《摄影机不要停！》剧照
《摄影机不要停！》剧情介绍
郊外一座废弃的工厂内，一支摄制组正在拍摄一部粗糙简陋的僵尸片。导演日暮隆之（滨津隆之 饰）不满女主角松本逢花（秋山ゆずき 饰）的演技，因此暴跳如雷，大吼大叫。在工作人员晴美（しゅはまはるみ 饰）的建议下，剧组暂时停止拍摄。休息间隙，晴美向松本以及饰演僵尸的男演员神谷和明（长屋和彰 饰）讲述了这座工厂在二战期间的恐怖旧事。就在此时，不祥的巨响突然传来，未过多久，一名工作人员化作僵尸突然出现，对其他剧组成员展开疯狂啃咬。演职员们四散而逃，而疯狂的导演却举起摄像机，开始了他梦寐以求的电影的拍摄。 30多分钟的血腥屠杀，令所有人始料未及的是，这还并不是这部恐怖电影的全部！热播电视剧最新电影屠夫十字镇美国之锈第二季酒是故乡醇冰冻星球第一季贝蒂第二季爱的界线一件小事刺激十四天之暖春来亲爱的，你在哪里长安侠影之石榴美人历史的总和一个夏夜敲乘客草原上的男孩蜡笔和小新的故事讨厌你的方法隔离区2：终点站百合与直觉警官之血温暖的季节东北“大仙儿”分手工作室人类之子梦比优斯奥特曼外传亡灵复活阴影之源ke之日的kekeke甜蜜河台风的新娘
《摄影机不要停！》长篇影评
1 ) 丧尸，血腥，爆笑，温情，一镜到底，这部日本小成本电影让你体会什么叫真正的「残缺就是美」
剧组趁着新年从家返工，休息之余，终于把这部期待已久的《摄影机不要停》看了。
知道这部电影是无意中看到一个知名的影评人推荐的，他甚至用出了“暴爽”这样的词来评价，可见口碑有多炸裂。
看这样的电影需要点仪式感，我买了包辣条，一瓶加多宝，在自己的三寸之地，惬意地看了起来。
一打开画面，什么鬼，好假的丧尸，摇晃的镜头，拙劣的画面，这是好电影？
我心里充满无数问号。
如果不是别人推荐的，我兴许就放弃了。
如果放弃了，那我可要后悔死了。
坚持看下去，就像发现新大陆一样，时刻在制造惊喜。
直到最后，你会发现，这些个粗制滥造、破绽百出，才是影片最大的亮点。
影片结构新奇，前 37 分钟是一镜到底的纯丧尸片，后半部分是拍电影的过程；前半部分吊轨恐怖，后半部分爆笑欢喜；前半部分的破绽疑云在后半部分得到了解答，毫无违和感，看完你会惊呼——这才叫「作品」。
看这部电影，千万不能看剧透，不然完全不能体会那种畅快淋漓的感觉。
我自己看完一遍，回过头看第二遍的时候，就只是想笑。
对于前半部分的那些莫名其妙的点，我恰恰以为很好地营造了丧尸的恐怖气氛，也更能抓观众的眼睛，观众会带着疑惑跟着影片的节奏去一探究竟。
这种感觉就像是影片在给你制造一个个的谜题，而你正是那个解谜之人，你在经历一场探险闯关，任何有助于解谜的线索你都一一做了尝试，最终随着影片的进程，你的答案在一一揭晓。
此外，你的情绪也在经历着过山车式的变化，上一秒还在恐怖中无法自拔，下一秒就笑得前仰后合，再过一秒又感动得眼眶红润。
这种电影拍摄手法独特，风格异常，带有强烈的个人主义特色。
在业界有一个专业的词汇来形容这种电影，叫做 cult 电影。
这部电影最独特之处就在于导演故意把影片的拙劣、虚假放大，直截了当的告诉你，我们就是假的，残缺的，不完美的，但又如何，我们仍然可以发光发热。
人生不也就是这样，哪有什么十全十美，唯有残缺才是美。
我特意去看了导演上田慎一郎的经历，在此之前，它没有任何知名的作品，可以说是碌碌无为，而且欠债几百万，但一直没有改变自己喜爱电影的事。
这让我想起了拍《心迷宫》的导演忻钰坤，他们有着相似的经历，也醉心于拍这种 cult 电影，真好。
好的作品会跨越地域、跨越种族、跨越时空被人接受，希望他们能坚守自己的独特个性，拍出更多好的作品。
2 ) 观影《摄影机不要停》：别哭了，快点拉
刚开始看《摄影机不要停》的时候，简直觉得这就是一群玩票的瞎拍着玩的，也同时觉得豆瓣上评论这部电影的人瞎了眼。
什么嘛，除了女主的小屁股翘一点，其他人都是从哪里来的。
那个大胡子导演是个兜齿，除了那个摄影机跑出来继续拍就不会说别的了。
男主就会耸个肩膀跑，还顶个黑眼圈。
那些丧尸就不用说了，一个个慢吞吞的，一点儿杀伤力都没有，怎么就吓成那样。
哥们儿都快被你们逗笑了好嘛，真是给丧尸界丢脸。
最可怕的不是这些，是那个拿着话筒的家伙，究竟在干嘛，丧尸来了你任性的要出去，还说一定会回来。
绝逼大BUG。
我去，导演，你也太不用心了吧。
最可恶的，那个翘屁股的女主，一路跑一路嗯哼嗯哼的乱叫，你能叫的专业点吗？
而且啊，那些五角星究竟是怎么回事？
一点儿意义都没有好嘛？
还有哇，那个已经被劈了脑袋的大姐，你是回光返照吗？
你都被斧头劈了脑袋了，你还回光返照，真是。
不得不说的是，那个摄像机掉在地上是怎么回事啊喂？
真的服了。
朋友三番五次的拉着我走，但是哥们儿是个锲而不舍的人，毕竟钱都花了，电影都不看完就走不觉得良心难安吗？
朋友被我这个理由说服，安静的坐了下来。
可是，可是，你不是在五角星里好好的站着的吗？
一个月前是怎么回事？
兜齿导演日暮在拍电影？
难道想说明丧尸究竟怎么来的吗？
那个奇丑无比的小脑袋女人是怎么回事？
要拍一部电影？
僵尸电影，一镜到底？
看到这里哥们儿总算是明白点端倪，这是要说明那部烂片怎么来的。
随着那个小脑袋丑女询问：“你要试试吗？
”字幕出现了，我去呀，这是哥们儿第一次见电影都放了一半儿才出字幕的，也算是一种创新了。
执着于导演梦想的女儿，疯魔表演的母亲，一直被压迫的导演父亲。
这是日暮一家的构成人员。
要说相同点，那只有一个，都不得志。
女儿日暮真央，执着于自己的导演梦想，不想向现实妥协。
可是现实最喜欢的事情就是打脸，打的啪啪响。
母亲日暮晴美，是个过气的演员，因为入戏太深，容易走火入魔，不得不放弃表演梦想，在家做起了家庭主妇，业余爱好格斗。
父亲日暮隆之，是个已经向现实妥协了的电影导演，日常宣传是“迅速、便宜、效果还凑合”。
为了庆祝开业，电视台决定拍个系列的丧尸片，不光现场直播，拍摄手法还是一镜到底。
因为预算问题，找到了平常拍摄情景VTR的导演日暮隆之。
