月光男孩

在颁奖季获得惊人口碑的[月光男孩]，涉及同性恋、黑人、吸毒等禁忌话题，观影之前便博得了众人眼球。

当你带着惯有思维，认为它会是一部充满暴力，血腥，黑暗元素的电影时，看完你会发现本片其实是一股清流，黑人小清新的细腻与感性，将会令你陶醉其中。

电影讲述了一个男孩的成长过程，分为三个章节，从几岁到十几岁最后是成年后的光景。

生于单亲家庭的希隆，母亲吸毒，父爱的缺失令他从小身心羸弱，常常被人欺负，而他内心觉醒的性意识，又令他羞于与人交流，被置于万人之后，独自一人面对风暴。

这种风暴三次来袭，每次都与“蓝色”相关，因此电影也可改名为：“蓝色，是世界上最温暖的颜色”。

就像片中胡安讲的那段话一样：“你跑来跑去追逐月光，月光下的男孩是蓝色的，你是蓝色的，所以我要叫你布鲁(blue)。

”电影中希隆第一次战胜内心的恐惧，是面对蔚蓝的大海；第二次鼓起勇气，击倒施虐者，他身着蓝色T恤；当他成熟时，面对十几年未见的“挚友”凯文，冰山融化时，他才发现凯文同样身穿蓝色卫衣。

可以说，蓝色就像是希隆的隐形盾牌，三场戏剧冲突，完成了三次身份认同，第一次关乎身体(与大自然的抗衡)；第二次关乎性别认同，个人与社会的关系；第三次再见旧友，成熟强壮的身体依然难以掩饰内心的脆弱，因此这是对身份认同的一种认识与重塑。

电影有三点做的非常突出，分别是表演、摄影以及配乐。

首先，电影中饰演希隆三段人生的三位演员，从外貌特征上来看，毫无违和感。

不仅如此，三位演员都很会用眼神演戏，在电影中，自卑的希隆总喜欢低着头，佝偻着腰，但双眼却显露出倔强、悲戚与难掩的羞涩。

尤其是与凯文亲密接触时，那种试探性与抵触的眼神令人心生怜悯。

其次，是电影的摄影异常夺目。

詹金斯被誉为黑人王家卫，现在看来不无道理。

电影的影调沉迷多情，与角色之前的情绪完美融合，整体氛围就像是吸毒之后的遁入虚无。

这就大大解决了电影中那些暧昧情愫的表现问题，导演难以表达的想法最终都借助影像一一呈现出来。

在打光方面，电影主要采用了大胆阴郁的蓝色作为主色调，然后辅助性地配以高饱和度的紫色、黄色，以及颇具冲破力的红色。

这些颜色的主观混合，再加上大量慢镜的辅助，将本片打造成一场视觉盛宴。

最后，是电影的配乐处理在瞬间拉近了观众与片中人物的距离。

低沉、局促、压抑的音符，就像希隆跳动的微弱脉搏，在每分每秒敲打着观众的内心。

影片最精彩的一幕，是在临近结尾处，成年的希隆去见自己唯一的朋友凯文，两个十几年未曾谋面的人，在局促的餐厅中，不断擦出火花。

尤其是当凯文打开唱片机中的那首歌《Hello Stranger》，久别重逢分外惊喜，时间过了多久，似乎已有多年未曾谋面，还记得曾经的时光吗？

一曲诉尽柔情，此中有深意，欲辨已忘言。

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（1/18/2017：《月光男孩》是我2016年十佳里的第二位，仅落后于《爱乐之城》。

我后来又写了另外一篇更长的回顾影评，讨论这部电影以及它对黑人电影的意义，希望大家喜欢：https://movie.douban.com/review/8299843/）-这是最简单的故事，却又是最深邃的故事；这是由最私人的经历所编写出来的生活，却又诉说着人类最普遍的生活；这是最特立独行的电影，却又是本年度最依靠光与影打动着观众的电影。

这是《月光男孩》，很可能是2016年最好的电影，甚至很可能没有之一。

《月光男孩》《月光少年》是黑人编剧型导演巴里•詹金斯时隔八年为大家带来的第二部长篇电影作品。

跟他上一部作品《忧郁的解药》跟踪一对突然互有感觉的陌生人仅仅一天不一样，《月光少年》跟踪的是主角从男孩到男人的转变。

而这部电影细腻的剧本，则改编自黑人剧作家，同时是麦卡锡天才奖得主的泰雷尔•麦卡雷尼的舞台剧作品。

我试图寻找与这部电影一样华美的语句去总结它的剧情，但却无功而返。

《月光男孩》讲述的可以说是一个再简单不过的故事，而它诉说这个故事的方法则是那么的工整。

我们分别跟踪主角塞隆在小孩，青年，男人阶段的三段经历，籍此试图去了解他的一生。

虽然打着“这是一生的故事”这个旗号，电影却在三个阶段之间有着大量的留白。

我们甚至只能看到塞隆生命中简短的几天，以及那些为数不多影响着他生命的人。

而电影中他的三个生命阶段，则由黑幕硬生生地隔开。

每当我们沉浸在故事中为他的生命而感到苦楚时，黑幕总是伴着玄妙的蓝点或者红点到来。

仿佛在预告将要进入下一个阶段的同时，不断提醒着我们眼前的仅仅是一部电影而已，无论它是多么的真实。

i. Little; ii. Chiron; iii. Bl出生在贫困单亲家庭的塞隆从小被称为“小不点”，从小憎恨着依赖毒品的母亲，从小被周围的同学欺凌着叫他“基佬”（faggot，实在不知道要如何翻译才能达到这个词对同性恋者的极度侮辱）。

