厅穹顶背景下阳台边上有一只老鼠 如果说它就是小苏一生宿命的象征再恰当不过了 就像一只老鼠妄想攀登金顶却最终打回原形 接着再说威廉 脏话大王马克怎么说的他？

一个典型的双重人格病例 每周五天在东区码头像一个标准爱尔兰混混闲逛 到了周末却像一个模范的中产家庭一样出现在父母的晚餐桌上。

威廉恨透了自己家族的罪恶和虚伪 恨透了把他和他父亲普通人生活希望毁掉的叔叔 可在母亲弥留之际 痛快淋漓地骂归骂 当舅舅平静地说母亲的出殡费怎么出时，威廉还得再一次违背自己原则接受属于舅舅属于家族的施舍。

选择做警察与其说是对自己家族的背叛和赎罪 不如说是一种对自己命运的逃避 可命运再次涮了他一次 让他这十几年的努力再次回到原点 作为警察学校毕业生 小苏在同届人中晋升的最快 而威廉却要为自己家族的罪恶不情愿的去赎罪 去蹲监狱 去和自己的人渣表哥接头 为此他忍受脏话大王的种种刻意羞辱 不过我看马克的羞辱倒有一点惺惺相惜的感觉 看到了最后还是他跳出体制外为威廉报了仇 老马丁是这部片子里唯一正气得近乎无暇的人 他看着威廉的时候总有点悲天悯人的态度 他能忍受高压下威廉种种丧失理智的抱怨和脾气 还不经意地带给威廉他一生梦想渴望的完美家庭的憧憬---在威廉跑到马丁家告诉马丁弗兰克是FB的内鬼时 看到了马丁的合家照 还有老头疼爱的儿子的照片 这对从小缺少父母亲情的威廉无外是隔着窗户看别人家过年

近几年，虽然马丁·西柯塞斯两次失意奥斯卡，但不能否认，不论《纽约黑帮》还是《飞行家》都是上乘之作。

大师一直是那位大师，只是观众的胃口已经从《出租车司机》的年代进化了过来。

所以，尝试一些快节奏的改变，西柯塞斯的大方向走的没错。

说《The Departed》是今年最值得期待的一部电影也许绝不为过：尝试革新的大导演，再次拾起反面角色的表演大师（也是我的偶像）Jack Nicholson，备受好评的香港电影《无间道》的美国版。

的确，两个半小时的电影很能抓住人。

作为资深导演，西柯塞斯技术上的功底自不必说，画面华丽，结构安排合理；Nicholson依然让人欣喜不已，妙语连珠，神经质；配乐方面，也做了不少将现代音乐与高雅音乐结合起来轮流出现的尝试，算是西柯塞斯的一个突破。

最让我眼前一亮的，是DiCaprio的成长。

自从他开始和西柯塞斯合作之后，便受到了评论各界各种各样的置疑以及和表演大师De Niro的比较。

然而不论是《纽约黑帮》还是《飞行家》，DiCa总是像个演技拙劣的孩子。

虽然Howard Hughs的角色让他拿到了奥斯卡提名，但这个角色本身就被设计的很容易出彩，绝非DiCa本身的实力使之然。

但《The Departed》让我们看到了一个逐渐成熟的DiCa。

工夫不负有心人，贝克汉姆能成为伟大的球星，DiCaprio也能成为演技派的影星。

看过港版《无间道》的都知道，刘德华和梁朝伟的两个角色设计的都非常有戏剧色彩。

于是，在Matt Damon略欠火候的表演对比下，DiCa的成长更加显而易见。

华丽的外表对一部电影来说很重要，这是感性上用来抓住观众的东西。

然而华丽外表背后的深层次的东西却是决定于一部电影是否优秀的决定性因素。

可以讲，马丁·西柯塞斯把中国的《无间道》成功的美国化了。

然而，"What's the difference?" 西柯塞斯版的和香港版的相比，在所要表现的情感和故事的内涵上并没有太多的原创。

故事情节几乎改都没改就拿了过来，里面的人物设定也大同小异，除了批上一件美国的外衣，实在看不出来有什么特别。

香港的《无间道》制作精良，更重要的是它独具匠心，充满创造性。

这样的电影不仅仅是近几年来香港电影的杰作，就算拿到好莱坞去也并不多见。

整部电影紧密围绕着“无间”二字，情节非常引人入胜，然而在精神层面矛盾的表现力却是将“无间”诠释的淋漓尽致的关键。

在其中，我们看到了兄弟感情将好坏的界限模糊，看到了爱情把一个坏人指向一条明道，看到了树欲静而风不止的纠缠和思想冲突的折磨，看到了“出来混总归要还”的道理。

更重要的是，我们不仅仅看到了这些深层面的东西，而且我们被导演说服了，接受了。

《The Departed》在情节上翻译的非常完美，然而在内涵的说服力上却显得比较苍白，两个半小时的电影所要表达的东西在广度上也不如港版的《无间道》。

也许没看过原版《无间道》的美国人会被复杂的情节深深吸引，也许西柯塞斯会凭借缺乏技术含量的“借用”圆一次梦。

场散了，观众沸腾了，但这种感觉让我不太舒服。

《无间行者》在国内是部受争议的电影，甚至可以说是毁誉参半。

其中的主要原因还是因为它翻拍自近十年来最受欢迎的香港警匪片《无间道》。

虽说它荣获包括奥斯卡最佳影片、最佳导演在内的四项大奖，但它在国内的电影评分网站上却是近几年来奥斯卡得奖电影里最低的。

看了不少骂评，发觉网友对影片最多的指责莫过于内容相比原版过于粗俗不堪，使得原有的韵味丧失，造成心理描写给人感觉不到位、肤浅，情节上也只是跟在港版屁股后面照猫画虎，而“无间”这一原作中重要的概念缺失更让人觉得没内涵，一切显得乏善可陈。

