盗梦特攻队

“我梦见我是猫 两只一起玩 ” — — 匈牙利作家 卡林西本片并没有根据真实事件改编紧紧抓住春天的尾巴，春天的放牛班观影团迎来了第三期周限定观影。

（第一期为《气球》，第二期为《性别为本》）即使复联四在本周大行其道，各位友邻对这部诡异迷幻的非院线动画电影也充满好奇呢。

有人喜爱强推，有人接受无能，各位在这篇长评中一探究竟叭。

本次观影共有13位友邻参加，10条短评，平均分76.5。

@低能钛合金 95/100毕加索式《盗梦空间》，艺术版《头号玩家》，超现实主义和立体主义画风交汇相融的梦幻国度，简明扼要的故事主线+诡谲化的影像构图+富含侵略性的配乐，观影过程既是头脑风暴，又是视觉盛宴。

由于艺术素养严重欠缺，大概只get到该片两三成的美和彩蛋，但只看其中对《教父》、《低俗小说》、《罗生门》、希区柯克、梵高和罗丹等的致敬，就知道这部电影是一场艺术的狂欢派对，是文艺粉们的强力春药了。

@mdr skywalker 90/100动画版《头号玩家》。

身为画家的导演真的是不一般，画风完全致敬毕加索，抽象派和立体主义，有些画面完全可以作为壁纸。

片中彩蛋应该是处处都有，大玩名画梗和电影梗，可见导演的高超艺术修养，遗憾的是本人才疏学浅，很多彩蛋看不出来。

玩梗之余还输出了一个非常简单的价值观：人要直面内心。

同时作为夺宝犯罪类电影，节奏感非常棒，辅之超级出色的动作戏调度和相得益彰的配乐，梦境的设计还挺有《盗梦空间》的味道，观影体验很不错。

结尾映出了警长的影子，一个推拉镜头回归开头的场景，我都怀疑这一整部电影是不是一个梦境了。

毕竟是个开放式的结局，见解不同。

个人很喜欢。

@鱼麦麦 85/100电影是一门综合艺术，当构图、色彩、配乐、创意都到达登峰造极的水准的时候是可以忽略一下剧情的稀碎的，而且一切不连接不合理的剧情都可以用梦来解释呀，动画就应该天马行空。

这部电影的视觉效果太强了，整体是黑色惊悚风，有几场戏还真有些吓人，即使我没有完全悟透，但并不妨碍我喜欢它，是差一点点能打五星的作品，缺的那点可能是因为我不够专业（卑微） @昨日之島 85/100即使不是2018年最棒的电影，那也一定是2018年最具风格化的电影。

艺术大师的作品自此不再只静静躺在美术馆里，而是在第七艺术里焕发出了新的生机。

那些莫可明说的东西无时不刻不充斥着电影画面，电影梗、音乐梗、名画梗从未如此和谐而不使人感到枯燥地融合在一起，动画这一介质无疑放大了电影表达的可能性，远远翻跃了真人电影的藩篱，今敏留给世界的遗产在这部电影了有了继承和发扬。

我喜欢这部电影是因为看到了动画电影的无限可能，并且一直有人在不断探索这种可能。

斯皮尔伯格和他的《大白鲨》@cinedreamer_ 85/100 整部电影安插了如此多的彩蛋，说实话孤陋寡闻的自己实在没get到几个（大概也就低俗小说兔子舞、思想者、罗生门、杯子里的希区柯克这几处？

）知识储备不够，其实还是少了些乐趣。

不过令我比较佩服的一点是，整部片门槛虽高，观感却意外地非常好。

类似毕加索般的诡异画风、艺术心理犯罪三大主题的融合、得当且出彩的配乐再加上顺畅的时空转场，每一部分都通过导演天马行空的想象发挥着巨大的魅力（不禁想起了汤浅政明的《心理游戏》）。