日暮导演听了小脑袋策划的爆点，觉得简直就是莫名其妙。
老子虽然是一个名不见经传的导演，但好歹也是导演啊，你这策划什么玩意儿。
可是在得知这部电影的男主是女儿真央的偶像时，日暮毫不犹豫的接了这部戏。
可到了剧组，导演才发现这是一群什么样的家伙。
装逼犯男主，事儿逼女主，带孩子排戏的女配，花心男配，三个饰演丧尸的也是奇葩，一个嗜酒如命都酒精中毒了，一个中二病爆棚完全没有自信，还有个喝硬水就会拉肚子的货。
这么多奇葩，日暮导演也真是有包容心，彩排了几次之后，好不容易顺了下来。
可是到了片场，还是出了状况。
出了什么状况？
男配女配一起乘坐的车子，在来片场的路上出了车祸。
可因为是现场直播，如果就此停掉的话，电视台那边交待不过去。
导演日暮隆之毛遂自荐，自己曾经在大学演过戏，可以担任男配的角色。
可是女配的角色谁来？
这时候探班的日暮真央和日暮晴美来了，日暮真央推荐了封魔表演专家——自己的母亲晴美。
可是，这个仅仅是状况的开始。
现场直播一镜到底的摄像机开拍了：那个喝硬水会拉肚子的二货误喝了硬水，即将拉肚子。
而那个酒精中毒的家伙，喝了制作人送来的二锅头，醉的不省人事。
唯有中二爆棚的少年还好点。
可是演戏成封魔的晴美，万一再疯魔起来怎么办？
电影的后半部分，用非常意外的搞笑手法告诉我们，这部巨烂的僵尸片是怎么排成的。
绝对的笑点不断，笑到最后，哥们儿还哭了。
当时就感叹，幸亏没走，票价值了。
《摄像机不要停》可以说是今年最大的黑马，投资成本不到三百万日元，最后票房总收入达到了三十亿日元，一千倍的收益，简直不可想象。
从票房上来说，和这部电影媲美的，也就是《这个男人来自地球》和《鬼影实录》，以及《女巫布莱尔》。
除了这三部电影，再无能出其右。
要说电影的成功，得益于电影结构前后部分的反差对比。
前半部分和后半部分独立存在的话，绝对可以烂出境界。
但是前后放在一起，这种强烈的感官反差，让人惊喜不断，无论是电影后半部分的喜剧效果，还是温情温润，甚至是整部电影的拯救行动，都能让人细细品味会心一笑。
所以总结来说，本以为是一部烂的不能再烂的丧尸片，谁知道竟然是一部喜剧片，看到最后才知道是亲情片。
除了影片细细思索，其实是励志片。
豆瓣8.5，不亏。
3 ) 无聊的电影
一部小众电影如果分很高那一定要警惕了，大概率是豆瓣里的一些学究派硬捧出来的，他们就喜欢无脑尬吹这种看似有“内涵”的电影，就一个一镜到底加双重反转就被吹成神作了，我看他们就跟看公园里打鸟的老法师一样，沉迷于技术的自嗨而忽略了实际产出，评论起手里的相机镜头参数头头是道，结果还是就拍个鸟的大头照
4 ) 这部成本18万、票房1.8亿的年度神作，连最苛刻的影评人都打了五星
终于，在2018年，我们等来了这部神作——《摄影机不要停》（One Cut of the Dead）。
有多神呢？
一开始，日本只有两家电影院愿意播放这部电影，播放后却因为口碑爆棚，不断被加映、再加映，最后加映到观众自愿成立后援队为这部电影摇旗呐喊。
此外，这部电影的所有成本总共才18万，赢得的票房却有1.8亿元。
另外，某个经常出没于各种电影节的装逼影评人，这次也毫不犹豫地送出了“五星好评”，而在此之前，他已经连续两年没有给过任何电影五星了。
遗憾的是，这部岛国小成本神作，还没有被引进国内（不过网上已有资源流出）。
1、苦逼的导演这部电影的导演——上田慎一郎，是个80后，今年34岁。
作为电影爱好者，他之前只拍过8部短片。
不像其他导演动不动就得个奖、走个红毯，生活中的上田慎一郎非常苦逼：他没钱了就睡在公园里；好不容易打工挣来一些钱却被骗子骗走了.....就这样，上田慎一郎凭实力活成了“苦逼慎一郎”。
唧唧复唧唧、苦逼又苦逼。
为了节省拍摄费用，上田慎一郎只能请他的狐朋狗友出演电影里的主要角色，因为请知名演员实在太贵了。
上田慎一郎在公开场合曾说：“我也想请广濑丝丝来演，但是人家的出场费太高了，一天就要好多钱。
”
《海街日记》中的广濑丝丝为了节省制作费用，上田慎一郎把自己的房子让出来供剧组拍摄使用；就连演员们的服装，也是大家自己用剪刀漫不经心地剪出来的。
另外，上田慎一郎自己还身兼导演、编剧、剪辑多职，因为请人做要花很多钱。
但是，这么多的苦逼，拼凑出的却是一部创意满满、口碑爆棚的神作。
2、18万元能拍出啥？
《摄影机不要停》的剧情很简单，它既不烧脑、烧心，也没啥视觉上的观感，用一句话概括就是：一段37分钟的长镜头视频+这段视频的拍摄过程。
这段长镜头拍的到底是啥子？
一个穷逼剧组在一个废弃的工厂拍摄一部丧尸片，拍摄过程并不顺利，因为女主角演技实在太挫，导演要求她表现出恐怖的表情，她却怎么都不能让导演满意，导演一边骂着，她一边忍着。
拍着拍着，工厂里出现了真的丧尸，于是演员和导演开始了暴走之旅，他们上蹿下跳：一会跑到车里，一会跑到房顶，与真丧尸大作战。
这他妈什么玩意儿？
是啊，看过这段视频的人都这样评价，有的人气不过，还在这句“这他妈什么玩意儿”前面加了一句“我操！
”。
真的，我特别能设身处地、感同身受地理解这些观众，因为我也忍不住骂了一句“这他妈什么玩意儿”，这段视频别说是拍过8部短片的导演能拍，我觉得只要把身患偏瘫的吴老二扶起来，他也拍的不差。
坚持看不下去的人，转身去看《喜羊羊与灰太狼》，我能理解。
但是能够坚持看完这部作品的人，我真心为你感到高兴，因为精彩的确实还在后面。
后半段是前面一段视频的拍摄过程，精彩之处就在这段。
为了拍摄前面那段长镜头，这个穷逼剧组出尽了洋相：马上到丧尸大叔出场了，他却偷偷喝了酒并且喝得不省人事，“导演”用铁砂掌都打不醒他；
等到光头丧尸要化妆上场了，他却非要去拉屎，没办法，他只能一边拉屎，女化妆师一边给他化妆；
为了拖住太过入戏的大妈，不让她自由发挥，只能把她打晕，然后制造她被砍死的场景；
最后，摄影杆又被摔坏了，为了拍摄那个俯视镜头，全剧组只能叠罗汉，“导演”站到最上面手持摄影机来拍....