不但如此片中还涉及到有关zf的敏感话题（其实个人并不惊讶，像《金手指》、《黑暗骑士》这种超级大片都有，你还指望他们能对我们zf有多友好的态度。。。

），以至于当该影片的获奖情况揭晓时也更加让国内喜欢原版的观众感到愤概，而相对了解著名导演马丁•斯科塞斯的影迷也议论这只是给多年失意奥斯卡的他一个安慰奖。

可我觉得两部电影的导演是在用的是不同的表现形式与艺术风格来讲述这个相似的内容，他们真正想表达的主题、创作理念还是很不一样的。

所以在我看来不少人都只是在比较这两部电影情节表面上的孰优孰劣，无论评它的是好是坏，都显得说服力不够。

一直以来翻拍片都有一个劣势的地方，就是对于似曾相识的情节不太有代入感，观看的时候会产生间离感，观众会认为即使它再怎么成功，觉得功劳还是要归为原作，更何况是翻拍于《无间道》这种被认为是经典的电影呢。

纵观全片，《无间行者》在剧情上的大同小异也同样无法避免，特别是影片的后三分之二的剧情结构确确实实与港版如出一辙，写个故事梗概可能只需要把港版的人物替换一下就可以搞定了。

原创剧本的创意肯定是值得赞扬的，特别是通过生动描写卧底这一心理不断矛盾挣扎的边缘人物来表达“无间地狱”、生不如死的深刻寓意，但即使这样也不能抹煞一部翻拍电影所带来的创造力，更不要因为看到情节相似的地方就骂抄袭，看到不同的地方就感到不适，觉得老美不懂中国，扭曲了我们的创意。

首先要意识到的是既然是合法翻拍就不存在抄袭，其次且不说影片的创作者们懂不懂中国文化，或者要迎合西方观众口味还是导演的文化背景怎样，《无间行者》本身就是以美国人的视角来讲述的故事，社会背景也在美国波士顿，正如编剧威廉•莫纳汉所想的一样，即使两部影片是有着相似的内容也应该由有着完全不同的意识形态、文化根基、生活方式的角色去支撑这个故事。

《无间行者》的剧本人物性格其实都已改变，导演将人物移植到美国社会，融入美国社会，所以影片自然而然也就没有香港黑社会的江湖情义、对于善恶提出佛家般的疑问，没有“无间”也就合理，也不必纠缠它为什么没有“无间”了。

至于文化差异我想肯定是有的，影片中的本土化改良也已经体现了。

在一次采访中斯科塞斯也说到，当他看吴宇森的《喋血双雄》的时候，他就觉得没法接近它，承认了香港电影无法复制的事实。

但并非就是有了差异就不理解为何有差异，或者不接受为何有差异（比如《卧虎藏龙》很受西方评论界的赞赏，西方人拍的《末代皇帝》照样受国内观众喜爱）。

即使《无间行者》再怎么不好，也不能以偏概全，就认为中国人在情感表达一定要比西方细腻或者丰富。

（如果真这样那你怎么解释你每天骂的那些粗制滥造的港片、国产片？

）马丁•斯科塞斯是个作者论导演，就如同历史上的诸多作者论导演一样，对他们来讲剧本只是在提供题材，而电影真正是被导演的个人视野所主导，这种主导可由他们的一系列作品的主题和风格特色就能看出。

著名影评人罗杰•伊伯特的一句话说得好：对于斯科塞斯的电影关键不在于它讲了什么，而是怎么讲。

当然也可以说是应由“如何处理（how）”而非“什么题材（what）”来判断电影的价值。

所以这部电影也不例外，虽说有个港片的故事框架，但有着强烈的斯科塞斯个人印记造就了它的不同：穷街陋巷的视觉风格、粗犷豪放的草根味道、脏话连篇的人物对白，相比之前的《纽约黑帮》、《飞行家》可谓是本色回归。

其中最重要的还是从小就在天主教氛围长大，有着根深蒂固的宗教情结的他，在这部电影中延续了他对宗教罪恶感的探讨。

他塑造的电影角色们，即便他们远离了教会教义章程的束缚, 还是无法把负罪感从心中抹除，而他的黑帮片的主角们迸发出的暴力行为更像是种宗教式的救赎，因为这些暴力行为很多时候也恰恰是出于他们对于道德纯洁的渴望竟在一个如此肮脏的世界里遭遇了挫折，无法实现内在自我。

斯科塞斯的电影（特别是早期）很多都具有强烈的以电影表现自传的潜意识追求，许多电影中的素材都来源于他童年时作为意大利移民生活过的暴力街区还有他深刻的社会洞察力，所以他的电影都是与美国社会紧密相关的，对于美国人来讲更具现实意义。

从“The Departed（逝者）”这片名我们就不难看出这部电影的宗教色彩，个人觉得丝毫不比港版的少，在我印象里这个单词在影片出现了三次，分别出现在比利•科斯提根（莱昂纳多•迪卡普里奥饰）的母亲和他自身的葬礼时牧师的祷告中，以及专门特写的黑帮老大弗兰克•卡斯特罗（杰克•尼克尔森饰）献给比利母亲的纪念卡：Heaven holds the faithful departed（天堂收留虔诚的逝者）。

从佛教“无间”转换成天主教负罪感，这便是对于原作主题最大的改变，这么看来中文的译名也就更显得不恰当了。

所以这是一部彻头彻底的斯科塞斯式电影，对于斯科塞斯的大部分电影我们就不能忽视宗教层面，不然必有理解上的缺失。

在本片斯科塞斯保持了一贯的现实主义风格，从一开场粗糙的斗殴纪录片以及卡斯特罗的旁白就能清晰地体会到美国波士顿特有的移民文化，从中带出了种族矛盾、黑帮、暴力等人物的地域性、社会性的描写，也奠定了该影片不同于港版写实风格的基调。

这里我要先强调一点，现实主义不一定就是贴近真实，应该说是相对其他风格更有种真实感，但不管怎样一部电影再怎么贴近真实也并不能代表它好。

同理没有煽情、没有忧郁的感觉也不能说明一部电影不好。

衡量一种艺术形式、艺术风格是否杰出，不能光看它有多少值得炫耀、夺人眼球的技巧、创意，而是应看它能否成为反映某个特定主题、内容的最合适的形式与风格，从而体现出价值。