相比视听效果，故事感觉差了点，某些地方可能比较模糊，却也因此可以让不同的人有不同的解读。

很特别的一部动画，但很喜欢。

@Owl 85/100@典 83/100若是对西方美术史和弗洛伊德精神分析法有一定基础，观影共鸣会大大增加。

对于本片来说，若是视听语言能给五分，那剧情只能给三分。

抽象诡谲的毕加索立体艺术风格贯穿全片，每一帧拿出来都可慢慢品味，配乐也增强了情节张力和气氛营造，毫无疑问是一场不可多得的视听盛宴。

但缺陷也是比较明显，剧情推进的流畅性不佳，故事较破碎且单薄。

“我梦见我是猫，两只一起玩”的入场与结尾揭露的真相呼应巧妙，但是放在当下的商业片实在是没有让我太惊艳。

@影武者 80/100现代抽象艺术，美吗，清奇吗，诡异吗，真不知道该如何形容这风格，除了那些名画，细节也时刻都在提醒你，这是一部多么艺术的作品，主题有些晦涩，不过还算友好，黑色电影动作大片精神分析……各种类型捏一起，导演也肯定是个炒鸡影迷，明着暗着的抖了不少货出来，很有趣。

致敬《创世纪》@嘉措 72/100 1 脑洞非常大，用12幅名画串联起来的故事，里面有非常多的致敬梗不过本人观影量较低没发现多少，这里提一个 20分57秒 打死蚊子 杯里有某位胖子的黑色轮廓影子 1.26分 同样出现了那个带有黑色轮廓影子的杯子 2 用《红辣椒》和《盗梦空间》的形式讲述《纵横四海》不过核心不太一样，最后那个火车玻璃上的影子显然是一个开放式的结局，火车又开回了起点循环往复也许是不愿意触及真相。

3 影片中多次提及的"用问题来面对问题并且解决问题"应该就是要表达的核心。

4推荐给两种群体吧，一种是学艺术或有一定艺术水平的可以好好欣赏，还有一种就是观影量比较大的，可以开心的找彩蛋。

@Mathilda 65/100@落山鸡 65/100@Anyslus 55/100"嗯。

不爱别伤害” @扶不起先生 50/100影片的画风让我想起了毕加索，扭曲的面部和狰狞的五官着实让人不适，某些片段就像惊悚片一样不寒而栗。

剧情总体来说算得上通俗易懂，搭配着乐曲似乎没有那么煎熬。

观影中总想从中看出什么，但这都是徒劳无功的尝试。

抽象的艺术、心理的暗示、梦境的解读。

呵呵，电影真是个艺术啊，这部影片除了开头和结尾，其余的真的没有看懂，更没有耐心去研究和解读，所以还不如做个好梦来的实在！

观《教父》ingok，以上就是本次周限定观影的全部内容。

有兴趣的话呢，就去慢慢享受《盗梦特攻队》带来的颅内高潮和视听狂欢；没兴趣的呢，没兴趣你还看这篇长评？

赶紧关了！

观影不就观个爽快，观个欢乐嘛，更何况我们可是一群春天的放牛班的卑（沙）微（雕）观影仔

行为主义和精神分析从1879年心理学正式独立为一门学科以来，公认的四大门派有行为主义、精神分析、人本主义和认知学派。

行为主义最先兴起，它的代表人华生曾放言：“给我一打健康的婴儿，一个由我支配的特殊的环境，让我在这个环境里养育他们，我可担保。

任意选择一个。

不论他父母的才干、倾向、爱好如何，他父母的职业及种族如何。

我都可以按照我的意愿把他们训练成为任何一种人物——医生、律师、艺术家、大商人，甚至乞丐或强盗”。

显然，他提倡后天决定论，认为人经过后天的打磨可以被塑造成任何样子。

于是那段时期兴起行为塑造法，原理是想塑造一个好的行为就把这个行为和好的体验相联结。

而想消除一个不好的行为就把这个靶行为（或想法）和极度令人不适的体验相联结，比如为了消除罪犯的邪恶想法，当犯人产生犯罪想法时，就给他喂生石灰，或折磨他的生理（电影《发条橙》中曾经典重现这种场景）。

然而结果却不尽人意：效果难以持久。

更是因为一味的强调外力而忽略人性和情感体验，最后遭到铺天盖地质疑。

被行为塑造法折磨的《发条橙》男主，最后他成功消除邪恶思想了吗？

与此同时，重视人们内心本身，挖掘潜意识的精神分析理论通过不断成长，逐渐替代了行为主义成为心理学主流理论。

精神分析学派开创者弗洛伊德提出了人的意识三层次理论，他认为人们可以自我意识到的意识只是人们全部思维的冰山一角，而平时意识不到的前意识和潜意识才是决定人们行为的关键。