整个拍摄过程既艰苦、荒唐，又充满创意和笑点。
3、到底是不是神作？
毫无疑问，《摄影机不要停》是一部优秀的娱乐片，它的亮点有很多，首先是它37分钟的长镜头，其次是它让揭秘变得有趣好笑。
长镜头：很多导演都拍过长镜头，卡拉托佐夫在《我是古巴》里拍过3分22秒屋顶酒会；艾方索‧柯朗在《人类之子》中拍过将近4分钟的飞车追逐；我国内地导演毕赣在《路边野餐》中拍过42分钟内含隐喻色彩的长镜头。
《路边野餐》中的长镜头无疑长镜头是让人着迷的，因为它“真实”且“控制完美”。
但是拍摄长镜头并不容易，它要求演员无时无刻保持投入状态，并且在表演、台词和调度上不出纰漏。
说实话，我们大部分人，连续背诵10分钟的台词都已经不容易，更何况又要保持好表演状态，把它完美地表演（而不是说）出来。
另外，观众也需要进入导演的镜头，并欣赏这个不断发生事件的当下。
为了呈现《摄影机不要停》37分钟长镜头的最佳效果，上田慎一郎把所有调度上出现的问题进行了一一呈现，也因为这样，它才笑料十足（比如给演员题词板），它在打破长镜头严肃感（真实）的同时，又保护了长镜头的完整感（控制完美）。
揭秘过程：后半段揭秘过程是整部电影的点睛之笔。
因为那段长视频是直播，所以就要求不能中断，即便导演、演员、道具出现了问题，也要保持所有桥段、剧情和台词的完整。
正是为了守护它的“完整”，这部电影才笑料不断。
在多数人的观念里，拍电影这项工作总有些“高端”，也正因为它的“高端”，才越引发大众的好奇：这么牛逼的特效到底是怎么做的？
这么屌的枪战到底是怎么拍的？
人们的窥探欲就是这么强，当我们看到《摄影机不要停》前面的那段长镜头是如此辛苦地“糊弄出来”的时候，不禁大笑：为了拍电影，原来剧组这么能凑合，这么能苦中作乐啊！
就是这种与“高端”之间的反差，能够带给观众极大的娱乐性。
至于《摄影机不要停》是不是神作，等待时间来评定吧！
5 ) 能不能别毁了豆瓣！
我特地注册号来评论！
看豆瓣分数好多年了，以前真的觉得豆瓣分数很真实，通过豆瓣看了不少让我喜欢的电影， 以前的豆瓣用户在我心里都是神一样的存在， 指引着，表述着很多我看不到的细节！
而现在有一种大神都离开豆瓣的感觉， 不， 不是大神都离开豆瓣， 是越来越多的凤凰粉，沈阳粉，宝强粉把原先的大神埋没！
以前的众神啊..app的分数早就不能看了！
如果连豆瓣都不能看了， 我还能去哪里寻找你们！
作为一个忠实的豆瓣用户十余载！
我从未注册账号发表过一条评论！
如今..如今因为这部烂片！
我要发声！
要发出我歇斯底里的怒吼！
回到电影..如果你们认为我是在控诉电影分虚高！
那你们就大错特错！
这部电影足够跟周星驰的电影媲美！
前面40分我确实有快进，右上角的冲动！
如果没有习惯看豆瓣，以我的性子肯定是把这好片扼杀在摇篮了！
正因为对豆瓣的信念！
我才坚持下来， 现在还意犹未尽！
尊重豆瓣第一批众神！
我肯定不会剧透！
这既不是烧脑的电影也不是阐述伟大观念的电影！
一部轻松的喜剧电影！
神奇的是这部电影看完写评论的时候写不出有关于电影的半个字， 到是只有一首歌词非常适合表达它.. 有些（人）说不清哪里好， 但就是谁都替代不了！
最后建议那些（伪会员）！
无论你爱不爱豆瓣，无论你喜不喜欢这部电影！
我麻烦那些打一星的！
就算开头烂！
也比国产网剧强几倍！
也在3星左右！
你们不去炮轰那些刷分网剧！
来这里给一星我就看不懂了！
就算你是影评大神， 又怎样！
人不是神，不可能不犯错也不可能代表所有人观点！
再短评里争个高低你的所有行为也只能代表你个人观点！
你没想过多几个你这样行为的人！
豆瓣会变成什么样！
我要向豆瓣道歉！
因为我也不是神， 即使相信了豆瓣十年！
在看到有人打一星的时候我确实动摇过，怀疑过这部电影分数的真实性！
让我一个十年老用户产生怀疑的不单单是你们，还有来自爱奇艺腾讯这些水军！
毁了主流app，我真的害怕他们毁了这唯一的净土！
假如，假如大家喜欢这个净土，那么请求，请求大家看到不喜欢的电影！
给一个客观的分数， 或者像我一样！
做个只看电影不说话的用户！
6 ) TMD什么叫TMD惊喜！这部电影来告诉你！笑出猪叫！
早就被别人安利好几个月了，这部电影在日本简直了，可以作为日本影史最受欢迎十大电影之一，甚至能载入日本电影史册。
目前内容在网上已经有了，此片必火，虽不能说逆袭我的三观，但看的时候依然能让我惊喜连连，给了我这种焕然一新的感觉，半夜让我笑出猪叫。
它就是——《摄影机不要停》！
《摄影机不要停》成本说出来吓死人，只有300万日元，差不多就18万人民币，估计有些人樱花季去一趟日本血拼，差不多就这个价格吧。
但就是这样极极极小成本的电影，光在日本本土，就逆袭了将近2亿人民币票房，在日本如此小的国土，这么小的成本，这样的票房回报率，足以看出影片的黑马效应。
到目前为止，各国发行商力求引进，在各种电影节上《摄影机不要停》提名拿奖到手软，各种小规模放映点映也都到了一票难求的地步，光在北京的日本新片展里，《摄影机不要停》秒光，重现前段时间《小偷家族》点映抢票盛况。
那么这部仅18万的丧尸片，到底有什么魔力呢？！
答案是不断给你制造惊喜！
不断给你制造意想不到的笑果！
到最后还能被他们的毅力感动！
这让我想起来看电影的一个标准，就是好的电影，能把你的某一种情绪掏空，比如好的文艺片会掏空你对人生意义的思考，好的动作片会掏空你的肾上腺素，好的惊悚恐怖片会把你吓到不能自已，好的喜剧片那必须让你笑到知足。
虽然这是比较大众式对电影的评判，但也足以证明每种类型电影的功能性。
《摄影机不要停》就有掏空你惊喜感，刺激感，欢乐感的功能。
丧尸片类型在今天已经非常成熟了，大热美剧有《行尸走肉》，经典但是最后拍得烂尾的有《生化危机》系列，电影大制作有《活死人黎明》，《僵尸世界大战》，《釜山行》等等。
现在的丧尸片如果要做到观众感兴趣，必须要十分有创意。
《摄影机不要停》变成爆款，影片的创意就在于有种指鹿为马的感觉。
先说下开头，不会影响观影效果。
影片前面基本是一个传统丧尸片，讲述一群小成本电影制作团队，来到一个连手机信号都没有的废弃工厂，要拍一个极低成本只有男女主角的丧尸片。
片中导演因为女主不了解什么是真正的恐惧，于是在天台画出血咒，找来了真正的丧尸，导致整个剧组的人接连变成丧尸。
最后整个“影片”只剩下女主一人。
整个戏中戏的丧尸片一镜到底，当时我在看的时候，心里就在嘀咕，难道这片子成为爆款就是因为一镜到底？！
现在一镜到底对于电影技术来说简直是小菜一碟呀，哪有什么难度。
看到这里的我，就想给这部片子一个中庸的标签，结果...真香！
当片子放到三十七分钟时，这部戏中戏的丧尸短片出字幕了！
这就很奇怪了，难道还来个戏中戏中戏？！
——深度剧透——果然，一镜到底的镜头没有了，回归了传统电影语言视角，讲述了一个月以前导演为了筹拍这部丧尸片的前后。
也就是说，整部《摄影机不要停》后面的三分之二，还原的是前面丧尸短片的幕后，但是这个幕后可要把人笑出腹肌了。
在看前面丧尸短片的时候，我就纳闷有一些桥段为何如此奇怪，但又在脑子里琢磨，这可能是这部影片的特色之处吧。
比如，男女主角和化妆师坐在那聊防身术，这一段尬聊似乎在消磨时间，但防身术在后面的戏份中，我们只要从画外音听到“碰”！