让我们想一想，有什么故事风格能比现实主义风格更有效地表现斯科塞斯式的黑帮人物呢？

和昆汀•塔伦提诺的《落水狗》一样《无间行者》是部风格化的黑帮电影，角色对话和他们的行为一样暴力。

全片的味道就是暴力，残酷而悲怆。

像这样的调性，干净的对白、忧郁的行为举止不但不合味，而且在形式美学上不诚实，违背了这部电影贴近西方人眼中现实边缘的目的。

所以事实上，人物满口脏话反而更忠实于他们自己，而不是为粗俗而粗俗。

影片的视点是波士顿南部的爱尔兰移民，他们曾有过饱受欺压、歧视的历史，在20年前根本找不到活干，但因黑帮势力的不断增强才渐渐受到认可、迎来了相对安稳的生活。

与斯科塞斯意大利移民相同的是，爱尔兰移民有着极其强烈的家庭中心观和对奋斗、求胜的强调。

此外，大部分爱尔兰人是信仰罗马天主教的，和意大利人一样把宗教带入了美国，对天主教会的虔诚信仰以及和黑社会犯罪的深厚渊源，都是片中爱尔兰裔移民生活中不可或缺的。

之后卡斯特罗也从中道出了影片的第一个主题：宗教只是证明了人们彼此同在的方式，但它不会真正救人，那些只会祈祷忍受欺凌的黑人就是证明。

No one gives it to you, you have to take it.（没人会施舍你，你得自己争取。

）我觉得这句话从一方面体现了卡斯特罗蔑视天主教、背叛天主教的行为（为后面表现他的张扬，当众侮辱牧师、修女等情节也做了铺垫），而另一方面又表现了一些爱尔兰移民为了生存，不分善恶不择手段，卡斯特罗生存至上的人生观及它的理由。

另外当他在教育年幼的科林•苏利文（马特•达蒙饰）时也可见一斑：教会只想让你们循规蹈矩、多听话，说站就站，说跪就跪。

如果你皈依教会，那你这辈子也就无所作为了。

路都是自己走出来的，no one gives it to you, you have to take it.（在影片中说了两次，足以体现它的重要性）我想这句话也就不言而喻地成为了象征着卡斯特罗黑帮精神的句子，也深深地影响了日后为了生存每天说谎的卧底科林。

话说卡斯特罗，也就是黑帮老大这一人物比起港版戏份大增使得影片不再是两主角两配角的格局，更像是三主角。

这也使得影片给人整体感觉是黑帮元素为主，警匪元素为副，所以比起警匪片它更像黑帮片。

正好也符合斯科塞斯本人的口味，侧重黑帮的视角更能加深负罪感的描写。

个人觉得美版在人物性格的刻画、鲜明程度比起港版要大大胜出的。

影片淡化那种一眼望去看似复杂的人际关系图谱，通过大量的平行剪辑与交叉蒙太奇扎实地塑造两位主角的性格前史和发展脉络，为主角们的身份背景做了更加详尽的安排（别跟我提《无间道2》，那都不同于第一部的两部电影了），精神层面的暗示也相当精彩。

比如取得信任对方这块，在警校时科林的同学就说他父亲是个社会地位卑微的穷爱尔兰门卫（所以即使他踏入高层社会也还是被当地人看不起），有着这样的社会背景的科林这辈子也就最适合当警察了，这也就为什么他从小就被认识他父亲及家庭状况的卡斯特罗相中。

影片刚开场的五分钟就非正常的叙事时空，用一段台词串起了20多个彼此独立的镜头点明了“卡斯特罗是科林的精神教父”这一主旨，交代了科林的成长背景和与卡斯特罗之间的人物关系，为之后科林对卡斯特罗的言听计从、互相帮忙做了充足的铺垫。

当科林获得好的岗位后，处理普罗维登斯黑帮的案件时我们就能看出黑帮帮了他不少忙，而且在与上司艾勒比（亚历克•鲍德温饰）的对话中也看得出他是那种知道什么时候装糊涂什么时候出手，也正这样所以在警局才吃得开，成为一个记录上完美无暇的人，被警方信任的人。

相反另外一个与科林认识，曾有多次和科林办过案，实际身份也是内鬼的州警，却没有科林那么混得好。

而警方卧底比利之所以会被奎南（马丁•辛饰）警长选择以及他刚出道就能在短时间从敌对那里获得信任，正是之前提到的爱尔兰人强烈家庭观的原因。

比利虽说和科林一样是波士顿南部社会底层的出生，他的家庭背景却是有黑底的，除了他父亲以外家里的男丁都是罪犯。

而他本人实际上也是跟母亲一个样，跟父亲又一个样。

平时以中产阶级自居，可到了每个周末就跑到波士顿南岸跟着父亲像一个标准的爱尔兰街头小混混闲逛。

爱尔兰移民觉得家庭对人的成长有具有巨大影响，所以对于警方来说所以这种人际关系使得人更能相信他不是卧底，而是黑帮。

按警官迪格纳姆（马克•沃尔伯格饰）的说法，混入黑帮才符合他的本性。

这也就为什么比利打入黑帮内部也是从他毒贩表哥开始入手的。

而且卡斯特罗和他的左右手法国佬（雷•温斯顿饰）也都认识他家人：当比利在酒吧里打闹时，法国佬就警告他如果他再这么闹下去，他就会把比利奶奶善待他的事忘掉并阉了比利；卡斯特罗问起谁是否值得信任时，他就自问自答说比利叔叔杰西就是个可靠的人，所以看在人情上信任比利等。

虽然比利不甘于像身边其他人那般堕落着混日子，也恨透了他们，但是为了对自己家族的赎罪他选择做真正的警察。

这就为什么他会明知自己可能遭遇不测还会去逮捕科林（他在给玛德琳（维拉•法梅加饰）信封时的对话能看出）。

也许是因为使用了大量的平行、交叉、联想蒙太奇来构建叙事框架，故事由此变得扑朔迷离没什么时间的概念，对于悬念的铺垫、处理也没有港版来得那么直接（一开场不久就进入状况），没有留下很多暗场让观众不断猜测，削弱了那种斗智斗勇时惊险的感觉，比如港版毒品交易那段挂在窗子后面的窃听器。