他的这个理论最后冲破了心理学领域，在哲学界、艺术界、文学界……等等领域都引起轩然大波，对后世影响深远。

他还有用潜意识理论阐释“梦”的著作《梦的解析》，从精神分析的角度讲述了梦和潜意识的关系，对后世催眠和心理治疗有开创意义。

另外还有“里必多”、人格发展阶段等等理论，以及另外两个大学派，因为和本电影关系不大这里就不说了。

鲁本父亲影片开头，精神医师鲁本（Dr.Ruben Brandt）挣扎着从梦中惊醒，对着答录机记录：我的噩梦越来越强烈，梦中的人物一直在攻击我，我这样已经三个星期之久……而触动他开始噩梦的时点正是他父亲的去世。

他的父亲格哈德（Gerhard Brandt）出生在东德，是一名心理技术专家。

1967年在美国情报局CIA帮助下，逃离东德和家人举迁到华盛顿，从此为CIA服务。

鲁本并不知道，他从小被父亲当做试验品，被关在影片室中看含有世界名画的动画片，每25帧动画片便有一帧是世界名画，父亲想通过实验，证明这种行为可以让他爱上艺术，而成为一名艺术家。

格哈德出生成长在冷战时期的东德，东德属于社会主义阵营，和前苏联十分亲密，实证主义盛行。

有前鉴拿自己做实验的方法叫“自测法”，著名成果如艾宾浩斯记忆曲线。

拿自己孩子作为观察对象的人也有很多，比如弗洛伊德就拿女儿安妮当做观察对象来记录。

但是在自己孩子身上做实验这种事还是非常骇人听闻，格哈德的实验是我们前面提过的行为主义和潜意识理论的结合，他想通过阳性强化（孩子喜欢的动画片和名画结合）和潜意识种植来达成使孩子成为艺术家的目的。

而结果也许真的有效，虽然鲁本没有成为完全的艺术家，然而从鲁本的奖状可以看出，他因为在心理治疗中运用开创性的“艺术疗法”而获得颇多赞誉。

鲁本因“艺术疗法”获奖多次与此同时，警探迈克·科瓦尔斯基（Mike Kowalski苏联姓氏）与盗瘾者Mimi在巴黎街头展开一场追逐。

他乐观开朗，自由奔放。

和沉郁的鲁本那么不同。

然而他也有遗憾，母亲对父亲讳莫如深，家里至今也只有他和母亲二人照片，他不知道父亲是谁。

直到母亲告诉他，格哈德就是他的父亲。

她为了不让科瓦尔像他哥哥那样沦为父亲试验品，当初只能离开。

家中只有母子照的科瓦尔本片的梦境性为什么所有人除了两个男主的器官方正，其它人物都是随意构图？

为什么男女主飞檐走壁都可以毫无损伤？

为什么世界名著被偷抢如此顺利？

为什么鲸鱼可以在地下游？

为什么鸟儿可以比火车快？

为什么建筑结构可以完全不符合实际？

这一切都是因为导演在刻意营造一种梦境感，事实上，影片从头到尾都是一个人的一场梦。

那么，是谁的梦？

鲁本和科瓦尔斯基鲁本和科瓦尔的关系让我想到了庄子的庄周梦蝶。

影片最后通过玻璃反射揭示了鲁本就是科瓦尔，科瓦尔就是鲁本在鲁本的梦里，他想象自己成为了脱离父亲、和母亲在一起而变得开朗的弟弟科瓦尔，弟弟从没有经历过父亲的折磨实验，而是自由奔放的生长，最后在巴黎成为一名声名远扬的警探，过着率性自在的生活。