就知道是化妆师出大招。
这时候装逼的我就觉得，嗯，这段尬戏的功能就是解释后面防身术的画外音。
此外防身术貌似对后面被丧尸抓到，也有一技防身之术，这一段尬戏安插其实还很有用的说。
正好，他们说到这地方被诅咒时，门外有一声巨响（影片幕后片段有解释），这也太应景了！
谁知道，幕后另有玄机...又比如，配音师逃跑的桥段，看短片的时候总以为是害怕而出逃，谁知道...知道真相的我笑喷了。
还有导演对着摄像机大喊：“摄影机不要停！
”
看短片时，装逼的我还在脑子里想，这不就是戏剧语言中的：“打破第四面墙”吗，也没太大惊喜呀，《纸牌屋》系列都用烂了好么，而且这也是几千年前莎士比亚开创的。
谁知道...我被深深讽刺了一把。
在“短片”中还出现了，当时逃跑时女主撞了摄像机，镜头倒在草地上，一直静止不动，画面内只有不到一半的有效取景。
这个时候装逼的我又在想，这是伪纪录片拍摄的一个重要指标，就是故意要让镜头掉在地上，不经意间拍到重要信息，以增加真实感。
这样的拍法在《科洛弗档案》中已经用过了，最后摄像机掉在草地上，拍到的就是怪兽的特写。
谁知道...是我想太多...再来就是女主角天台长时间呐喊，装逼的我又在想，这不就是致敬《惊魂记》中女主在浴室的恐惧特写吗，希区柯克曾经提到过，未知的才是最恐惧的，当观众看不到凶手真面目时，脑子里就会胡思乱想镜头外的事情，从而产生未知的恐惧。
而且女主恐惧的特写，对比了一开始假装演恐惧的脸，让人觉得好恐怖。
谁知道...事情并不是我想的那么丰富。
其实《摄影机不要停》中短片镜头的构思，确实是运用到了这些镜头语言，只是说，导演把这些经典的镜头语言，变成了后面所有包袱的巧思，从而造出十分惊喜的笑点。
特别是化妆师的越来越无厘头的演技，虽然后面有解释，但是如果只看那部短片，其实也不违和，cult片不就是这样的夸张表演方式吗，而且日本演员有时候漫画式的夸张演技，也是一种特色。
更让人惊奇的是，在这些惊喜之中，还包裹着一层暖暖的父女情。
导演原本是不接这部一镜到底的丧尸片的，但因为片中男主是女儿爱豆，才决定接下。
而且导演为了女儿的不妥协，在拍摄这部短片中，也渐渐变得不妥协，即使这部短片是二半夜的深夜电视节目，导演也选择尽心尽力做到完美。
这样的匠心精神，由女儿感染了父亲，父亲又回馈到女儿，父女从开始的互相误会到后来的和解，让人不禁鼻子一酸。
此外片中的每一个角色，都有相应的心路历程，每一个角色彼此的作用相互绑定，彼此依存和成长，看似各种轻松偶然的拍摄的创意，其实都是精心设计的剧情和动作。
当然，如果你要从这部类型框架很强的电影中，去感知一些深度和意义，那肯定是不存在的，就如导演自己在访谈说的，他只是想创作有意思的东西，电影只是一种娱乐，观众体验非常重要。
导演照着自己内心的独白，果然拍出了一部十分有意思的《摄影机不要停》。
我想不到什么理由不推荐这部作品，因为影片的体验，真的太赞了！！
最后用影片刚火起来时，大家常说的一句话做结尾吧：总之快去看吧！
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7 ) “卡”与“砰”：《摄影机不要停》的“烂片之道”
浑然天成的“粗制滥造”上田慎一郎的长片处女作《摄影机不要停》的摄制成本只有300万日元（折合18万人民币）。
就是这样一部成本甚至不如某些学生毕业作品的影片（事实上本片也确实是由导演本人主办的影视学校主持的学校项目），靠着口碑一路逆袭，在日本实现了超1000倍的票房回报率，已经超30亿日元。
在第31届“东京电影节”上，创造票房奇迹的剧组全员获得邀请，走上了红毯。
这一部“关于电影的电影”开场便是长达37分钟的长镜头。
甚至这个长镜头本身还相当“劝退”——名为日暮的导演率领剧组在深山中的一个净水厂中拍摄名为《One Cut of the Dead》的丧尸片，无奈女主角千夏演技太差，一条镜头拍了42遍仍然NG，气得导演破口大骂“你的人生从头到尾都很虚假”后愤而离场；化妆师奈绪安抚两位主角，聊起了此地的都市传说：布下血咒即会招来真正的丧尸。
正当三人聊得正投入时，真正的丧尸出现了。
丧尸危机的爆发让众人慌了神，唯独导演除外。
原来血咒正是导演下令布下的，他企图召唤真正的丧尸来拍摄真正的恐慌，换言之，把故事片拍成纪录片。
于是，剧组众人展开了镜头中的生死逃亡……这个长达37分钟的长镜头观感颇为拙劣，不仅晃动剧烈，表演生硬，还出现了摄影机倒地，甚至画框中出现一只手擦拭镜头玻璃上的血迹。
据说，在37分钟结束后、演职员表开始滚动时，电影院的某些状况外的观众直接离场了（他们以为本片到此结束）。
相信不少人在观看途中一定也频频做出“这是什么鬼”的反应。
然而，充斥着看似穿帮镜头的这一长镜头仅仅是本片的第一部分。
演职员表滚动结束后，“一个月前”的转场标题浮现，第二层叙事于此展开。
原来，《摄影机不要停》讲述的正是一个资质平平的导演接下了一个电视台项目，按要求以一镜到底的方式拍摄一个电视台直播的“丧尸片摄制事故”。
无奈的是，不仅金主没什么追求，“能看就好”，招募来的演员和工作人员也是各个奇形怪状。
电影的水准实在不容乐观。
《One Cut of the Dead》项目的缘起、选角、排练等场景构成了《摄影机不要停》的第二部分，呈现的是一个导演及其剧组的工作日常。
接着影片进入第三层叙事：（灾难般的）摄制过程，也正是在这一部分中，观众得以了解，原来第一部分无比拙劣的表演和怪异的衔接，都是因为这个过程中出现的种种状况。
或者应该说，与其说第三部分是在“解释”第一部分，不如说第三部分是在“解构”第一部分，进而与第一部分、第二部分，一起建构出完整的《摄影机不要停》这部影片本身——一部关于摄制低成本烂片的电影，涵盖且按照“成品（虚构）-筹备（写实）-拍摄/花絮（写实）”的编排剪辑结构最终呈现——前面有多粗制滥造，后面就有多浑然天成。
真正的丧尸与迷影激情《摄影机不要停》其实早在去年十月就已经完成摄制。
今年四月，在意大利乌迪内的远东电影节上，本片获得观众选择奖第二名，于是出口转内销。
只是，新人导演加素人演员的阵容实在缺乏卖点，最初只有两家小影院愿意播放。
然而凭借着口碑，本片开启了票房的逆袭发酵。
毫无疑问，《摄影机不要停》本身讲述的正是“一部烂片的诞生”，但它也绝不是NHK电视台经常放送的电影摄制幕后的纪录片（例如关于宫崎骏的《不了神话》），或是如今市面上常见的DVD附赠的花絮片段。
应该说，能把“烂片的诞生”拍成神作，那就相当考验功底了。
关于电影的电影并不在少数（所谓的Metacinema，元电影），费里尼的《八部半》、特吕弗的《日以作夜》、赖兹的《法国中尉的女人》等等皆为珠玉。
如果把这个分类扩大到“戏中戏”，那么数量就更多了，这种嵌套、互文结构在文学史和戏剧史中的运用俯拾即是。
绝大多数元电影处理的不外乎真假虚实的问题，同时借助界限的模糊，来探讨生活的荒诞与艺术的崇高。
但《摄影机不要停》在第一部分就相当滑稽且毫不遮掩地暗示观众：你们现在看到的都是假的，甚至连“丧尸”这一主题也是为了高度强化这一虚假感，哪怕日暮导演为了捕捉“真实”，布下血咒试图召唤“真正的”丧尸。