不过美版逻辑条理丝毫没有混乱，尽量避免抒情而代之以直截了当、平实的表现方式，更注重事件矛盾冲突的突发性。

如心理医生的角色，可以说是对港版改动最大的地方，把李心儿（陈慧琳饰）和Mary（郑秀文饰）扮演的角色合二为一，塑造了玛德琳的角色从而凝合了剧情的张力，能把两位主人公看似有联系但却过着截然不同生活也没什么明显交锋的人真正交集在一块。

她一方面与科林是合法情人，另一方面，她又是比尔的精神支柱，甚至与比尔也有了肉体关系。

这样使整个剧情更紧凑，人物更突出，冲突更集中，也为最后科林被杀等一些情节提供了合理的铺垫。

（个人觉得三角恋不突兀，这样的事会发生其实谁都说不准，即使它在大家眼中看起来不太可能发生。

而且比利不是陈永仁（梁朝伟饰），没那么沧桑、隐忍，相反他性格暴躁，在面临精神崩溃的情况下对于情感表达方式比较直接很正常（注意他去见玛德琳的时候都是在他遇到困境、剧情转折点后：确定警方有内鬼、被科林调查身份、昆南死去以及最后发现科林是内鬼。

在第一次与心理医生对话中，比利无形中把自己受到的压力转移到了玛德琳身上，玛德琳在尝试理解比利的处境但无法在一瞬间消化掉这么大的压力，因此之后玛德琳由愤怒到给药再到与比利约会的一系列转变是符合逻辑的。

而玛德琳在未婚的情况下一个人在闺房遇见比利，两人在一阵心烦意乱后才跟比利发生关系，感觉很正常。

然后与他隔离，搬去科林那住，表现比利的无助）。

如果要追究的话，港版也同样能找出很多“问题”，比如陈永仁能在好不容易逮住杀了自己情义深厚的上司，并把自己不断逼上绝境的对手刘建明（刘德华饰）的情况下还能很坦然地笑出来。

毕竟任何电影离现实还是有差距的，只要符合情理就能自圆其说，所以没必要为这较真。

）个人觉得演员的表演在这里（凸显冲突上）起到很关键的作用，相比港版，美版人物动作幅度要大，肢体语言也丰富很多。

大段大段的污言秽语还有无意义的含混对白夹杂在其中，有不少大喊大叫、抢话的时候，无论是警察还是黑帮脾气都是暴戾的。

但很自然，三言两语就勾勒出了不同人物的性格，符合突发性和爆发性较强的特点。

该片剪辑非常凌厉，更强调变化，在双人呆板的对话中插入快速的动作等。

在基本没有什么动作枪战场面的前半部分，也可以让剧情保持松弛有度的张力，使得剧情发展流畅而迅速。

特别是有几场戏如法国佬在对话时突然闪回自己杀老婆的情景；还有比利去看心理医生穿插三条回忆（在打乱的时空里有条不紊地表现比利自我怀疑和焦虑的情绪），更是不带任何张扬的技巧，基本上仅依靠精确的对剪和闪回来制造出暗藏杀机一触即发或者压抑已久的情感抑制不住要爆发的感觉。

但是反倒在杀人等画面内动作场面较多的场景剪辑放缓，如最后的电梯戏，短短的两分钟就死了三个人，却只用了不到10个镜头，使观众更贴近人物的真正面貌，把现实的残酷性描写得淋漓尽致。

所以这种爆发力的演出更帮助影片深化了角色魅力，使得原本冗长复杂的主线支线情节不显的拖沓，并通过在动中有静，快中有慢的精彩剪辑影响着观众的情绪。

还有一点我觉得很多人忽视了，通常情况下，观众认为银幕人物都是真情流露，但本片除了少数几个关键情节之外，两个角色的全部生活就是一出伪装，离不开谎言，而他们一直为此备受煎熬。

正如科林在电梯里感受到自己的谎言要被揭露时，才说出“快杀了我吧。

”一样，即使为此煎熬也不太可能把挣扎的心理动不动挂在脸上，一般我们是不会看见在他们脸上写着如[我是二五仔]的标签，相反这种挣扎是要让人去感觉的。

这一点我觉得美版更真实（我没说哪个更好），强调也忠实于它的现实主义风格。

但也有可能就是因为美版非常注重这种矛盾的爆发性所以给国内不少观众造成铺垫敷衍、行为都缺乏思想的前奏的误解。

实际上正是因为本片注重人物本身的张力，才把人物性格描写得更鲜活、更加生活化，深化角色本身的力度和深层的表现空间，使得人物动机具有较好的说服力、前因后果交代得更清楚（仔细看的观众应该能发现，像普罗维登斯案件、芯片交易从影片的前20分钟就已做了铺垫，这也就为什么当比利发觉卡斯特罗是FBI线人以及接下来科林杀死卡斯特罗时也不会显得突兀），从而突出那种所谓的“表面化”矛盾冲突。

一般写实电影不是创造性地艺术，而是“存在”的艺术。

美版就是想做到让观众有一种刹那错愕的感觉，那种面对现实的残酷所体现出人类本能上的反应、张力。

这种张力来自人的本质中追求生存的本性：月深日久，两个人为了生存都不得不不断地撒谎，想从他们欺骗的对象那里获得认同，渴望受到认可的矛盾感觉：不为非作歹，在帮派里就没地位；不锄奸惩恶，在警局里也没有威信。