他借以想象成为弟弟，释放内心被管控下积久的压抑，也释放对母亲的思念和对父亲的爱与恨。

表面上鲁本是一名精神医师，事实上在梦里他却是那个可以肆意驰骋在世间的、享受母爱和不知父亲罪恶的弟弟。

又或是？

科瓦尔跟随母亲离开父亲后，通过不停在脑海中构建父亲伟岸形象来掩盖对父亲抛弃的疑问与责怪。

他在成长中学习父亲学过的知识，看父亲的著作，接受父亲的理念，慢慢变成父亲的一部分。

他虽然成为一名潇洒肆意的巴黎警探，却在梦里人格化出另一个自己——被父亲细心教导过的哥哥鲁本，亦是父亲缩影本身。

以此来抒发对父亲的思念和填补生命中对父爱的缺失。

而无论是谁的梦。

梦主人极力保持的内心平衡都在父亲去世那一刻被破坏。

一路上在收集画作，实际是在收集关于父亲的碎片。

潜意识和父亲有关的一切对父亲的爱和恨，让他循环在自己梦里。

因为他再没有机会和父亲和解了。

没机会再问一句你为什么这么对我。

也没机会听一声对不起。

这足以让一个人崩溃，也足以让一个人长眠不醒。

只是在梦里，是做一个不愿承认父亲拿自己做实验而正面临崩溃的卓越精神医师鲁本？

还是做一个马上就要发现自己父亲是个混蛋的自由意志警探科瓦尔？

悲伤的是哪怕在梦里也要面临真相和抉择。

这是他永远都不愿去承受的结局。

也是噩梦永远存在的本始。

所以每当真相全部拆穿，故事便又回到了开头。

影片最后画面又回到了鲁本坐火车和火车轨道，和影片开头如出一辙又或许？

也许最不残忍的结局，是解释成这一切是父亲临死前的走马灯。

在现实里，鲁本和科瓦尔都存在，只是不明现状。

格哈德因为对儿子们深深的愧疚和自责，在回光的梦境里让自己成为了他们，并经历着他所能想象的他们全部痛苦和快乐。

全家福MIMI关于梦境到底是谁的。

我个人更愿意把造梦者理解成是导演本人，他用一个全知视角，制造了一个以鲁本为主要意识，而父子三人意识皆在的长梦。

梦里既有鲁本和科瓦尔永世无法与父亲和解的悲伤，也有格哈德再也不能补救的遗憾。

而MIMI同其他三个可爱的来访者一样，也是梦的一部分。

也许他们曾是父子三人生活中的真实人物，但在影片中，他们都是主体意识形态的一部分，履行着主体的意志，是主体内部寻求真相的化身。

鲁本借由四人的各怀绝技而纵横在世界各大博物馆去拼凑画作和真相，又借由MIMI的梦境第一次捅破了鲁本和科瓦尔互为彼此的真相边缘，最后，MIMI和伙伴们随着完成帮助鲁本寻找真相的任务而消失。

而真相大白的时刻，鲁本却没有醒来。

他坐在火车上，让故事走入循环。

四人完成任务消失在男主梦境世界的留念由此，导演从全知视角想表明的、鲁本和科瓦尔世界的梦境性和悲剧性昭然若揭。

沉溺于爱与恨在心理咨询室中，来访者的症状总是和父母有关。

如果一定要我用最短的话去形容它，那么——通常第一步，来访者要用一年时间去接受自己父母“是个坏人”的事实，接受曾经被自己奉为人生指向的价值观，只是父母扭曲价值观的继承。

而自己只是父母扭曲思想的牺牲品。

第二步，来访者会用一到两年时间或更久去迈出尝试和解的第一步。

他们停止重复的逃避和悲伤，随着咨询的进行，来访者症状有所缓解，他们学会新的沟通方式和情绪处理方式，并且开始有勇气去面对造成自己症状的源头：父母。

这是一步质的飞跃。

哪怕之后的日子会有新的冲突和矛盾，但来访者和父母的沟通都不再浮于形式，而是在来访者的要求下直指问题核心。

第三步，可能要用很多年，来访者会在生活中通过和父母不断的“冲突-和解”来制造新的相处模式。

第四步，来访者内心已经强大到可以处理任何父母带来的负面情绪和影响。

能从父母成长角度去合理解释他们的思维和行为模式由来。

并且尝试用自己已经成熟的健康思维、行为模式去影响父母，从而构建起一个新的健康家庭互动模式。

通常第三步和第四步总是融汇贯通的，而多数人则永远卡在了第二步。

有些人至死都没有勇气和父母对峙。

这其中就有我们的梦主体鲁本。

而随着鲁本父亲的去世，和解——变成了永远不可能的任务，也变成鲁本心中永远解不开的结。

鲁本心里明明白白。

所以在发现真相时，他才微笑着显得那么淡然。

在潜意识深处，他早就知道一切。

只是依旧选择一遍遍沉浸在梦里，我相信这已经不是第一次他作出这样的选择。

故事的最后，也是一切又要重新开始的地方。

主角在孤独的车厢上，又一次驶向无尽彼岸。

承载主角的孤独车厢

驶向了永远没有尽头的彼岸在一片暖光中，他无法放下的，早已不是恨。

影片结束了。

除了吹爆导演的叙事能力、意象塑造、逻辑构架、剪裁节奏、视觉艺术、音乐修养以及令人叹为观止的广袤知识面……等等等等以外。

联想到今日17岁男孩因和母亲吵架而跳桥的新闻。

也想说。

无论是作为父母、还是子女。

愿你我今日都能珍惜当下，来日不悔不恨。

04.19.2019

作为只能靠百度网盘资源续命的女孩，终于找到了资源看到了这部画风清奇的电影，个人非常喜欢这种风格的动画，看过之后发现这部动画的的细节真的太感人了！

不仅电影以13幅名画为主线，电影中街景、海报、群众演员，都有艺术作品的影像，凭借本人仅有的认知介绍一下电影中我看到艺术作品，对于我比较了解的我会多介绍一些，也欢迎的看完小伙伴们一起交流、补充。