沉默寡言的他遇到了有着与毒枭身份不相符充满着怜悯之心的胡安，给予他缺乏的父爱。

胡安让“小不点”借住在他家，教“小不点”游泳。

他还跟“小不点”讲述他自己往昔的故事——那个来自古巴，因为在月光的照耀之下肤色变成蓝色而被称为“布鲁”的男孩，成为了今天这个刚硬的男人。

“总有一天你要决定自己到底是什么样的人，”胡安这样跟“小不点”说道，“别让其他人给你做这个决定了。

”我们后来发现这句话或许给了“小不点”一生最为重要的启发。

转眼间“小不点”已经拔高成为了瘦骨嶙峋的高中生塞隆，而小时候保护着他的胡安也在观众毫无准备之下在屏幕以外离开了人世。

本已举步维艰的塞隆，更需要面对毒瘾日渐增长的母亲，甚至要为她付钱买单。

同时，渐渐懂事的他似乎已经慢慢明白接受了自己同性恋的倾向，更是与戏称他为“布莱克”的朋友凯文有着那稍瞬即逝的美丽火花。

但他依然是同学们的欺凌的对象，让人更为痛心的则是凯文被迫成为伤害他的一员。

愤怒不已的他终于忍不住以暴力反抗，可惜以暴制暴终究逃不过法律的制裁。

十几年后，当长大的塞隆变为“布莱克”进入我们的视线时，他身体上的改变大概是我们最为震惊的地方吧。

披上了满身肌肉作为盔甲的他，如今似乎踏着胡安的旧路，成为了亚特兰大街头的毒枭。

然而这个看似强硬无比的男人，在与母亲冰释前嫌的时候依然留下了温柔的眼泪；然而这个看似日常言语中充满着威势的男人，在见到“旧爱”凯文的时候依然无法组织自己的语言。

故事的结尾，“布莱克”终于敢于面对自己是怎么样的一个人。

他不再嗔怒于别人的眼光，只想做一个真正的自己。

马赫莎拉哈什巴兹•阿里给出了电影中其中一段精彩的演出上面的只言片语，或许概括了《月光男孩》的剧情，却完全无法表达出它深沉的含义以及对观众们内心的冲击。

当结尾的题卡出现在我们眼前的时候，还未回过神来的我们感受到的只能是那道不明的沉重与痛苦而已。

这一方面得益于配角们精彩的演出，尤其是饰演胡安的马赫莎拉哈什巴兹•阿里精彩细致的表演。

这位从《纸牌屋》走入大众视线的实力派黑人演员是那么的让人有着安心的感觉，以至于即便他有着毒枭的身份，观众们却依然能接受到他对“小不点”细腻的爱。

尤其是教“小不点”游泳那短暂的一幕，配合着异乎寻常地神圣的弦乐，仿佛是他给“小不点”的洗礼一般，真挚而让人感到充满父爱。

而仅在剧组三天的娜奥米•哈里斯则为嗜毒母亲宝拉带来了截然不同的深度。

虽然是一个容易让人生恨的角色，哈里斯对宝拉为数不多的对白和动作的拿捏却能传达出她生活中的艰难。

实际上，剧本给予宝拉这个角色的戏份实在是少之又少，但我们似乎却能想象出电影篇幅外她的挣扎。

而当最后她试图向儿子道歉悔过时，我们似乎终于能够相信，无论她的行为是多么的恶劣，她从来都是深爱着儿子的。

反过来说，类似给予宝拉这个角色这样大量的留白，大概是《月光男孩》最为迷人的地方吧。

我们只能去幻想每一幕之间所发生的事情，去感受每位角色所经历的痛苦。

例如安德烈•霍兰所饰演的年长版凯文，虽然精彩的演出给角色增添上了生活现实，我们却还是不禁猜测着此前的十年他到底都经历了什么才从一个话痨少年变为一个那么沉默的男人。

又或许我们并没有猜测，但却依然能感到他的痛苦。

但无论这两位配角做得有多么的出色，都不可能掩盖饰演塞隆三个不同阶段的三位演员对这个角色那让人难以置信的演出。

坚忍而寡言，或许是演技中最简单而又最难表达的东西了吧。

它是那么的简单，因为剧本上写着演员要做的似乎只是如木讷一般地出现在镜头前罢了。

但它又是那么的困难，因为演员需要用最细微的表情动作和瞬间表达出角色内心的挣扎，同时传递给观众深沉的情感。

而这三位演员做到了，尤其是饰演“小不点”的非专业演员阿莱克斯•希伯特和饰演“布莱克”的特雷温特•罗德斯，我们似乎都能从他们的眼神中感受到他们想对其他角色说的话，以及想对观众说的话。