虚实界限的模糊在这里绝非影片所关于和追求的。
应该说，《摄影机不要停》曲径通幽。
逆序的呈现（借助“现场直播”这一项目指令），有效整合了形式，不得不说是精彩的创意。
选择一开始就把“至假”毫无保留地拿出来，才能一步一步走向“至真”。
当然，这样做的风险并不小，不明就里的观众确实有可能会直接在第一部分结束时就离场走人。
好在第三部分严丝合缝、高潮迭起又笑料百出，这都要仰赖编剧与导演的精心布置与悉心打磨。
那么在《摄影机不要停》里，什么是真的？
剧组对电影的爱吗？
并不准确。
因为无论是男女主角还是工作人员，多数人并不投入，甚至还以种种借口或自我放纵来敷衍和损害摄制工作。
尸位素餐的他们是影片所隐晦讽刺的丧尸。
然而，正是在这群尸位素餐的人的衬托下，日暮导演、奈绪、晴美三人对电影的爱就更加珍贵和显著了。
戏中走火入魔的日暮、无比入戏的奈绪，以及场外机智无比的晴美，都全身心投入到《One Cut of the Dead》。
换言之，日暮一家三口既是《One Cut of the Dead》的最大功臣，也是《摄影机不要停》真正主角。
他们仨对电影的狂热才是导演借助“丧尸”所要表达的。
更重要的是，丧尸电影作为类型片，自身所遭遇的“生化危机”（或过于肤浅或过于沉重）在这里被精巧地回避了，恐惧与杀戮的奇观被消化成《One Cut of the Dead》拍摄过程本身的奇观。
“丧尸”这一元素被挪用于隐喻电影制作（filmmaking），与丧尸的战斗，便是守护迷影激情的实践。
“烂片”的诞生本身也可能是一场惊心动魄的战役，而拒绝喊“卡”、“摄影机不要停”（以及若干致敬桥段），正是戏里戏外两位导演对电影的真情告白。
一地鸡毛与“砰”流防身术在《摄影机不要停》中，“丧尸奇观”不仅是手段，也是目的——服务于迷影激情的抒发。
不过，正如歧视与伦理是丧尸类型片所一贯服务的主题，《摄影机不要停》同样也没有放弃这一方面的诉求。
或者应该说，描述片场鸡飞狗跳，再仅借助日暮一家三口对拍摄的激情投入，难免将沦为电影人的自恋的絮语，它也较难满足更广大普通观众的情感需求。
于是，上田导演轻快地引入了父女情谊，并巧妙地将它打造成为破除拍摄困难的终极武器，实现了第三部分的看点，自然也就把廉价的戏中戏闹剧进一步深化了。
不过，仅就笔者个人而言，最让人印象深刻的还在于过分入戏的日暮导演之妻，戏中戏里的化妆师奈绪。
奈绪曾经也是一名演员，只是容易用力过猛、入戏太深，导致经常不自主地加戏。
然而，在《One Cut of the Dead》中，她略显夸张的行为其实非常符合逻辑，尽管“奎托斯”附身杀红了眼确实很好笑，但这种投入的精神毕竟越来越不容易见到了——尤其是在鲜肉流量抠图绿幕盛行的国内影视圈。
如果说《摄影机不要停》对曾经有过导演梦的观众而言，唤醒的是曾经手持摄影机，叫上三五好友，不管三七二十一地拍个昏天暗地的澎湃青春，那么对于更广大过着烂片一般生活的普通观众而言，透过奈绪这一角色，它的启示还在于：面对剧场/生活中的一地鸡毛，我们是否有足够的果敢与勇气挺身而出？
当我们被生活的丧尸擒抱住，是否有足够的镇定与技巧，大喊一声“砰”地解围脱身，抡起斧头大杀四方？
---原文发表于《虹膜》微信公众号20181213
8 ) 摄影机，永远不要停！
1999年，盛夏。
一部不起眼的低成本恐怖片在美国的27家影院上映，由于反响十分激烈，影院数在第二周直接上涨到1100家，这让制作方与拷贝冲印公司忙到焦头烂额。
该片成本仅6万美元，却在全球创造了2亿5000万的票房。
将近4000倍的投资收入打破了所有的影史记录，那些传统的电影工作和好莱坞制片人为此大跌眼镜。
它就是震惊影坛，撼动好莱坞传统理念的《女巫布莱尔》。
同年8月，该片的两位导演双双登上了《时代周刊》封面。
只是他们没有想到，在19年后的日本，一位叫上田慎一郎的年轻人带着一群人，同样复制了他们的神话。
1正片VS花絮2018年，初夏。
日本东京的两家艺术影院放映着一部关于丧尸的恐怖片，不料上映几周，口碑迅速发酵，放映规模扩大到全国的150家商业影院，堪称年度现象级爆款。
要知道，它的成本仅是18万人民币，比《路边野餐》还少了2万元，却有着惊人的1:1000的收益回报率。
它就是《摄影机不要停》 。
电影开场就是一镜到底的丧尸片，甚至最后还像模像样的出现了片尾字幕。
不明真相的观众定会以为电影放完了，可让我们看下手表才发现只是过了37分钟而已，到底是怎么回事呢？
原来该片分为两部分：前半部分是“丧尸正片”，后半部分是“幕后拍摄过程”。
而幕后花絮则是不断的在解构正片，为我们揭晓前面正片出现的拍摄事故和拍摄技巧。
看到后面你会发现，前戏根本没有按着剧本走，完全是脱节的状态，原本是一出无比正常简单的丧尸剧，却在后面的直播过程中状况迭出，彻底失控。
比如“导演”突然愤怒的咒骂男演员，“导演”老婆莫名其妙地做出带有“彭”声的防身术动作，光头小哥一再地想出去却不说原因。
这种捧腹大笑的幽默感，不仅得益于创作者超强的逻辑思维和编排能力，更来源于本片无视传统常规的拍摄手法。
2摄影机VS观众它完全采用头悬目眩式的手持摄影和急推急拉的复古拍摄手法来表现丧尸的紧迫感，再配上演员浮夸到极致的表演，简直就是对好莱坞B级恐怖片的完美戏谑。
电影还出现演员冲着镜头说话的场景。
甚至上演抹布擦镜头的好戏，简直令人瞠目结舌。
电影从1895年诞生至今，就是在不停地弱化摄影机的存在，以便让观众有一种身临其境的感觉。
可《摄影机不要停》却反其道而行之，无时无刻不向观众灌输“摄影机始终存在”的理念，这种“间离”的手法在法国新浪潮时期用的最为纯熟。
新浪潮运动的领头羊——戈达尔在《筋疲力尽》、《法外之徒》、《女人就是女人》等作品中，一再疏离观众和电影的关系，他认为观众应有自己的选择，这一理念同样也在《摄影机不要停》中体现。
它有别于其他传统叙事片一贯牵着观众鼻子走的习惯，而是将主动权完全交于观众手中，让观众去回味电影里的每一个“点”，就像是探宝游戏一样，不停地发掘正片和花絮之间的连接点。
这种不断发掘的过程，也是趣味性不断积累的过程。
比起特效堆砌，容易引起审美疲劳的超级大片，《摄影机不要停》显得更为生动富有灵气，正是因为它在剧本结构上的无限探讨，从而产生一种余音绕梁的效果。
3齐心协力vs状况迭出不难猜出，该片灵感来源很有可能是三谷幸喜的《广播时间》和博格丹诺维奇的《大人别出声》，两者讲述的都是原本好端端的节目，因为现场状况不断，而被改得面目全非的故事。
《摄影机不要停》正是借鉴了前者的剧作形式，用戏中戏的外壳来包裹电影故事的内核：电影制作者的艰辛路程。
在《摄影机不要停》的后半部分，我们会看到剧中“导演”不断的在妥协，男演员一直在摆臭脸质疑导演。
女演员则为了自己的偶像包袱拒绝拍摄恶心戏份，拍摄哭戏也只想用眼药水。
这也侧面揭示了演艺圈的怪相，一些演员只是混混日子，毫无职业操守，甚至还在片场频频耍大牌。
这不禁让人联想起前段日子，老艺术家们纷纷斥责小鲜肉不敬业的事件。
但在最终的拍摄过程中，为了保证节目直播的顺畅，这一群凑来的剧组成员开始齐心协力，一起达成这项“不可能完成的任务”。