NO.1.《女神游乐厅的吧台》爱德华·马奈

电影截图

莫兰迪的瓶瓶罐罐，注意看电影截图女士旁边柜子上的瓶瓶罐罐，我觉得很像莫兰迪的风格。

注意看电影截图女士旁边柜子上的瓶瓶罐罐，我觉得很像莫兰迪的风格，莫兰迪非常热衷于画静物，他最喜欢画的，是那些瓶瓶罐罐。

他的绘画风格质朴、低调，而我非常喜欢的是他的配色，颜色里都有灰调的感觉，颜色饱和度低，看起来很温柔高级。

近些年流行的脏粉色、baby蓝，都是这种感觉。

《女神游乐厅的吧台》爱德华·马奈。

NO.2.《草地上的早餐》爱德华·马奈

电影截图

NO.2.《草地上的早餐》爱德华·马奈。

“《草地午餐》所暗含的故事更为惊世骇俗，被很多人认为暗含色情的意味。

画面中非常反常的是一位女性全裸坐在草地上，身边的两位男性却衣冠整齐。

其实马奈是用看上去非常迥异的内容，去糅合不同的绘画理念与风格。

” 以上两幅画是马奈的艺术作品，提到马奈就要提一下印象派，“印象派”在当时本身就是一个贬义词，当时巴黎会定期举办艺术家沙龙，艺术家在沙龙展出绘画作品，而当时的叛逆青年们莫奈、雷诺阿、德加等印象派画家，认为学院派对沙龙绘画的鉴定标准过于陈旧乏味，于是他们走出画室，在生活与自然中寻找绘画主题，探究光影与颜色的魅力。

“印象派”作品寻找的是某一事物特定时间的状态，就像看《BBC印象派简史》电影的时候，莫奈画干草堆一画就是一天，因为他想表现出这一事物早、中、晚在不同时段，光影变化下的即时状态，有过写生经验的小伙伴们应该知道，光影不断变化中，印象派的画家为了寻找艺术某一时刻的特定美丽，他们好似“追光少年”一般，用画笔快速的记录下来这一瞬间的模样。

正是基于这样“眼见为实”的艺术理念，他们的会用大块色块、粗糙的笔触，来与时间赛跑。

这些在沙龙落选的艺术家，自己淘气地举办了“落选者沙龙”来反抗学院派，在习惯古典主义精致画风的艺术评论家来说，看见印象派的作品的感受是“过于潦草、凭印象作画”，而这种批评的声音，却成为了这一画派的代名词。

马奈被后人称为‘’印象主义之父‘’，但是他没有承认过自己是印象派画家，马奈家庭条件优渥，周游列国学习大师的绘画技巧，他一直认为自己是一个“学院派”的画家，自己也拒绝参加“落选者沙龙”画展，可是他的绘画作品并没有过分讲究透视和细腻的笔触，有着打破传统的大胆革新，和其他印象派作品一样，作品适合远观感受其意境。

马奈是不会因为生计发愁的人，自然也不会为了迎合大众而作画，正是有这种“有钱就是任性”的艺术家，才给艺术带来了新的壮举，使绘画内容上也更加的开阔，让绘画艺术家们找到新的绘画出路。

之前追求“画的像”的艺术家，万万也没想到打败自己的不是同行，而是照相机的发明，就像各大运营商因为短信打价格战的时候，腾讯出现了微信。

NO.3.《奥林匹亚》爱德华·马奈

电影截图

NO.3.《奥林匹亚》爱德华·马奈。

”《奥林匹亚》与提香笔下的维纳斯很相似，但是比起这两幅作品，《奥林匹亚》不再含蓄，非常直接，画中女性眼神坚定的看着观众，甚至有一股女权主义的气息。

”NO.4.《乌尔比诺的维纳斯》提香

电影截图

NO.4.《乌尔比诺的维纳斯》提香。

提香可以被称为“文艺复兴第四杰”，提香的维纳斯不在自然风景中，而是在室内，与其说这是一位女神， 他笔下的女性更像是一名普通的美艳性感的少妇，如果说提香被称为“群星中的太阳”，而他笔下的女性可称为“美女中的女神”。