记得片里玛德琳曾多次说过：人们撒谎多是为了保持事太平稳。

我觉得这句话更加强了影片中探讨关于身份的重要性。

影片多次展现的与陷阱和出卖如影相随的卧底身份的生活，其中被某网友在没看清剧情发展情况下吐槽的“我给你的是错误地址，可你去了对的地方。

”最能体现。

这不禁让人回想起《好家伙》（同为斯科塞斯作品）中不断信任的背叛的主题，都是因自身的身份让主人公陷入层层推进的矛盾，无法自拔的环境。

在斯科塞斯角色的身上，通常具有浓烈的反抗精神而不断被环境所围困。

这就为什么我觉得美版描写卧底这种身份对于人物的影响更直观。

我想这也就为什么比利会在电话里对科林说：“我要要回我的身份！

”（我清楚港版也有这段）；玛德琳感到无法靠近比利；当玛德琳知道科林的真实身份，谎言被揭穿的时候，婚姻马上分裂。

不仅这样，这还简直是对卡斯特罗全片的第一句旁白“我不想变成环境的产物，我想要环境成为我的产物。

”的一种讽刺，一个如此嚣张的黑老大，也还是比任何人都需要FBI做后盾，背叛他人。

曾看到有位网友说过，美版的故事人物得没深度，根本没演出角色注定而又无法改变的迷茫的悲剧命运。

卧底、内鬼的内心深层次，也就是那种洞悉灵魂世界的事物描写也较少，形象相对单一，非黑即白。

我看了却不以为然。

的确，美版连一句类似“我想做个好人”的句子都没有，坏人就是坏人，与港版对比难免被贴上“没有内涵，人物脸谱化”的标签。

但正如我前面所说的，即便斯科塞斯的人物们远离了教会教义章程的束缚, 还是无法把负罪感从心中抹除。

比利为了能帮助警察所以成了罪犯，可在他犯罪时他能确定自己是在做正义的事情吗？

科林虽然一直有给卡斯特罗通风报信，但他也确确实实有在惩治罪犯。

对于天主教教徒来讲，人生来就有罪的，要通过赎罪来净化灵魂才能改善自己。

他们从一个角度可以说是不断作恶、不知悔改，可从另一个角度他们也都在维护所谓的“正义”。

所以影片中的两个主角对正义、对善恶的不确定性使他们无法像斯科塞斯过去的那些人物一样做进行形式上的救赎。

斯科塞斯做出了不同方向的善恶模糊概念，个人觉得美版比起分不清什么是善恶，更侧重主人公们感到现实生活中的善恶界限模糊，这也就为什么没有像港版那样人物会为自身身份感到迷茫。

他们的道德冲突体现在：应该像卡斯特罗一样为了生存放弃、背叛信仰；还是为了信仰、救赎干脆牺牲，来肯定宗教救赎意义？

但讽刺的是他们无法做形式上的救赎。

所以渐渐地两位主人公开始为自己的人生感到难过，觉得自己的人生充满谎言和罪恶，因为对于他们这个世道似乎不存在道德底线，善是不存在的，因为恶的对立面消失，所以你也没法不作恶。

比如当科林要同时查黑帮、警方的卧底时感受到了压力时，他在晚上睡觉时对玛德琳说：“如果我不是在警署干活，如果在法律学校当讲师，就能安然度过一生了。

我想换个城市住会更好，就不会这么痛苦了。

”由此看来，这个电影更像一个良心的诘问，好像你彻夜未眠却不知该如何向牧师忏悔一样：“我明知做了错事，但神父，我又有何选择？

”而影片主要人物死亡的最终结局使我觉得无论信仰还是不信仰都无法通过自救生存下去，这也描绘了另一个主题：人，一旦被迫与他熟悉的生活剥离，就注定了悲惨的结果。

以上原因我们可以看出对于《无间行者》，正义与非正义已经不能成为警察或者黑帮的行为准则、衡量标准，为了实现目的而不择手段是警匪双方都遵循的准则，而卧底这一悲剧角色本身就是这种不择手段的体现。

这也正如卡斯特罗在片头说的：“When you're facing a loaded gun, what's the difference? （当你面对着一把上了膛的枪，兵与贼又有什么区别？

）”这也就为什么美版会多设置一条卡斯特罗是FBI线人的情节、警方腐败，还有警官迪格纳姆在影片结尾无视法律界限杀死科林。

从表面上来看卡斯特罗也许是对的，但从反面我们可以看出这些黑帮、警察正是因为背叛天主才让这世界罪恶丛生，但有时道德冲突、现实的逼迫让他们不得不做出妥协、背叛，使得这个国家也渐渐变成内鬼。

所以黑帮在斯科塞斯电影中更是一种社会问题。

结语：个人认为这是目前为止新千年以来，马丁拍得最好的一部电影，不仅保留他以往的社会批判意识，也是故事述事手法上脉络最分明，戏剧性、娱乐性上做得最成功的一部作品。

这无疑表现了斯科塞斯对于故事出色的把握力，连贯性很强，即使情节一样也并不死板抄袭，曲折的故事也使得环境这一单调的主题不显枯燥。

比起港版更扩大了创作空间，塑造人物性格的细节也丰富很多。

所以在我看来它更倾向于社会剧而不是心理剧。

当然个人认为该片可能是主题有点明确过度了（有可能是它的封闭式结局原因），相比过去他过去拍的那几部经典回味的地方没有那么多。

但不管怎样，这都足以为他获得一座奥斯卡奖。

补充：1.剧情解释：比利给玛德琳的信封是什么？

迪格纳姆杀科林的情节会不会突兀？

当迪格纳姆停职两周带薪假后，在科林与卡斯特罗在电话里的对白我们就能看出，警方的人都联系不上他，那作为卧底的比利也就肯定联系不上他了。

然后当比利发现科林的真实身份之后然后马上离开警局，整理出科林是卧底的证据放在信封里。

可因为他找不到迪格纳姆（之后天台戏也有说明，他问黑人迪格纳姆在哪，黑人不知道）所以只好找了科林的妻子玛德琳，叫她保管这封信，并告诉她“如果我有什么不测或是我让你打开你才能打开”，然后他自己都说心理医生是他唯一信赖的人了。

在这里就和之前表现她与比利的感情有着紧密联系了，也为之后科林被死提供了合理的基础。

接着镜头表现玛德琳看了下那封信在上面写上“科斯提根”后放到桌子里没有看了。

过了一段时间，比利遭遇了不测，而科林把自己的罪嫁祸在另一个卧底身上。

两个星期后，刚好迪格纳姆也休假完回来了，然后玛德琳理所当然联系上了迪格纳姆，最后讽刺地通过黑道的方式干掉了觉得好不容易摆脱黑道的科林。

2.西方评论界的对《无间道》的看法：原版《无间道》在北美04年就上映了，你去烂番茄网上看了就能发现大部分影评人都在观看《无间行者》之前看的。

《无间道》在烂番茄有95%的新鲜度，是个非常好的评价。

而《无间道》获得不了奥斯卡的青眜但《无间行者》却可以，个人觉得主要还是因为奥斯卡是美国学员派的奖项，如果不按美国人的审美、价值取向来评比那就有点违背他们评奖的初衷了，至于这点不要太较真，也不必把奥斯卡看得太权威。