尽管现场状况百出：比如在现场烂醉如泥的大叔吐了别人一脸，入戏太深的家庭主妇拿着斧头追杀女演员，摄影师受伤只能由一个毫无经验的实习生顶上。
直到最后在摇臂被摔坏的情况下，众人搭起一个“人肉摇臂”，从而达到了电影的高潮。
这不仅是一次向电影的热血致敬，也让影迷重新找回那份爱上电影的激情和感动。
它有的只是随手皆拾的迷影精神，洋溢着对电影的热爱之情。
就像剧中“导演女儿”所穿的T恤，从《疤面煞星》到《出租车司机》再到《闪灵》，无一都是在表达对电影的由衷敬意。
导演上田慎一郎在采访中也说到：20多岁的时候要去经历失败，30岁的时候这些失败会成为你的武器。
他曾经背负百万债务，拍摄此片时也请不起大牌明星，成本能省则省，服装是大家用剪子剪一剪弄脏做出来的，剧中“导演”一角的住所也是上田慎一郎自己的房子，而那个哇哇大哭的婴儿正是导演自己的儿子。
所以，我们从电影中看到的不是刻意取悦观众的戏剧性，而是一种弥漫其中的迷影情结。
而《摄影机不要停》也旨在说明一件事：如果你想拍电影，只要足够喜欢，大胆地拍就好了！
正如苏珊·桑塔格所说：如果迷影死了，那么电影也就死了。
是的，迷影万岁！
电影万岁！
9 ) 别看不起烂片，它们也有尊严！
摄制组在深山的一家废弃工厂拍摄一部丧尸片时，却意外唤醒了真的丧尸...这是[摄影机不要停！
]一个俗套到有些想让人翻白眼的开头，但它后续的展开却完全惊人地偏离了人的预想。
5个多月前，当[摄影机不要停！
]初次只在日本的几家艺术影院点映时，很难会有人想到它如今的火爆程度。
300万日元(约合18万人民币)的成本，没有一个明星，前期几乎无宣发，上映后却口碑迅速发酵，几个月突破了百万观众数，揽下超30亿日元(约合1.839亿人民币)的高票房。
不仅如果你是丧尸片、恐怖片爱好者，你不能错过它；但凡你热爱电影、热爱喜剧，你都一定不能错过它。
因为，这是一部写给电影爱好者的情书——前37分钟丧尸短片展现出来的粗糙、怪异、令人困惑不解的地方，都在电影后半段的拍摄过程一一解开。
难怪有人说，这部片的观感大概就是[房间]和[灾难艺术家]的连映，恰当如是。
当觉得前路漫漫、为梦想很难坚持的时候，看这样一部为电影人写的笑中带泪的情书，会觉得没有人容易，尤其那些预算有限、时间可怜的B级片导演。
B级片，B-movie，并不是通常意义上的一种电影分级，而是从制作投入上划分出来的，低预算影片。
上世纪30年代，有声片开始出现，从默片到有声片的转变扩大了观众群体，让更多人开始走进影院；再加上当时的经济萧条期，大萧条中的美国人呐，才不管你电影院里放的是什么内容，只要能让人们暂时忘掉那困顿的现实，救济金里掏个几分钱还是很乐意的。
所以，人们也常常用“黄金时代”来形容30年代的美国电影业。
早在20世纪后半期，米高梅、派拉蒙、华纳、福克斯等大制片厂已经形成了一种相对明晰的产业结构图，高投资的A级片也能为他们取得不错的收益。
比如，华纳的有声片[爵士歌手]就以40几万的成本为他们收回了超过350万美元的票房。
©[爵士歌手]剧照但是，另一面，随着高投入和增多雇员而来的是，很高的投资风险。
那些出身于早期5分钱镍币影院的老板们自然很明白，怎么样节省资金、物尽其用——在拍摄A级片较长的制作周期间隙，充分利用人员和设备，顺道拍一些低廉的小片。
这样，B级片顺势而生了。
那时的影院，学的是早期歌剧院的模式，几部不同的作品接连上演，先放卡通短片、风光短片等等，差不多了才是正片。
而B级片，往往在正片结束之后放映，几十分钟但不超过一个小时。
©比如1938年的[萨德的朋友们]只有55分钟比起那些有着大明星、大导演加身，高成本、制作精良的正片，随机附送的B级片根本无所谓题材和质感。
没有明星出演、演员演技感人，场景少，布景、特效低廉简陋，剧情俗套平庸、甚至常出现连贯错误，趣味低级等等特征，就成了B级片的标签。
要说，[摄影机不要停！
]里那前37分钟的丧尸短片，就完全可以称作是B级片水准。
B级片这个词，也似乎成了一个暗示着质量低廉、俗套差劲的负面词汇。
美国60年代后，虽然捆绑上映的“双片制”早已取消，但汽车影院、午夜影院的出现，开始让B级片更加兴盛起来。
©60年代的汽车影院推动了B级片的发展它常常和暴力、恐怖、血腥和情色等剥削题材合流，吸引了当时新成长起来的青年一代观众群。
那时，甚至又出现了比B级片质量更为廉价的Z级片概念，它们也常常被毫不客气地叫做“Trash Film”。
剧本更差、剪辑和灯光更差、演员更差，常常是在电影产业边缘甚至外部制作的Z级片，跟B级片一起，虽然边缘，但也成为电影本身的一部分。
虽然被绝大多数观众瞧不上，但每个时代它也有着属于自己的那一小撮忠实拥蹙在。
吉田大八的[听说桐岛要退部]里，有一个手拿摄影机疯狂执着于拍丧尸片的普通少年前田。
在一次观影冢本晋也那狂暴凌厉的[铁男]之后，他和偶遇的同学激动地聊起自己如数家珍的B级片，对方却连连摇头表示不认识，然后很快走开了。
©B级片[铁男]直接出现在[听说桐岛要退部]里这种有些伤感的孤独和落寞，大概很真实地代表了很多B级片死忠的感受，可能也是那些一生不被理解、伴随嘲笑而生的失败者导演的心声。
比如，艾德·伍德。
艾德·伍德一生写了至少47个剧本，执导了18个影视作品，监制了12部影片，但他生前，无人识得。
他去世后，被后来的影评人冠之以“历史最差导演”头衔，他的[外太空计划9]也被评为“历史最差电影”。
这才激起了人们对这位从没拍过一部好片的B级片导演的兴趣。
©德普演绎的[艾德·伍德]剧照蒂姆·波顿为他拍传记片[艾德·伍德]，在电影结束前，让饱尝了无数心酸和挫折的艾德·伍德收获了人们的掌声。
但这是明显虚构的。
他拍第一部电影[忽男忽女]，是在好莱坞寂寂无名混迹良久之后自己争取来的机会——3天时间写剧本、10天拍摄，3万美元左右的预算。
到了[外太空计划9]时，他更夸张，只花了5天时间就拍摄完成。
当然，当时是无人问津，后来是声名狼藉，缘于这些片子低成本、短时间带来的“粗制滥造”感。
[外太空计划9]里，他用洗得发亮的盘子当飞碟，用纸板来做墓室。
©[外太空计划9]里的飞碟能看到线仔细看还能看到飞碟飞过时吊的长线，而演员们偶尔还会撞到甚至撞倒那些用硬纸板做的粗糙布景。
同样一个场景，他白天时拍一次，晚上再拍一次，同样的素材在电影前后反复多次出现。
更别提那些业余演员们的尴尬演技了，像是在经常望着提词卡一样的说台词方式，对白写得也无聊又尬。
表现战争时，他更直接把以前的纪录片场景搬出来放进去，这些都让[外太空计划9]成为无可争议的烂片“神作”。
而在传记片[艾德·伍德]里，还有一段他拍[大话原子人之怪兽娶亲]时的悲催场景。
©[大话原子人之怪兽娶亲]里的章鱼怪他电影的主角大型章鱼怪的道具是全体工作人员半夜去别的片场偷过来的，结果偷得太急还忘了拿章鱼怪的发动机。
没有音响、一晚上要拍25场戏、几乎晚上只睡一小时就接着起来拍、演员们还要泡在水里自己动假装被章鱼怪袭击。
历经这些艰辛过后的电影首映礼，迎接他们的却是观众们冲着演员、导演扔鸡蛋，甚至还差点因为愤怒砸了艾德·伍德的车。
比起令人心疼的艾德·伍德，似乎就连[摄影机不要停！
]里剧组为拍摄丧尸短片所付出的一切都不算什么了。
毕竟，被自己的观众用臭鸡蛋丢这种经历，也不是每一个B级片导演都能有的。