NO.5.《芭蕾舞女》德加

电影截图

NO.5.《芭蕾舞女》德加。

看见芭蕾舞者的画就想到德加，德加也是印象派的重要画家之一，他的绘画题材非常热衷于女性，其中最钟情的就是芭蕾舞女，为了画这些舞者他常常潜入后台观察，画了大量芭蕾舞排练、后台准备、台上演出等各类情景中的芭蕾舞演员。

NO.6.《阿波罗与达芙妮》法国画师

电影插图

NO.6.《阿波罗与达芙妮》法国画师。

看到这个电影中墙上的涂鸦，脑海中一下闪现出阿波罗追赶达芙妮的场景，在网上找到了与电影中相似的画作。

NO.7.《阿波罗与达芙妮》贝尼尼

NO.7.《阿波罗与达芙妮》贝尼尼 看到《阿波罗与达芙妮》就不得不提我十分崇拜、喜爱的雕刻家贝尼尼，简述一下阿波罗与达芙妮的故事，流传的版本很多，但是我更倾向这个版本：太阳神阿波罗看见丘比特玩弓箭，提醒丘比特小孩子不应该玩这么危险的东西，而这个爱神特别不服气被说，就恶作剧将向往爱情之箭射向了阿波罗，而把厌恶爱情之箭射向了河神的女儿达芙妮，这就出现了图片上戏剧性的一幕，阿波罗追呀追，达芙妮跑啊跑，在爱情的迷惑下阿波罗把达芙妮追的求救，这时候达芙妮就祈求自己的父亲把自己变成一棵树。

贝尼尼的雕塑正是表现出达芙妮变成月桂树戏剧性的瞬间：只见达芙涅的秀发变成了树叶，手腕变成了树枝，两条腿变成了树干，两只脚和脚趾变成了树根，深深地扎入了泥土中。

我想看到一幕的阿波罗心里阴影面积无法估算，这个故事也告诉我们熊孩子不好惹！

NO.8.《诱拐佩尔塞福涅》贝尼尼

NO.8.《诱拐佩尔塞福涅》贝尼尼

《诱拐佩尔塞福涅》局部 出于私心我放了贝尼尼另一个作品《诱拐佩尔塞福涅》，“贝尼尼非常善于用坚硬去表达柔软，用大理石等坚硬材质塑造的雕塑，想要表现柔软，难度非常大，贝尼尼采用的方式是用触摸的瞬间去表现。

《诱拐佩尔塞福涅》中，贝尼尼描绘了冥王双臂环绕美貌的少女，想要劫走她的瞬间。

在刻画少女吹弹可破的肌肤时，贝尼尼让冥王的手指都凹陷进了少女的肌肤，这成为了整尊雕像的点睛之笔，表现出了少女身体的柔软。

”其实我非常欣赏过去人的审美，现在女性追求的是“筷子腿”，而在那个时候人们认为少女应该是丰腴有肉感的，那是一个多么崇尚自然之美的时代，少女们也不用因为减肥而糟蹋美食。

我觉得“文艺复兴”是做不到了，我们可以努力一下“肉体复兴”。

NO.9.《倒牛奶的女仆》维米尔

电影截图

NO.9.《倒牛奶的女仆》维米尔。

《戴正珠耳环的少女》正是维米尔所作，这幅女性肖像与《蒙娜丽莎》齐名，被誉为“北方的蒙娜丽莎”，但个人更喜欢维米尔笔下的这位清纯可人少女。

维米尔的绘画作品不多，大多题材都是生活中的一些场景，正如这幅《倒牛奶的女仆》，维米尔的画作中，常常有着非常淳厚的蓝色，我觉得类似宝蓝，“这种蓝色来源于非常宝贵的青金石，与等量的黄金价格相当。