但是当自己不喜欢一部受认可的电影时，应该试着去理解别人为什么喜欢，而不是光光在那边抱怨评委的脑袋被驴踢了怎么的。

既然你有不喜欢一部作品的权利，那别人肯定也有喜欢的理由、权利，我想6000多名以电影为职业的奥斯卡评委不会莫名其妙就给一部“烂片”颁奖，所以不要一句你懂你不懂就论断一切。

3.关于辱华我理解很多人看到片中的这些台词很不爽。

但国与国之间的矛盾不是一句两句就能说准的，政治之间的对错更是。

有时候不同角度就会造成人们对事物的不同的判断、看法，何况对于一部文艺作品，意识形态肯定是会有对创作者有影响的。

像美国人就是提倡自由、民主、人权，对zf有看法我认为多少是因为看到国内较多负面的消息（不能否认没有啊）所以心中的人道主义信念油然而生，所以他们的不友好态度并不是针对国人，而是zf。

像国内那些抗日片也是，还有像过去的《007》，正好在上映在冷战时期，所以故事就经常和苏联对抗有关，从而化解民众内心的不安。

媒体(电影也可以算是一种）的用意从来不是铲除世间的罪恶，他们的工作就是说服我们接受并习惯与其共存，不会给我们选择余地。

统治者只想我们变为被动的旁观者。

为了证明自己是有说服力，可能会修饰或者有点歪曲一些事物，又或者把价值观强加在一些事物身上。

但这种歪曲也有可能只是因为我们有站在不同的角度、立场所以才这么觉得。

比如大部分国人打死也不承认xz可能曾经是个国家。

当然作为中国人反对老美这种言论我也肯定是支持的。

但是你不得不否认香港、国外的媒体绝对是要开放、自由很多，各种言论都有，抨击zf的报道自然也很多。

所以这种事情，有个想法说出来、坚持自己可以，但是最好不要太 较真 ，说老美不懂我们，说不定你去了国外想法也有改变呢。

所以应该多接受更多不同的看法、观点，才能更加确立自己的立场。

当然时间久了，一些人的看法会越来越成熟，需要个互相理解的过程。

说实话，我觉得现在的大部分美国民众虽然偏见肯定多少会有，但应该不会歧视其他种族。

像在学校如果有同学歧视黑人，会被老师拉进校长室的，他们很尊重人权的。

话说最近老美对中国的态度有变好，因为中国变强大了，不得不重视起来。

比如电影，最近的《云图》、《环形使者》、还有将要上映的《钢铁侠3》都有国内的公司参与投资、制作。

最后我想感谢下那些认真写文章的网友，让我可以借鉴了不少材料！

我也希望那些不喜欢这部影片的人能尽快看到这篇影评，希望对你们有帮助，谢谢。

——还是叫它The Departed吧 　　如果The Departed翻译成其他名字，又或者把我脑子中关于无间道三部曲的印象都清除一空，否则我再看一百遍也会觉得别扭。

　　平心而论片子挺好，剧本导演老少演员都尽显功力。

然而三部曲太深入我心，终是觉得故事这么来讲一次有些急、有些突兀、还平铺直叙。

　　对不起老马丁的悉心，不论怎么世界大同地球村，还是有意识形态生活习惯以及族群本性之间的差异。

24h、hero、pb好看，那也就是美国人的成人童话。

童话无国界，现实却大有不同。

　　想起《无间道》三部曲里蔡琴的歌声、笔挺的西装、精致的正反角，那简直已经不是在讲故事，而是在唱一曲英雄史诗。

　　可以接受英雄的惨死，但却不能接受他们重新成为小市民，还何况是大洋彼岸的小市民。

　　本不该存了怀旧的心想要看一次翻新。

老马丁不是史景迁，他压根就没有想过做一锅黄金炒饭，他用了同样的盘子，摆上来只是几个荞麦饼——我们沮丧地发觉，只有芝麻是一样的。

　　《无间道》和《The Departed》，是刘伟强和老马丁讲述的罗生门。

　　虽然是糟糕的观影体验，但不得不认可片子本身的素质，并为其在美的票房成功而略略高兴——这种微妙的情绪和谐而对立，正是老版《无间道》流毒尚在的证明。

　　所以李文秀说，“我知道那些都是好的，但我就是不喜欢”。

　　所以说曾经沧海，就难为水——面朝大海，尿意全无，刚好做了写这博时的我的状态诠释。

那些平价五星的，你们就不要扯一堆专业术语来跪舔你们的美国大爹了，这电影除了演技之外，有哪点能和无间道相比的。

老实说，美国人确实玩儿不了这种细腻的情节，泰国简单粗暴，这种情节放在美国电影里显得特别绕，但是不管什么原因，不管编剧导演多牛掰，玩儿砸了就是玩儿砸了。

为什么中国人拍大片拍砸了你们就各种嘲讽。

美国人拍文艺玩儿漏了你们就帮人家各种圆，那些给五星的专业人士们，是不是我们眼瞎呀。

当《无间道》的版权被华纳用了175万美元买下之后，马丁-斯科赛斯就成了《无间道风云》导演的第一人选。

而今，凭借《无间道风云》马丁-斯科塞斯终于如愿以偿入主奥斯卡最佳导演，《无间道风云》也荣庸最佳影片，成为本届奥斯卡最大赢家。

与港版《无间道》相比，马丁-斯科塞斯的《无间道风云》故事情节设计更为紧凑，叙事节奏更为简洁、明快，警局与黑帮、卧底与反卧底的冲突更为激烈和跌宕起伏，杰克-尼科尔森、莱昂纳多-迪卡普里奥与马特-戴蒙等塑造的人物形象也更加性格鲜明和生动，应该说这是一部典型的美式电影，数周的票房冠军和奥斯卡最佳影片、最佳导演的荣誉证明了其在好莱坞的成功。