艾德·伍德只是其中之一，历史上那些无数个为着“摄影机不要停！
”梦想努力向前奔跑的人中的一个。
《纽约时报》曾经这么说过：[大白鲨]不就是一部高成本的罗杰·科曼电影吗？
罗杰·科曼，另一位B级片之王，一生导过50多部B级片，他曾经用5天时间拍摄了[血流成河]，也曾用两天一夜的恐怖效率拍出过B级片经典[恐怖小店]。
©[恐怖小店]海报他甚至有一句流传甚广的名言：电影只有一种拍法：飞快地拍。
为了省钱省时间，他经常让摄影师平常就去追着消防车、救护车拍，甚至拍生活中任何正在发生的动作。
因为，他会直接把素材放进电影里；为此，他甚至自己跑到火灾现场、不顾危险地拍摄大火场景。
放心，这样的大场面拍完之后，他的下部片、下下部片可能都会反复使用这同一素材，绝对不会浪费。
[马诺斯：命运之手]，另一部名垂影史的神级大烂片，常年在最烂top10的榜单，导演阿罗德·沃伦却是一个心怀电影梦的化肥商人。
©[马诺斯：命运之手]海报包括新世纪以来，烂成史诗级名作的[房间]和[群鸟：震惊和恐怖]，导演托米·韦素和詹姆斯·阮也都是异常“严肃而真挚”的“电影人”。
在詹姆斯·弗兰科为托米·韦素作传拍的[灾难艺术家]里，你可以看到他是多么认真、多么真诚地想拍出一部杰作。
但也是这么用心地拍出了这部哪哪都不对、哪哪都是错的“烂片界公民凯恩”[房间]。
詹姆斯·阮这位越南籍希区柯克铁粉就更有意思，把自己上班以来攒下的1万美金全部用来拍摄[群鸟：震惊和恐怖]，更花了4年时间仔细打磨。
©[群鸟：震惊和恐怖]里的特效做后期时没钱了，就找刚毕业的特效师来做，这片的特效其实就是把鸟儿复制粘贴了一下而已。
所以啊，别看不起烂片，它们真的也有尊严！
就像[摄影机不要停！
]结尾，摇臂摄影机摔坏了，剧组所有人哪怕叠罗汉也要拍出来想要的那一幕。
粗糙是可以的，糟糕也是可以的，但拍片的摄影机不能停！
参考资料：【1】「カメラを止めるな！
」上田慎一郎監督、当初の目標は動員5000人，映画.com【2】Roger Corman，Wikipedia【3】B-movie，Wikipedia【4】Birdemic: Shock and Terror，Trivia，IMDB【5】B级片历史，电影推荐网，2016.4.6【6】Funniest B Movies of All Time，PaulDeMerritt，CheatSheet，2017.1.28【7】他是史上最烂的导演！
可他自己却不这么认为，黎小墨，公众号奇遇电影，2016.6.4【8】Ed Wood：Tim Burton’s Beautiful Ode to a Fascinating Filmmaker, From One Outsider to Another，CINEPHL 作者/卷卷毛文章首发于微信公众号「破词儿」
10 ) 「摄影机不要停！」的盗作疑云
前几天看到影院推特转推了一则导演的澄清文，大意是“影片受剧团PEACE的舞台剧「GHOST IN THE BOX！
」的启发，但个人还是认为影片是自己的纯原创作品，希望和剧团的冲突能得到完美解决”。
于是去查了一下，原来是剧团PEACE的主理人上杂志指控影片并非原创。
经过查看多方的报道和相关人士的博客，整理时间线：2011年，舞台剧「GHOST IN THE BOX！
」首次上演。
2013年，舞台剧二次上演。
其中一场，「摄影机不要停！
」影片导演作为观众观看了本剧。
2014年，剧团PEACE解散。
2015年，「摄影机不要停！
」影片导演和之前早已熟络的剧团成员B开始了舞台剧电影化的企划。
后邀请舞台剧编剧之一的A，撰写电影版剧本。
然而之后企划不幸夭折。
2016年，在新制作人的加持下，企划由导演一人为主导再开。
导演只向和舞台剧版本实际并无所有权关联的B表达了“想继续做电影版「GHOST」”的意向。
（B大概是“同意”了）2017年，电影制作完成。
完成后，导演才向舞台剧编剧之一的A表达了“加上署名了”。
然而A表示，在剧本被重写到实际拍成电影的过程中，完全没有任何为获取许可的联络。
实际电影上映，A和B署名的位置在“企划开发协助”一栏中。
2018年7月下旬，剧团主理人观看完电影后，联系电影方想要得到署名，得到的回复是“虽然一开始和A、B一起创作，但企划夭折后，最终做出来的是完全‘另一个东西’，所以没办法列入「原作」。
假如作为参考的作品都要署名的话，三谷幸喜的作品也有必要加入「原作」的行列”。
后来，主理人又和电影制作人为代表的电影方进行了面对面对话。
适逢电影宣布扩大上映，电影方以当日不得不说定署名问题为由，最终提议以「原案」而非「原作」署名作为第一步，后期再判断是否为「原作」。
结果是，扩大上映版时的片尾，加上了“原案：剧团PEACE「GHOST IN THE BOX！
」（编剧：A 导演：和田亮一）”的署名，并在特别感谢一栏，加入了剧团主理人和田亮一的名字。
电影方之后联络说，最终整理判断的结果只能是「原案」，并发来一份“原案利用契约书”，其中规定剧团主理人将不再拥有对自己创作的原版舞台剧进行电影化、再舞台化等再制作的权利。
2018年8月21日，剧团主理人实名接受周刊杂志「FLASH」采访的报道公开，关于「摄影机不要停！
」非原创的指控正式浮于公众面前。
问题的关键也明确到，究竟是“原作”还是“原案”的选择中。
（从这儿开始到最后均为深度剧透，后果自负）____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________虽然现在已经是不太可能看到原始舞台剧了，但原舞台剧的大致情节设定、形式构成等等都能通过舞台剧评分网站的评价窥见一二：在一幢废弃建筑的2层，突然一名年轻女性被杀害。
然而马上揭晓，其实这是某大学的电影兴趣小组在进行电影的拍摄。
此时，加入了生物学研究员、废弃建筑摄影爱好者、小说家。
生物学研究员说起了，这儿曾经被用做人体实验的场所。
紧接着，就发生了各种诡异的杀人事件，其中很多是不符合事实逻辑的杀人手法，直到杀到最后揭晓了元凶。
前半的恐怖推理剧结束。
舞台重新布置，场所改成了这幢废弃建筑的3层，各种刚才出现过的人物、没出现的人物进进出出，原来刚刚的带着恐怖色彩推理剧是真正的电影摄影中的一个镜头。
在不同的场景下，把刚刚发生过的一切从头再现了一遍。
然后就解释了恐怖的怪声是怎么来的，又发生了哪些突发状况，以及对应的工作人员、演员的即兴发挥，还有那些不符合事实逻辑的杀人手法的揭晓。
后半喜剧风格，全剧结束。
____________________________________________________________________________________废墟，传言曾进行过人体实验，剧中剧，前半成品后半解密，前半恐怖后半喜剧。
据剧团主理人所言，还有一些台词，标题的这句“摄影机不要停”也是舞台剧的台词中有的。
最开头女演员大喊“求求你，不要不要”导演喊“cut”，来说明背景是电影拍摄的桥段，也是重合的。
如果若干设定上的相似还可以勉强忽略不计，那构造上的相似度之高，实在是令人感到遗憾。