他们的表演是那么的完美，以至于几乎没有对白的塞隆，在剧终时依然能打动着我们，让我们感到他所感到的痛。

“你是谁，塞隆？

”即使因为《月光男孩》是剧作家麦卡雷尼的半自传而使得它的故事有点过分的私人化，我们却能感受到电影故事以外超越种族与身份的人性主题。

这也是我认为它凌驾于今年其他电影之上的真正原因。

你可以把它概括为一个同性恋黑人男孩的成长故事，你也可以把它概括为一个关于毒品和欺凌对人影响的寓言。

但这些都不是对这部电影最好的描述，甚至对没看过的观众来说是那么的具有误导性。

“你是谁，塞隆？

”凯文面对十多年不见的朋友这么问道。

而我们就像塞隆一样，沉默不语地思考着这个永恒的问题。

对自我的不断怀疑以及不断改变的认知理解，对人性的爱，这些大概才是《月光男孩》真正要表达的东西吧。

巴里•詹金斯与演员们当然，最值得称赞的，还是兼做导演和编剧的詹金斯吧。

毕竟无论从剧本，到配乐，再到摄影，这部电影可以说都是那么的无懈可击。

詹金斯在采访时说对他创作《月光男孩》影响最深的其中一部电影是王家卫的《春光乍泄》，而我们也可以在电影中餐厅的戏份中感受到这一点。

甚至说《月光男孩》整个电影的本身，像王家卫的电影一样带着诗意似乎也不为过。

打动着我们的似乎不是普通电影那种线状的剧情，而是人物内心的挣扎，以及从他们挣扎中映射出来的我们。

也正因为这样，当这些人物感受到痛苦的时候，我们也跟着为他们而痛苦，宛如我们跟这些毫不相关的人物有着某种联系一样。

这部看似最为简单的电影，也正是因为这样，在我看来达到了绝大多数电影都无法企及的高度——让我们感受生命的痛苦与美好，让我们渴望与身边人联系交流，让我们思考自我的存在。

这很可能是2016年最好的电影，甚至很可能没有之一。

月光男孩：2017年 第89届奥斯卡第一部分 小不点 胡安在毒窝发现小不点奇伦被孩子们追打骂死基佬 胡安把奇伦带到女友特瑞莎家第二天送回家 胡安教奇伦游泳 黑人无处不在 黑人在月光下是蓝色的 胡安来自古巴 奇伦母亲毒窝吸毒与胡安争执 奇伦找到胡安问他什么是基佬问他贩毒吗 第二部分 奇伦奇伦长大 课堂被同学侮辱 好友楼梯间和女同学打炮被发现 奇伦母亲晚上接待客人不让他回家 奇伦去特瑞莎家 胡安死了 瘾君子母亲管奇伦要特瑞莎给他的钱 海边与凯伦抽烟接吻解开裤子打飞机 凯伦管其叫小黑 同学让凯文打人到处挑衅让凯文打奇伦 奇伦被打不起诉 第二天奇伦在课堂用椅子打了挑衅的同学被警察带走第三部分 小黑奇伦成为毒贩 厨子凯文给奇伦打电话 奇伦看望母亲之后开车去找凯文 餐厅相见 凯文做饭 奇伦摘金牙套 凯文结婚有了孩子 奇伦问为什么给自己打电话 凯文有有客人进来点唱机点歌 凯文放歌 凯文带奇伦回家 奇伦说这一生只有你抚弄过我

2017年奥斯卡终于在乌龙中落幕，最佳影片是《月光男孩》，很多人在问凭什么？

而《月光男孩》主打同志题材又会让人不由得拿它与《断背山》对比。

《断背山》的艺术成就明显高于《月光男孩》，《断背山》在豆瓣电影top250里排名98，经过了时间的检验，这部电影在电影史上也许都会留下痕迹。

而《月光男孩》最大的的关注点居然是奥斯卡颁奖大乌龙，那么电影本身凭什么得奖？

怀着这样的疑问，我观看了《月光男孩》。

看完之后我才知道了原来《月光男孩》在同性爱情的表达上收敛克制，把更多的内容放在了一个孤独男孩的成长上，借着大量的留白和沉默让观众去靠近和体会主人公内心的成长变化，同性的友情（和胡安的）和爱情（和凯文的）都是这成长过程中的温暖陪伴。

对于同性之爱的表达，《月光男孩》显得甚至有点突兀了，喀戎和凯文在第二小节里在沙滩上接吻的时候，由于前面的情节没有给到合理的铺垫而显得突然。

直到第三节才扳回一城，就是喀戎和凯文十年后的见面，满身肌肉带着大金链子的喀戎在餐厅里见到凯文之后，又变成那个小小少年，眼神里有怯懦和渴望，对爱依然保守羞涩。

而已成厨师的凯文认真为做饭喀戎的样子也很感人，让人感觉这是他从业以来做的最幸福的一顿饭，边做还边瞄一眼厨房外的喀戎。

不说一句情绪却满溢。

即便如此，这部影片的视角还是偏私人，这种私人的视角明明是清新小众文艺片的做法啊。

这样的影片拿奥斯卡最佳影片，还是单薄了。

而《断背山》几乎是一部完美的电影。

李安用欲说还休的矜持，讲述了怀俄明州广漠的草原和静谧的流水中，一段如歌的爱情与疼痛的秘密，让很多人心碎。

也让那句“人人心中都有一座断背山，那是一个永远也无法抵达的梦”落进每一个对爱怀有遗憾的人的心底。

当年，李安导演的《断背山》口碑超高，甚至因《断背山》而获得大批同性恋评委的好感——其中公开出柜的便有500名左右，但却并没有因此拿到奥斯卡最佳影片。

有人猜测正是片中的同性题材涉及了奥斯卡评奖的禁区。

《断背山》错失奥斯卡最佳影片甚至被列入奥斯卡历史上几大著名冤案之一。

同性之爱当时还远没有进入好莱坞主流，但李安把它拍出来了，还拍得如此之美，美得所有人都无法扭过头去。

随着时代的发展，主流文化对同性恋越来越宽容，近年来同性题材的逐步打开为电影提供了不一样的炫目视角。

同性之爱非冰非火，它是彩虹的颜色，有同样温暖的温度和同样精彩的故事。

因此才有了戛纳的同志棕榈奖、威尼斯的断背狮奖的出现。

这些奖项针对电影节期间所有单元展出的同性恋、双性恋与跨性别者相关主题的影片，由独立的评审团进行评选。

因此才有了《阿黛尔的生活》斩获戛纳金棕榈奖，才有了《卡萝儿》在2015年声名大噪，才有了《小姐》在2016年上映当时便备受各国影展青睐。

《断背山》出现在2005年，《月光男孩》出现在2016年，所以《月光男孩》赢了。

《月光男孩》的胜利不正是说明了一种时代的进步吗？

今年奥斯卡最佳影片为《月光男孩》打开了一扇门，那么将来LGBTQ（女同性恋者（Lesbians）、男同性恋者（Gays）、双性恋者（Bisexuals）与跨性别者（Transgender）的集合用语）的优秀电影就有了更广阔的天地。