然而，与港版《无间道》相比，马丁-斯科塞斯的《无间道风云》缺乏的是诗的气质。

时代的风云变幻、都市的阴郁氛围、宿命的人物与迷失的身份，这些使得港版《无间道》跳脱出一般警匪片窠臼的特质，在美版《无间道风云》里却被无情遗弃了，或许马丁-斯科塞斯早就想好了不能再弄出一部《教父》。

因此，马丁-斯科塞斯的《无间道风云》看上去更象是把一首荡气回肠、缠绵悱恻的《长歌行》翻译成了白话文的通俗故事，而且波士顿的粗陋的城市背景更加重了这部影片的底层、暴虐与血腥色彩。

翻拍电影确实不容易，马丁-斯科塞斯做到了，他用自己的色彩把这个故事重述得更加精彩、更加适合市场的口味。

在这个商业化的时代里，诗歌气质太小众化了，太不适应爆米花和可口可乐了。

在这一点上，马丁-斯科塞斯对自己商业电影导演的身份给出了正确的定位，这本无可厚非，然而不可原谅的是他对同样的商业化操作所秉持的不同态度：美版《无间道风云》彻底无缘内地、被“毙”的主要原因是，影片中几处贩卖军火的情节涉及敏感话题。

虽然片方几度希望修改对白，或者删剪这些对整个故事情节没有影响的枝蔓，但是导演马丁-斯科塞斯固执己见，不愿意重新修改自己的影片。

因此获得该片亚洲版权的寰亚公司希望这部影片能够在内地创下不错的收入的愿望落空。

犯罪首脑弗兰克-科斯特罗所犯的最大罪孽竟然是把偷来的高端微处理器卖给中国政府从而使得导弹可以精确到打烂数千公里外的某个屁股。

在仓库交货的那场戏，手持机关枪的华人黑帮、烂腔滥调的广东话以及西服革履下被吓得打哆嗦的肥肥胖胖的中国官员形象，无一设计不令人反感，无一细节不显示出刻意而为的痕迹。

由此不由得人揣测，马丁-斯科塞斯在这部翻拍自香港剧本的电影里加入这一荒唐无比的情节究竟居心何在？

难道这就是马丁-斯科塞斯向港版《无间道》、向中国所表达的致意？

中国观众对这部上映于2006年由马丁斯科塞斯执导的《无间行者》一定怀有特殊的感情。

影片根据享有世界名誉的香港经典电影《无间道》三部曲改编。

在写这篇影评时，这已经是我第二次看这部电影了，结合反复拉片，并盘点了马丁斯科塞斯的生涯作品，得出了一个结论：《无间行者》是马丁斯科塞斯的集大成之作。

华纳发行了此片，在当年获得3亿全球票房，最终也获得了奥斯卡等美国主流奖项的认可。

当就能因此把这部电影简简单单归为成功的商业片吗？

当然不是。

纵观马丁斯科塞斯的所有作品，会发现他是一个不折不扣的“坏学生”。

马丁的所有影片能够为了剧情的发展.情绪的堆叠.人物的塑造而打破叙事的严谨性。

例如：《出租车司机》本来是围绕着崔维斯的视角进行封闭性叙事，但为了让皮条客斯波特和雏妓艾瑞斯的形象更饱满立体，斯科塞斯为他们增加一场两人在房间跳舞的戏，从而放弃了叙事的严谨。

《爱尔兰人》以坐在轮椅的弗兰克的独白开始，画面一转来到了老年时期的他与好友罗素分别带着各自妻子参加婚礼，当在路边停下时，两人看着对面的加油站。

画面再一转，又变成中年时期的他们第一次的相遇，此后为了解释人物前史，比如弗兰克年轻时当兵的经历，又会闪回。

电影便带有了生命力，不拘泥于时空，而任意跳跃。

多维度的情节发展已然提供给观众多角度的观察。

那么，马丁斯科塞斯电影的艺术成就之一就是叙事策略，而情节编排就得得益于剪辑。

在《无间行者》中你能看见画面与画面之间有时会出现跳接，情节与情节之间有时会被打乱顺序。

要从这个角度，读懂这部电影，得从维拉法梅加饰演的女心理医生玛德琳的那张童年照片说起。

这张照片出现两次，第一次出现是在玛德琳抱着堆满杂物的纸箱搬进了警察男友科林的家中，而科林的扮演者正是马特达蒙。

接着马特达蒙从箱子中拿出的女友的童年照，看了一眼，便放回去。

抱起整个箱子朝卧室走去，还一边说道：“你不能把相片挂在客厅墙上，因为有客人要来，应该把它挂在我们的卧室里。

”言外之意就是开玩笑地宣布玛德琳是这个家里的女主人了。

紧接着就是杰克尼克尔森饰演的黑帮老大卡斯特罗打电话给科林宣称“要抓住隐藏在自己手下的卧底。

”科林给他出了个主意“让他手下的人填写好身份信息。

”于是便有了后来那张写着“citizen”的信封，信封里装着卡斯特罗所有手下的身份信息，当然其中也包括由莱昂纳多迪卡普里奥所饰演的比利的，他便是潜伏在卡斯特罗身边的警方卧底。