维米尔画中大片大片的蓝色，有人说象征维米尔的经济实力，也有人说他因此而负债累累。

因为当时很多的作品还是会来自商人、贵族的订单，所以大面积蓝色的作品，从侧面反应出“黄金时期”荷兰经济实力的雄厚。

”NO.10.《维纳斯的诞生》波提切利

电影截图

NO.10.《维纳斯的诞生》波提切利。

“文艺复兴绘画的主流是人物的比例非常正确，强调极端写实，人物形象的正确性非常重要。

尤其是《维纳斯的诞生》中，维纳斯的形象比例不合规，脖子过长、溜肩，但却异常美丽。

从中可以看出，波提切利为了人物的和谐，甚至可以牺牲掉当时非常流行的正确性。

” 提到波提切利，我想介绍一下美第奇家族，物质和精神似乎是对立的两个方面，但是没有美第奇家族对艺术的金钱投资，弗洛伦萨的文艺复兴会大打折扣，这个有权有势有钱的庞大家族，有着卓越的鉴赏能力，资助出大批的艺术家，达芬奇、米开朗琪罗就是受到了美第奇家族的经济支持，创造出来大量的艺术作品，除了二位之外，还有这位另类画家波提切利。

波提切利最著名的两幅画作《春》和《维纳斯的诞生》中，画的都是维纳斯和其他各种古希腊古罗马的神，在当时基督教的环境下，这是非常出格的行为，触碰了基督教教义的底线，在当时绝对属于创举。

正是因为美第奇家族对艺术包容性与鉴赏能力，鼓励波提切利继续遵循自己的绘画风格，才让绘画史上迸发出波提切利式的绘画美感。

我想从美第奇家族我们可以看出，金钱本身并不会带来罪恶，金钱的价值取决于使用人把它用在何处，乌菲兹美术馆的前身是美第奇家族的办公厅，里面收集者家族大量的艺术品，1581年美帝奇家族将博物馆开放。

徜徉在弗洛伦萨的城市中，琳琅满目的艺术作品和人文气息直击心底，那种震撼以及对艺术的敬畏，是我20多年从来没有感受到的，它真的像是一种强有力的声音，唤醒我对艺术世界的渴望，美第奇家族的“天使投资”让弗洛伦萨成为承载艺术史意义的城市，这岂止是用伟大可以形容！

我希望我们国家有钱人，出钱做一个乌菲兹美术馆的中文讲解器，这个是我对有钱人的愿望。

电影截图NO.11.《大卫》米开朗琪罗、《珀尔修斯斩首美杜莎》切利尼

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NO.11.《大卫》米开朗琪罗、《珀尔修斯斩首美杜莎》切利尼

《珀尔修斯斩首美杜莎》切利尼 《大卫》雕像坐落于市政厅门口，沿着大卫的眼神方向的青铜雕像就是《珀尔修斯斩首美杜莎》，在这里我想讲讲美杜莎这位人间惨剧的女主角，她本来只是一个安安静静的绝世美女，被见色起意的波塞冬侮辱了之后，“嫉妒女神”雅典娜不敢报复好色男神，就把美杜莎变成怪物，还被下了诅咒，任何人看见美杜莎的双眼就会石化，最后“嫉妒女神”帮助了珀尔修斯斩了美杜莎的头颅成为了英雄，这是什么怨什么仇会这么对待美杜莎？

她唯一的错误就是长得漂亮而已。

NO.12.《夜游者》爱德华·霍普

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NO.12.《夜游者》爱德华·霍普 霍普的绘画作品给人一种孤独感，他从小就是一个沉默寡言的男孩。

这种孤独与迷惘就像如今的人们，为了生活背井离乡，青年人在偌大的城市里，好像已经挣脱原生环境带来的束缚，但又和身边的人没有什么交集，就像人们总结青年人的生活是碎片化的，每个人都寻找自己的喜爱的事物，形成自己封闭的小世界，自己的世界与其他人的世界都是独立的，我们都不喜欢被打扰。

“这种孤岛般的“孤独和迷惘”在霍普的经典作品《夜游者》中被他体现的淋漓尽致，这是一个深夜，大大小小的商店都已经关闭，只有街角拐弯处的咖啡馆还没有打烊。

在这间店里，聚集了一对中年男女，一个酒保，一个独自饮酒的男人。

其实相对于店铺的面积来说，人群所占的空间已经不算小了。

但是你一眼看上去，第一感觉还是一种深深的孤独和寂寥。

这当然和霍普一向以来的阴暗用色有关系，但是除了大片的昏暗背景，还有一个很重要的原因。

NO.13.《夜游者》爱德华·霍普局部 你看画中人物的眼神：你会发现，他们的眼神都是彼此错开的。

所以，虽然是共处一室，但是每个人和彼此之间好像都被一层隐形的隔膜弹开。

不难想象，即便身处在这样一间咖啡馆中，周围也一定是“无声”的。

这种“无声感”，就是这幅画孤独感的最大来源。

”选自《每个人都是一座孤岛，吗？

》雪野 接下来的电影里出现的艺术作品我就不过多赘述了，我们一起欣赏了解一下吧。

以上加引号的内容，部分选自严伯钧西方艺术课。

NO.13.《思想者》罗丹

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NO.14.《思想者》罗丹NO.14.《梦》毕加索

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NO.14.《梦》毕加索NO.15.《雷诺阿画像》巴齐尔