与其说拿下奥斯卡最佳影片是《月光男孩》的胜利，不如说是同性恋文化的胜利，是时代的胜利。

《Moonlight》那晚，我的世界有了月光。

走过儿时的懵懂，熬受青春的伤痛，抵达中年的回首，流逝于时间的人活在了记忆里，而母亲未给予的爱却是永远错失。

从小到大，我都不爱说话，对憎恨的人只会哑口瞪眼，对感恩的人只懂低头默应，对喜欢的人只能深藏于心，成年后过往的不堪都被练壮的肌肉压制到身体的各个肌群角落，再给牙齿戴上金套，为的是上份双重保险，别人能看到的是金光灿灿的体面日子，而不能看到的是隐隐作痛的内心旧疾。

这天夜里我被一通电话点醒，那头的你说因为一首歌想起了我，想亲手做拿手菜给我。

别离时没有郑重其事留下一句再见，重逢时依旧无法说出一句好久不见，你的话痨被生活治好，我也不再是个小不点，这十年我们都经历了什么，不愿再究。

一个人的成长就像一支月光下的舞，哪怕跳到最后连舞步都错乱了，手势也走型了，而白月光还是白月光，他总会借给你肩膀倚靠，陪着你跳完剩下的曲，抚着你补齐缺角的心。

只有夜才深知月的美，也只有月才理解夜的黑，于是他们在相互守候中相互拯救。

改编剧情虽单薄但胜在温情流畅，三段式结构虽老套但胜在细腻统一，角色塑造虽普通但胜在自然真实，墨镜王风格的迷乱摇晃、幼青中阶段的Chiron选角也都为影片增色不少。

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本届奥斯卡最大话题应当是最佳影片最后的大乌龙。

两大热门《爱乐之城》（La La Land）与《月光男孩》（Moonlight）的最佳影片之争竟是以这样戏剧化的方式落下帷幕。

作为常被诟病“白化病”严重的奥斯卡，本届的结果虽然最佳男女配都给了黑皮肤，却不能单单用政治正确来武断地一概而论。

就连本届最佳外语片《推销员》（Salesman）的导演阿斯哈·法哈蒂（Asghar Farhadi）因反特朗普禁令拒绝出席奥斯卡，也变相成为了奥斯卡“政治正确”的一个例证。

“当代人民”喜欢扣帽子。

一个“政治正确”的标签可以放在一切涉及女权、种族、性向、环境等影片上。

涉及到类似题材的影片一旦引起关注，就是因为“政治正确”，这个词的力量大得让人们忽略了影片本身。

这个词与“你国”、“当代人民”等一样，完全沦落成故作渊博的语言，彷彿只要说出这四个字，就可以不加思考地批评，对一切赞好表达“你懂什么”的蔑视。

而可恨的是，“政治正确”并非是如“这届人民不行”般调侃式的反讽，而是反智的帽子，一扣下去，其他论点立刻让道，问题不剩任何辩论价值。

因为反驳“政治正确”的人，必定难免被“内行人”嘲讽“你懂什么”。

不可否认政治因素的确是奥斯卡评审团的考量，但如本月25日逝世的Bill Paxton曾说过的那样：“不抱任何期待去看一部电影是一件好事，如此以來你便可以不带包袱地感受失望以及惊喜。

”（“It's always good to have no expectations when you see a film. Then you can be pleasantly disappointed or surprised.”）《月光男孩》的到来是汹涌的，如同蓝色月光下的浪潮，拍打在新世纪的海滩上。

这届奥斯卡比以往都更专注新生力量，像Martin Scorsese的《沉默》（Silence），Clink Eastwood的《萨利机长》（Sully）, 都没能进入最佳影片提名。

但像前年以《爆裂鼓手》（Whiplash）斩获最佳剪辑等五项奥斯卡大奖而进入大众视野的Damien Chazelle（如今已获本届奥斯卡最佳导演）所执导的《爱乐之城》，和由经验尚浅的Barry Jenkins所执导的本片则呼声势如破竹。

记得第86届的奥斯卡颁奖礼上，《为奴十二年》（12 Years a Slave）被指因政治正确而获最佳影片引起争议，而这次本片和《隐藏人物》（Hidden Figures）在奥斯卡提名中出现，也难免有些声音。

撇开政治不谈，我们也不能忽略其精湛的镜头语言和段落结构。

顺带一提，《隐藏人物》这般冲着奥斯卡提名去的学院派电影，也难逃女权主义的黄袍加身。

Barry Jenkins的首部长篇Medicine for Melancholy比起导演2008年的处女作《Medicine for Melancholy》里，像《爱在日落黄昏时》（Before Sunset）般以大段对话温和地触碰种族问题，本片少了稍显生硬的背台词表立场，而是学会了用除台词之外的方式让我们听到他的声音。

“同性”、“种族”的标签成为了《月》的初始烙印，但看毕，我们会发现这只是一个少年细致入微的成长故事。

腼腆，寡言，从痛恨毒品的孩童长成到最后成为与少时毒贩干亲一样的柔情硬汉，却一直没有停止寻找自己。

三段式留白叙事三段式的叙事结构，在导演访谈中谈到竟是受侯孝贤的《最好的时光》启发，不过除架构外，两者相像之处仅剩都融入了细腻而浪漫的个人经历，且故事均发生在导演长大的地方。