其实如果只是剧中剧，在影视作品中也很常见，但连剧中剧的呈现形式、内容也都是电影拍摄中发生事件，这剧中剧的重合度也未免太高。
不同的是，把推理剧改成僵尸剧，成品的电影改成直播节目，多添加了家庭成员的励志背景。
改成直播的形式，倒是可以说借鉴了三谷幸喜的「广播时间」，当然广播是不够冲击性，于是就有了电视直播节目。
电影最有趣的，莫过于影片构造，相信也不太会有人最喜欢的是僵尸、励志元素。
影片中非常多的“状况”，应该也都是原创居多，但这些原创的部分并不能印证作品整体的原创性。
还有一部分值得称道的，是影片呈现出了影像的魅力，但可能正因为是电影而非舞台剧，所以才带来了舞台剧无法很好呈现的更多重的影像魅力。
____________________________________________________________________________________自事件曝光，当天导演和制作方就发文否认。
从开始交涉到现在，我们可以看到，他们的主张无非是，“只是受启发，并非照搬”“最后的电影和原舞台剧是完全不同的”“这算原作的话，三谷幸喜的作品也要算（潜台词大概是三谷都没找我，你也够资格来找我？
）”“我导演、编剧、剪辑，是我纯原创作品”。
电影粉丝也纷纷指责剧团主理人碰瓷、眼红、想钱，并翻出他的黑历史来洗白电影方的盗作疑云。
说到底，是不是算、能不能算「原作」，和电影作品好不好没关系，和是不是你导演、编剧、剪辑没关系，和维权方的初衷和过去更没关系，还是要各维度比较两者的相似度。
是不是算，可能只有导演自己心里清楚。
能不能算，还要看接下来可能进入进一步协商，甚至诉讼的结果。
（媒体的主流倾向还是比较难界定，不看好维权成功）作为观众，我想在初步地比较两者后，每个人也有每个人的答案。
但不得不说，导演自始至终“纯原创”的说辞显然已经不太能站得住脚了。
对于导演的下一部作品的期待值，通过这次事件也只能下降好几个档次了。
这部必火！必须火！！！p.s.500一本的场刊里导演把剧本全给印上了，推荐购买
「これ、映画だ！」という最高の純粋さと快楽を満喫。丧尸的“丧”也是职人的“丧”，即被“热爱”这种病毒感染时身心陷入的一种癫狂状态。
欺骗我感情 垃圾
电影到底是什么？本片再次证明了其魅力和拥有更多种的可能性。电影是由摄影机拍摄的谎言，但大多创作者会希望他们努力通过银幕画框表现的作品就是真相，并能够得到观者的认同，所以入戏与共鸣就是双方的目的，也是最重要的元素。第一部分三十七分钟真一镜到底的成片看得疑问多多这什么鬼，随后类似花絮的重述现场与解构的反转煽情达到高潮甚至激动，影像的背后这项艺术早已是团队协作的产物，他又只是一项工作，由许多普普通通的人创造而成的同时疯狂与创意又必不可少还有传承。联想到也是今年很喜欢的新片纯一镜到底的《冰淇淋与雨声》日本的这些年轻影视工作者真是让人汗颜。台北京站威秀。资料馆二刷。
元电影看不得，看完缓不过来。十年前我还是导演专业的学生，拍作业难于上青天，以至于毕业论文附录写的是“短片创作的若干问题”。拍片子真难啊，问题真多啊，欲哭无泪的时刻实在是太多了。多年后才明白，所谓“导演”，职责本质就是解决问题。硬着头皮，壮着胆子，拼命、忘我，最后实现一个价值不大的作品。那又有什么呢，人生就是这样，敝帚自珍。
后半段挺欢乐
伪装的真实之中，子集合包含沥干水分之后几不可闻但能辨别出分量立足点大点小的真实斑块，形态是正无穷渐层剥落。/题外话：来自一则个人偏见就是，纪实是换种捏塑形态展开的杜撰，毕竟赤手空拳义气真实和全凭杜撰不讲道理沉迷「迷失介质」，根据几乎形同，都是导向举步维艰的细窄幽径。但管他呢，可以自制平衡器，但没必要。
我的老天啊，太太太无聊了。剧中剧就是黔驴技穷的无穷无聊堡垒。
恐怖片背后也会有一群可爱的人，烂片背后也会有执着努力的人，那不禁让人联想这部电影背后又是怎样一群人呢？于是电影巧妙的托出主题。从反类型片的角度看是挺不错。想表达的内核也令人动容，只是个人观影体验感觉平平。但在此向所有尊重电影的台前幕后从业者表示敬意。
哈哈哈我要笑到趴地上了，今年货真价实的爆款电影，迷影人群朝圣之作，无论是设定铺垫节奏表演还是“电影感”，都是喜剧片中最高级的那种。前半段越是让人一头雾水，后半段的包袱才会越呈现出争相爆炸的绚烂场面。疑点笑点泪点鲜血狗血热血一个不落！
4.5，你们要知道，烂片也是剧组上下几十口人拼了命才拍出来的
啊啊啊啊啊太喜欢了 真的棒 这就是拍电影的乐趣啊！
最后两个笑很好看！
就是烂片啊……还最后半小时比奥斯卡还精彩……有什么看头
搞笑和情怀半半拉拉，每个都有点不到位，让人笑也不是感动也不是，这个套路也不会有什么很妙很聪明的感觉，只能说愿意看下去
最精妙的还是形式，里面第二套解密真实镜头，当然是独立拍摄的，是演出来设计出来假想的“真实拍摄场景”，其实是最“假”的。但就是在真真假假之间，充分地体现了影像的魅力。大概也不是导演本意，因为内容上还是娱乐性质电影，但用心地设计剧本总还是很值得鼓励的。（补：结果这剧本还不是“纯原创”，可惜）
一部关于拍电影的电影的电影。看过那么多牛逼的一镜到底，看本片前30分钟的一镜到底，简直一脸黑线，这是在干什么？等30分钟过后，影片才进入正题。随后你会发现，就是这么一个外行看来都莫名其妙的一镜到底，背后的拍摄是如何困难重重。影片建立了四层拍摄关系。第一层，是关于一个拍丧尸片的剧组遭遇真丧尸的故事。第二层，这个剧组的遭遇本身又是一个直播的影片。第三层，带你看一镜到底在影片里是怎么造成的。第四层，以彩蛋方式告诉你真实的一镜到底是怎么完成的。最后，这是一部向电影导演致敬的电影。电影是妥协和遗憾的艺术。导演往往是最先做出让步和最终承担遗憾的角色。从莫名其妙到爆笑到最后的一点感动，影片的情绪和文本同样丰富。进十佳，妥妥的。
就这电影有恐怖标签我能够理解，可为什么他能够被收录在高分灾难电影榜单里面？而且前三十分钟其实挺有趣的，而后面一个小时对我来说食之无味，弃之可惜，他的作用就是补充了前面三十分钟几个尴尬的地方，比如学习逃脱术的时候，比如最后男女主砍人的时候多次卡顿的时候，在看的时候比较尴尬，后面解释了一下也算知道了缘由。 只有后面对于剧情的解释，那真的是，前面三十分钟的剧情，就已经看的很明白了好不？所以后面一个小时对我来说很无聊，至于喜剧搞笑，这种恶搞的没啥意思，也就几个跑得快摔倒了挺有意思的，乐呵一下。 本来就可以给前面三十分钟扩展一下，然后剧情演技抓住，他就是一个很棒的恐怖片了，结果看完你和我说这部电影的重点不是恐怖片，而是恐怖片的拍摄过程？不好意思，不对味……
看了半个小时差点换频道，接着看才知道原来拍的是一部烂片的制作过程。还蛮欢乐的嘿嘿，看来亚洲的年轻演员不会演戏已经是个普遍现象，日本的导演也是被逼得没有办法，只好破罐子破摔换个喜剧视角看他们的表演了。但是，稍稍想一想，导演还是非常巧妙的用了一块遮羞布，这块遮羞布就是拍摄过程中的“意外状况”，有了这块遮羞布喜剧就成了存粹的逗乐，因为他把问题的原因转移了。唉，放松一下可好，哈哈，所以庄子才会说与俗人处不谴是非，知鱼之乐还得站在濠梁上。
没看懂好看在哪………不就是所谓前三十分钟劣质的电影拍摄后六十分钟在讲解电影是怎么拍的而已么