在搬家戏之后，填写身份信息的的戏之前，还简短有力地交代了比利发现“卡斯特罗是FBI的卧底，长期与FBI有暗线交易”的过程。

而在搬家戏之前，由于长期卧底工作而精神面临崩溃的比利和心理医生玛德琳在咖啡馆约会，他让玛德琳谈论起她与男友的爱恋生活。

在填写身份信息的戏之后，画面来到了夜晚比利又冒雨来到玛德琳出租屋中，看见她正在搬家，把杂物当放进那个纸箱中，他又向墙上一瞥，此时玛德琳的童年照第二次出现。

随后两人在讨论搬家这件事中，开始亲热起来并发生了性关系。

此时观众可能会有多个疑问：玛德琳不是早就已经把所有东西都搬过去了吗？

她搬家的时候，已经把照片拿到男友科林的家中了吗？

为什么照片会在出租屋再内出现一次？

为什么已经有男友的玛德琳会和比利做爱？

其实马丁斯科塞斯早已把几场戏的顺序打乱了，并且重新排列组合了。

而不断给那张照片的特写就是联系这几场戏的逻辑的一个提示。

而符合逻辑的排列是：咖啡馆约会→夜晚冒雨来到玛德琳家中→搬家（科林给卡斯特罗出主意抓卧底）→发现卡斯特罗是FBI的线人→填写信息。

那么斯科塞斯为什么要打破线性叙事呢？

比利与玛德琳做爱之后，下一个场景是科林与上司一边打高尔夫球，一边谈起“婚姻与性”的话题。

似乎导演给出了这样编排的合理答案。

比利与玛德琳之间的性关系，科林与玛德琳之间的情侣关系，性更是成为他们生活中的一部分，但玛德琳剥香蕉和色情影院的符号，结合科林的天主教背景（斯科塞斯从小受天主教的影响，认为性是耻辱的，所以造成了长期的性压抑，当本片谈到“性”时，科林的经历也许就是斯科塞斯的经历），都指向科林也许是个性无能。

两人的性格也是有迥然差异的，当上司威胁比利随时可以将他的档案删除，沦为真正的混混时，比利敢于对权力进行反抗；而当卡斯特罗威胁科林“要找人强奸你女友”时，科林选择了隐忍。

玛德琳成为三角关系的纽带，同时也被夹在两个男性角色之间，于是生活中充斥着谎言与无常，这是本片的主题。

而电影结尾比利与科林的恩怨更像是雄性与雄性的争夺，个体与个体之间的斗争。

斯科塞斯冒险尝试打破严谨线性叙事从而主动引领观众去思考，这样的做法让整部电影具有实验性。

分析着两个人物的形象，就能发现这不仅是简简单单的个体争斗。

比利，他的父母离了婚，父亲在机场当搬运工，因为没钱交保护费而被卡斯特罗打死。

而叔叔是罪犯。

他的母亲住在舅舅家里，舅舅是中产阶级，对他的妹妹极其虚伪。

因为两极的压力，让他在母亲去世时，与舅舅断绝关系，又成为警察，为父亲报仇。

因为周末和父亲一起待在混乱的南波士顿，所以他带有街头混混的气质。

科林，没有父母，和奶奶一起住。

同时，他还拥有天主教背景。

卡斯特罗认识他的父亲，并让科林来汽车修理厂打工，给他外快，教他人生哲理。

长大后，他成了一名警察，并在暗中成为卡斯特罗的助手。

导演在电影一开头并没有直接叙事，而是放了一段纪录片的片段，交代了南波士顿地区的治安情况复杂，其中汇聚了意大利后裔，爱尔兰后裔，黑人，种族之间矛盾不断。

其次导演不断地给马特达蒙的主观视角，去看一座远处的金顶建筑，当他去看房子的时候，推销员还说：“住在这里，你就像中产阶级一样了。

”这说明暗中帮助卡斯特罗也许只是为了还人情，他本人是有想通过当警察来实现阶级跃升的，比利亦是。

倘若两人没有底层的出生背景，那么他们应该能成为优秀的警探。

但正因为有这样的背景，让他们的抉择既是被迫的，又是必然的，这就像救赎一样。

《无间行者》的剧本作为一个改编的剧本，那也是一流的。

除了原版中将郑秀文和陈慧琳饰演的两个女性角色合二为一；把背景本土化；将余文乐所饰演的陈永仁的黑帮家族的出生背景改为底层罪犯家族之外。

还增改了两个角色。

增加了马克沃尔伯格饰演的狄格曼警长一角，他说话满嘴脏字，痞里痞气。

自以为掌握一切，最终却被上司踢出局。

他最终只有靠报私仇来解决问题，人物靠完成这个动作来否定整个司法体制的漏洞。

把原版的韩堔增加了“FBI线人”的人设，变成了现在的卡斯特罗。

因为增加了这层人设也为最后比利杀了他铺垫了更好的动机（卡斯特罗随时都可以把手下出卖给FBI）。

也而卡斯特罗因为自己的FBI的线人而继续非法乱纪，也批判了FBI与黑帮联手维护治安的做法。

原版至始至终都是两个权力集团的矛盾，而经过改写，变成了个体与权力的矛盾，最终演变成个体与个体之间的冲突。

《无间道》的第一部中出现的“玻璃美学”让电影偏向形式主义，而每个人物的死亡都要用黑白闪回烘托抒情，全片都带有一种暧昧性的话。

那么《无间行者》就让原版故事直白现实化，落地化，从底层街头出发，延续了斯科塞斯的《出租车司机》中的社会讨论。

选取的黑帮题材，宗教元素；对于性，救赎，社会议题的探讨；延续马丁斯科塞斯作品中剪辑的跳跃性；像《出租车司机》《愤怒的公牛》一样，在忽明忽暗的空间中释放烟雾的导演手法在本片中也有出现，以此来营造一种炼狱感等等这些都证明了《无间行者》是斯科塞斯的集大成之作。

因为这部电影在重大精彩情节点上对原版有所保留，而没有原创力，中国观众对这部电影大多都抱有批评，但我热爱这部电影，让我热泪盈眶的是我看到了两个底层处境的年轻人不惜一切代价，哪怕失去性命，像疯狗一样拼命逃脱出命运的爪牙，但最后又被社会所吞噬，永远也只是窗台上的一只老鼠，对华丽的金顶望尘莫及。

该片翻拍自香港电影经典影片《无间道》，讲述了波士顿黑帮组织和警方之间互相培养卧底安插在对方内部，以及互相斗智斗勇的过程；是警方和黑帮都决定展开洗底行动的故事美版的无间道，比较直白、血腥，文戏不够，武戏太过但是在电影语言方面，美版则更胜一筹！

这部电影用一种特别的即前一百分钟都是通过平行剪辑的方式来推动故事、塑造人物。

而这种方式走到了极端就塑造出一种别样的美感。