信手拈来的回忆，伴着时光的沉淀融合在三段亦真亦假的故事中，走到人生的一半再回望过去，才能将情绪铺得更为克制绵长，像同期的《海边的曼切斯特》（Manchester by the Sea）一样笼罩着一层阴郁。

叙事虽是非线性的，我们仍能在Chiron的独角戏中跟随角色成长的连贯性。

《月》无疑是私人化的，情感中包含冲突并内化。

我们跟随着这个寡言的男孩一同闪回走过9岁，16岁和23岁。

我们看到他的纠结，挣扎和成长。

不过在选择性表现片段时，第三段的性格转变交代不够清晰，尤其是当第二段行云流水地表现出Chiron的爆发后，一种等待的情绪弥漫。

虽然导演已聪明地把成为硬汉的第三段加在了第二次黑幕以前，这样的转变还是稍显突然。

迷失在蓝色月光下故事在1980的Miami开始，9岁的Chiron一直被欺负，被孤立。

吸毒的母亲不是不爱他，只是爱的方式不对，时而自私地忽略儿子的感受，在半梦半醒间又满怀爱意地表达占有，这在他的性格中种下了矛盾的种子。

他瘦小的身躯与青春期大环境格格不入，他忍耐欺凌，抗拒毒品，然而在第二段的最后，狂怒在忍耐了16年的身体中爆发。

7年后我们再看到的“Black”已然是一个陌生人。

他贩毒，成了以前他会扭头离开的人。

他轻易地开一个新手的玩笑，就像童年那些人对待他那样。

他戴金牙牙套，却在童年的玩伴Kevin问他为什么时，沈默地再戴上。

在身分认同上，他迷失了。

什么是本我？

他做一切街头贩毒者应该做的事，金色的链子和车牌上的“Black”，而真正的Chiron，又去了哪里？

他以为只有变成社会想他变成的样子，才能够继续生活下去。

然而他本非如此，善良而温柔的他，甚至在故意开新手玩笑后，还要再加句“我只是开玩笑”来弥补。

在最后Kevin描述自己的生活时，Chiron回应这一定很糟，而Kevin回答不，他知道自己在做什么，这很快乐。

Chiron张张嘴，和以往那样没有说话。

最后一个镜头回到月光下的他，转过头，他看起来有点蓝。

王家卫的鸽子之歌要说导演是“黑人王家卫”也不是没有原因的。

在第三段Black探望完母亲，开车去见Kevin的公路镜头，《鸽子之歌》（Cucurrucucú Paloma）悠然响起。

这首配乐由墨西哥人Tomas Mendez於1956年所作，王家卫在《春光乍泄》也将同一首歌用在公路镜头上。

另一部运用了这首配乐的电影是西班牙导演阿莫多瓦的《对她说》（hable con ella）。

虽是致敬王家卫，但这首歌的使用始终有些突兀。

而个人认为，重叠公路镜头的海面孩童玩耍接的向上攀出的月亮，则是为点题而作的别扭之处。

引用友人的一个观点： 名为Moonlight却不曾出现月亮，才算妙呀。

最像王家卫的第三段 始终，这是个至少形式上充满诗意的作品，Chiron在海中学游泳的镜头，让人霎时想起《南国野兽》（Beast In the Southern Wild），大胆而粗砺的晃荡镜头，部分失焦，两部片的作者同样是新晋导演，让人充满期待。

故事平淡却胜在细腻，虽在镜头语言上稍有炫技之嫌，但也可看作导演的个人风格。

值得指出的是於人物塑造上的成功，当伴随着Chiron成长的观众看到他与母亲的最后和解，与儿时同伴的表白，和最后寻找自我在蓝色月光下的回眸，都不住深深共鸣。

深蓝色的回忆汹涌，海边的那句“不要让别人为你做决定”，海边的那次动情，再回到海边的小屋。

关於成长，不必悲伤，不必焦虑，没有人会忽然长大。

作为奥斯卡最佳影片，它的确有可以再成长的地方，叙事的连贯性，配乐的把握，但也绝对是实至名归的一个最佳影片，政治加持的部分难免，但要因为政治正确就完全将它否定，未免也太过武断了。

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中国观众对于“政治正确”的词语似乎过于敏感和厌恶，所以在发现全片主要角色都是黑人、没有肤色冲突，同性问题也只是作为其中一个元素时，对于《月光男孩》这样小清新的存在顿时好感倍增。

影片由较为独立的三个故事展开，每一部分都在前面冠以了命名式的小章节：Little，Chiron，Black，这让我联想到《黄海》里的前三个章节：出租车司机 、杀人者和朝鲜族。

正如《黄海》中以身份为代号描述主人公的命运及生存状态，《月光男孩》也是用分隔开来的三个标题， 表现一个男孩在他三个不同的人生阶段，所承担的角色和性格。

影片海报是由扮演不同时期男主的三个演员各自一部分脸拼接而成，看似分开的三个时期、三个故事、甚至是三个长相都无半点相似之处的演员，却实实在在展现了同一个男孩的成长故事。

与《少年时代》那样的成长故事不一样，《月光男孩》所选择的角度其实很狭隘，既没有坚持一拍就是十二年的主演，也没有寓教其中的生活小品，更缺少那种青春感十足的红粉情节。

简单来说，这不是以“真实感”取胜的一部电影，它所讲的故事很容易让你脱离开生活而以一种上帝视角俯瞰这出苦情戏码。

它的有些情节可能是来自某人的亲身经历，但是大部分观众去感受去感动可以，但产生共通情感很难。

可贵的是，即便是这样一部充斥着黑人、 同性、毒品、霸凌、单亲元素的影片，还是能在基调上保持住清新寡淡。

以至于当你被片中的某个情节揪了一下心的时候，还是能发现它骨子里是个讲述成长的小清新，这里面有你常见的悲伤和忧郁，却没有那股透着熟悉感的粗暴和痛苦。

正如大家都在乐此不疲地讨论片中那些向王家卫电影致敬的镜头和配乐，导演用极具东方美学的诗意镜头拍摄一贯给人以粗犷印象的黑人题材电影，一刚一柔之间抵消掉了两者的极端性，形成了较为独特的影像风格。

影片中三个关键词代表的故事，每一段都点到为止不做深入讲述。

与三个章节共同划分故事情节的还有代表童年、少年和青年这三个时期的时间节点。

由于母亲沉迷毒品，小Chiron在受到欺负时得不到家庭的帮助才认识了愿意照顾他的毒贩，随后他发现视他为养子的毒贩正是自己母亲毒品的来源。

当Chiron长大一点后，儿时的阴影并没有随着年龄的增长消散。

相反的，周遭同学的愈加欺凌，母亲的疯癫和喜怒无常，Kevin的出现、感情给予和最后的背叛，这一切都在冲击着Chiron温顺的性格底线，影片终于在第二章结尾迎来了他爆发式的反击。

这一段反抗看似来得猝不及防，却也是在情理之中。

以影片进展来看，从二人在沙滩的同性场景到Kevin当众揍打Chiron，前后不过经历了五、六分钟。

这种对比展现在观众眼里就更加直观了，仿佛前几分钟还是缠绵悱恻的二人关系，后几分钟两人就变成霸凌主导和被欺辱的对象了，变化之快，远超乎我们的想象。

这样对比来看，后面Chiron突然的反抗行为，也就合理多了。

所以说，是家庭和环境的复杂使得Chiron在少年时期形成了软弱内向、紧张羞涩的性格，这也是前两章的主要讲述。

而到了最后一章，Chiron长大成人，身边的一切都有了新的变化。

与其说导演把重点放在了他与老友Kevin的相逢上，不如说这一整章节甚至全片的重点，其实都在Chiron和Kevin那一晚在他家厨房的对话。

Kevin问他：“你是谁？

到底是谁？

”镶着金牙、浑身肌肉的大个子Chiron确实和小时候大不一样。

Chiron回答：“我就是我。

” 之后他反问Kevin，“那你呢？

”Kevin说，“我从未做过真正的自己。

”包括第一章末尾还是小不点的Chiron与毒枭的那段问话，那时候还是孩子的他对于应该具有母爱却被毒品腐蚀不堪的母亲，以及本是罪大恶极之人却给予他关爱的坏蛋毒枭，这两人的概念产生了混淆和疑问，上升来看则是对社会的质疑、于环境的困扰。

而当影片第三章出现那个“你是谁”的哲学问题时，Chiron童年的疑问似乎不攻自破了。

我们在每个时期经历的事情，或许会随着年龄增长和时间推移逐渐淡忘。

但是我们看待事物的方式，对于情感保留的选择性，是自始至终不会变的。

这便是每个人的性格。

不论后来成为了什么样的人，对于现状是否满意，你总不会忘记自己最初的样子。

自己曾经的期许和最终的结果相差几何，是不是不小心活成了其他人的样子，也只有自己清楚。

而当你把这一切都看淡了，或许会觉得结果都不是最重要的，重要的是你如何一步步走来，重要的是陪伴过你的人是谁，重要的是你曾经历的那段时期——那个只属于自己的成长过程。

整部电影花上前两个章节铺垫所想表达的，正是这一点。

就像成年Chiron开着牌号带有“BLACK”标记的车，就像他无意间会被路过的月光沙滩吸引，他更在意那些值得回味的往事，而不是谁现在已经有了家庭，谁去贩毒成为了自己曾质疑的“坏人”。

而那些已经过去的，恩恩怨怨坏时光啊，或许早已经被原谅和忘记了吧。

这也是我们喜欢有关青春和成长故事的原因。

所以，与《黄海》不同，《月光男孩》 是有个美好结尾的。

影片最后一幕是又回到了小不点时期的Chiron站在月光下、海滩边淡淡地扭头回望着，他蓝色的皮肤和眼睛与周围蔚蓝的背景融为一体。

我想，如果给这个结尾加个章节的话，大概可以要叫“Moonlight” 了。

一方面是回味那一晚的温暖，另一方面是对于过去苦涩和点点温情的释然和怀念。

那种对自我的审视和坦露、细微的情绪释放全部融进结尾处童年Chiron的眼睛里了。

而最后这个忧郁的眼神由小演员来表现，似乎也是导演代替Chiron对于Kevin那句“我从未做过真正的自己”的回答。

在大环境的推动中，他默默遵循自己的成长轨迹，从开始的“Little”到“Chiron”再到最后的“Black”，不论是他最后的样子，还是他一直以来的样子，再多外号，也都只是他自己。

Chiron和Kevin再见面的意义或许不是在给观众展现多年之后，两位曾经有过暧昧的少年都已变成什么模样。

而是：你和世界都变了，我猛然发现，自己还是那个自己， 你仍旧“是唯一碰过我的男人”。

看完《月光男孩》，它给我留下了很多回味的空间。

这部电影并不讲述一个完整的人生，而是截取了一个男孩的成长片段——童年、少年、成年。

尽管只是片段，但这些经历已经足够让他伤痕累累，尽管如此，他依然活着，依然向前走。

童年时期的他，母亲染上毒瘾，他在一个破败的环境中长大。

我甚至无法想象，这样的童年该如何支撑一个人活下去。

他们住在像集装箱一样的房子里，学校里他被霸凌，周围的一切都显得如此冷漠和无助。

但在这之中，他的朋友Kevin是一个特别的存在。

Kevin身上有一种松弛感，一种让人羡慕的松弛感。

他或许并不知道所有的答案，但他能坦然接受生活的变化，而更重要的是，他也把这种松弛感带给了chiron。

他们逐渐靠近，发现了彼此的感情。

这部分戏让我印象深刻，电影没有过多煽情，而是用一种克制的方式，展现他们的探索和试探。

这种克制反而让情感更加真实、更加沉浸。

看着他们，我会思考，如果我处在这样的生存环境里，我又会做什么？

但同时我也知道，这种假设是毫无意义的。

我们很容易站在局外人的角度，去想象“如果是我，我会怎样选择”，但事实是，每个人都被自己的出身、成长经历所塑造，很多选择看似简单，实际却布满阻力。

对于生活在那样环境中的人来说，某些事情可能根本没有选项，只有被迫推向某个方向。

Chiron 的人生几乎被所有东西背叛了，母亲、同学、社会，但即便如此，他还是活了下来。

他最终成为了一个贩毒者，这不是一个符合现代价值观的道路，但我并不想用“对”或“错”去评价它。

因为有时候，这就是现实，它不是一种自由的选择，而是一种有限选项下的无奈之举。

人总要在某种规则里生存，而他只是走上了一条他认为能活下去的路。

电影的最后，Kevin对Chiron说：“虽然我现在赚得少，但至少不用再担惊受怕了。

”他选择了一种普通的生活，过着平凡的日子，甚至有了一个孩子，尽管和妻子已经离婚，但他依然热爱着自己的孩子。

他每天通勤很远去餐馆工作，生活辛苦，赚的钱也不多。

但他的内心可能比以前更安稳了。

那什么才是真正的幸福？

或许，平静本身就是一种幸福。

这部电影让我感受到的，不只是Chiron个人的故事，而是一种更普遍的、关于成长、孤独、不被理解的经验。

每个人都会在人生的某个阶段，经历孤立无援的时刻，面对无法解决的问题，或者做出只能自己承担后果的选择。

而在这样的处境里，人会如何前进？

如何在有限的可能性里，找到属于自己的路？

影片的结尾，Chiron 和母亲、Kevin 之间有了一些和解。

但这种和解并不意味着他的人生从此光明美好，而只是意味着，他终于能够直面过去的一切，不再逃避。

这不是童话故事，没有王子和公主的美好结局，但它依然让人动容——即便生活如此艰难，即便世界对他并不温柔，他依然走在自己的道路上。

我想起《公主日记》里的一句话：“我们要踏上一段旅程，这个旅程是关于‘你想成为谁’和‘你能够成为谁’之间的抉择。

”在《月光男孩》里，我们能成为的选项是如此有限，甚至微乎其微。

但即使在这样的限制里，我们仍然要做出决定——接受现实，还是创造现实？

是停留在幻想里，还是踏入真实的世界？

是让自己成为命运的囚徒，还是尝试去改变些什么？

这是一件很难的事情，也是一件让人无奈的事情。

但这，或许就是人生本身。

（电脑里忽然发现一年前写了一半的文章，先放上来，以后补全吧。

） 本届奥斯卡开始前预测最佳影片将会是《月光男孩》，而不是《爱乐之城》或《海边的曼彻斯特》，虽然颁奖礼上以乌龙的方式给人惊喜，其实，《月光男孩》拿最佳影片是真正的实至名归。

在我的印象中黑人电影大多是躁动不安的，如同一个荷尔蒙分泌过剩的青春期男孩，这种躁动不安可以演绎成追梦路上的激情四射，如《灵魂歌王》，《追梦女郎》; 也可以成为史派克李镜头下的愤世嫉俗、毫不妥协，如《马尔科姆X》 和《为所欲为》（DO THE RIGHT THING）;或者剑拔弩张、苦大仇深如《被解放的姜戈》和《为奴十二年》。

很少有以黑人为主题的电影能像这部电影一样拍得那么细腻、含蓄值得反复玩味，我看完这部电影的第一感受是：一部有着王家卫气质的黑人电影，但与王家卫那种沉溺于拒绝与接受之间的情感漩涡不可自拔不同，这部电影的立意更加深远 电影一开始就是一个长镜头，Juan从车里走出，镜头跟拍，背景中出现两个黑人，Juan走近，镜头围绕两个黑人来了个360度的旋转，一个是Juan的手下在卖毒品，另外一个没钱还想要嗑两口，注意Juan的手下的表情，紧张兮兮、诚惶诚恐，长镜头继续，Juan和他聊天谈业务，然后男主角Chiron出现，被一群小孩追逐着骂着“faggot”,至此，电影第一个镜头结束，剪切至男主角Chiron身上。

为什么导演要用这样一个长镜头？

将一个不安全感的黑人置于镜头的中心，在我看来，这个人处于被审视的位置，这个审视可以理解为他的老板Juan来了，他处于被监督的位置，要格外谨慎，也可以把视野放大，理解为将美国黑人族裔放于一个被审视的位置，被审视者是惶恐的。

这种情绪延续到下一个镜头上，手持摄像机追拍Chiron,晃动的影像，给人一种紧张、恐惧感。

男主角Chiron出生一个单亲家庭，吸毒的母球，从小缺乏爱的关怀，因为自己的不一样，被人起了个绰号“Little”,因为自己模糊的性取向被骂为“faggot”，在操场上没人跟他踢球。

在操场上这个场景值得反复观看，小孩们围成半圆，摄影机逐个拍下每个小孩纯真的小脸，注意这时候的配乐是女高音，配乐和摄影的结合给人一种仪式感，这时候不仅仅是主角，而是整个黑人群体，或者他们的童年，然后是Chiron和Kevin打架时的摄影处理，很讲就，全是拍摄他们肢体冲突时的近镜头，这组镜头强调的是Chiron与男孩亲密接触时的心理感受。

在学校被欺负，他从小就被歧视、被孤立，他的这一被边缘化的角色也可以放到任何一个少数族裔群体身上，当Chiron问Juan“基佬”是什么意思的时候，Juan说“基佬”是对同性恋者侮辱的称呼，你可以是一个同性恋者，但不会是基佬。

这段对话，把faggot这个词换成nigga是不是也是一样的道理？

Juan收留了这个被歧视的孤独的孩子，对于这样一个孩子，他没有说教，只是像一个父亲一样默默的关心他。

近年来以黑人为故事主角的电影并不少见，戴顶政治正确的帽子跻身各大国际影节，但大多被诟病主题先行艺术性不足。

然而，最近一部名为《月光男孩》的影片却引得外媒赞不绝口，北美口碑网站metacritic上99%高分傲视群雄，不禁叫人好奇：这个讲述贫穷的黑人同性恋男孩的成长故事（coming-of-age），究竟有什么魔力？

影片始于毫无野心的固定镜头，一辆漆得发亮的浅蓝色轿车缓缓驶来，倾斜地停在路旁，车上下来一名健硕的中年黑人男子，Juan。

镜头环转，点睛般勾画黑人聚居区的典型模样：发型夸张、性情乖戾、谈吐粗野的小青年们相互打闹，一旁不苟言笑的Juan则为帮派首领。

镜头给到急速奔跑着的男孩Chiron，因个头矮小被同学戏称Little，在校屡遭嘲笑、时常受暴力欺凌。

手持摄影镜头摇晃剧烈，紧张慌乱的气氛尽显。

匆忙间，Chiron躲进一间空屋，恰巧遇上Juan。

Chiron的母亲是位无所事事的瘾君子，家中不时有新的性伴侣大驾光临，对自己的亲生儿子，除了不闻不问便是高声恐吓。

反倒是Juan和女友Teresa像替身父母般对Chiron百般照顾，既有物质帮助，如干净宽敞的大床、热腾腾的美味食物，亦不乏心灵慰藉，Juan开车载着Chiron去海边玩耍的画面尤其令人印象深刻，跃动的海水，正应和观众心中迭生的涟漪。

然而，太过美好的事物总具有急转直下的潜质。

饭桌上。

Chiron：我母亲吸毒？

Juan：对。

Chiron：你卖毒品？

Juan：嗯……小小年纪的Chiron，猝不及防地看清了善良背后的恶。

在本该不谙世事的年纪，见识了人性深处的矛盾与阴险。

时光飞逝，Chiron成长为青涩的少年。

在学校里依旧屡遭霸凌，而家从不曾是温馨的港湾。

母亲的呵斥往往伴随毒瘾发作的癫狂。

Teresa家是他仅有的避难所，但这份安宁也常被母亲夺走。

如果夜幕降临后幽静的海滩是Chiron唯一的归宿，同班男孩Kevin则是海面上掀起的金色浪花。

害羞的初吻、激烈的性体验、洒落一地的月光，一副洁白细腻的风景画。

然而，梦魇再度降临，一群恐同的小混混迫使Kevin对Chiron大打出手。

事后，愤怒的Chiron选择极端报复。

无声的叹息为第二章节画下句点，警车上的Chiron目光呆滞地望着楼道上诚惶诚恐的Kevin，内心五味杂陈。

青少年时代的Chiron，初尝爱的滋味，不料被扎得遍体鳞伤。

身不由己，是一个被滥用的借口，是一把分分钟见血的刺刀，却也使伤口愈合后的人更为强壮。

成年期的Chiron，有着可见的健壮身躯和不可见的坚毅内心。

离开迈阿密，他渴望忘却过去，在佐治亚开始新生活，然而尽管回忆里装满了累累伤痕，依旧与他藕断丝连，即便百般不愿，依旧牵动着他的生活。

白发上头的母亲不约而至，面对衰老，昔日的放荡不羁只能缴械投降，那段苍白的强说母爱，或是在命运泥潭中无可奈何的绝望。

有过短暂情缘的Kevin打来一通电话，紧接着是公路电影般的飞驰镜头，等待着Chiron的是一间再普通不过的餐车旅馆，和一份情深谊长的主厨特制晚餐。

一系列正反打，沉闷的对话回味悠长。

月光下的黑人男孩是蓝色的。

那若有所思的回眸，是成长故事里一块甜腻的糖，是社会纪实里不忍揭露的伤疤。

在一连串聚焦到令人心跳加速的镜头里，在这个不可理喻的现世里，Chiron是一条缓慢爬着、默不作声地挣扎着的蠕虫，摸爬滚打、横冲直撞、头破血流。

影片对黑人社群的刻画唤起的不仅是同情，更是思考。

贯穿童年、少年时期的，是相继登场、交织并行着的混乱的家庭环境、冷漠的人际关系、暴力的生存之道。

他有着坚毅刚烈、寡言少语的个性，一只不断编茧的蚕，试图给打造坚固的外壳，即使事实上不堪一击。

最打动人的地方，是那份无法用言语概括的真实。

三言两语足以交代清楚的剧情，在美到令人心碎的画面里被无限延伸，这个有着明媚色调的悲伤故事永远讲不完，但这并不阻碍他的成长。

如果你的出生就是错误，如果生活从一开始就欺骗了你，该如何面对每个清晨窗户里射进的那束崭新的阳光？

没有选择，就必须面对。

美国非裔独立电影导演巴里杰金斯镜头下的社会图景，讲述的不是鲜血四溅的残酷，而是近在咫尺却相对无言的绝望，以及转身离开后重整旗鼓的勇气。