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NO.15.《雷诺阿画像》巴齐尔NO.16.《西班牙公主》委拉斯凯兹

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NO.16.《西班牙公主》委拉斯凯兹NO.17.《吹口哨的男孩》弗兰克·杜韦内克

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NO.17.《吹口哨的男孩》弗兰克·杜韦内克NO.18.《德曼医生解刨课》伦勃朗

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NO.18.《德曼医生解刨课》伦勃朗NO.19.《手拿水果的女人》高更

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NO.19.《手拿水果的女人》高更NO.20.《邮递员鲁篮》梵高

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NO.20.《邮递员鲁篮》梵高NO.21.《烟斗》雷内·马格利特

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NO.21.《烟斗》雷内·马格利特NO.23.早间弥生波点艺术

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NO.23.早间弥生波点艺术 彦麟 2019.11.20

不同于好莱坞高度模式化的CG动画，欧洲动画总是更富个性，像《美丽城三重奏》《夜幕下的故事》《德黑兰禁忌》《和巴什尔跳华尔兹》《至爱梵高》和《海洋之歌》等，都以独特的艺术风格深入人心。

欧洲导演乐于在画纸上肆意妄为，擅长把天马行空的想象力与具象情景深入弥合，绘制出一套兼顾视觉与文本的符码系统，普遍关注社会文化危机与意识形态的混乱，个人内省与表达的欲望均很强烈。

虽然一些欧洲动画也在模仿好莱坞的工业化制作，但真正的魅力还要看那些在类型与艺术边缘反复试探的作品。

这些作品以灵活的方式书写着人与世界的纠缠，用夸张和荒诞去拉扯沉重的现实。

现代艺术无疑启蒙了一大批欧洲动画人，至今滋养着他们的创作理念。

乍看上去，欧洲各国的动画发展和制作手法均有差别，本质上却是同一片艺术土壤下的近亲果实。

这些独特而鲜活的线条色彩，总是以惊艳的方式渲染出高度凝练的幻想世界。

将在周五姗姗来到国内的《盗梦特攻队》（导演米洛拉德·科斯蒂奇），就是一部继承了欧洲现代艺术美学的个性作品。

然而在这种共因之外，导演的生涯履历和作品形态，又反应了匈牙利电影的特殊历史。

本片展现出一个介于真实与梦幻之间的世界，通过犯罪片的类型叙事结构，探讨角色的精神焦虑与心理困境。

基于题材的选择，科斯蒂奇选择了较为抽象的视觉策略。

这种策略的背后，蕴藏着的不仅是长期以来欧洲动画人在《鼻子》《国王与小鸟》《黄色潜水艇》《地下理想国》中一直秉持的前卫独立精神——不愿拘泥于规训的范本，更刻意与真人电影拉开距离，拒绝预设现实，而是用简约的几何，鲜明的色块和扭曲的线条实现差异化表达——同时还有匈牙利电影人独有的创作倾向。

《盗梦特攻队》再次用欧洲人的典型思维，蚀刻现实世界与人类内心。

一方面，故事中的所有人物都是立体主义的造型，他们有着扁平的身体和铺展而开的面孔，非写实的深浅变换以及运动派的表现手法，完全抛弃了透视与形似创作的惯性。

如此一来，就推动着影像减少指向外部事物的语义可能性，促使我们重新认识结构与形式的关系。

另一方面，片中各式场景相对更加写实，突出形状与角度，诸如篝火和吊灯等具体物件更是以3D动画呈现，虽然不少建筑也有着表现主义式的拉伸扭曲，但整体来讲要比人物具象许多。

如此一来，角色与环境不可避免地产生抽离感，具有积极意味的感官冲突自然生成了。

人物与场景总是不协调的，看上去似乎难以达成和解。

这样做，不仅在强调主人公的焦虑困境，也蕴藏着欧洲现代艺术的巨大美学价值。

人物的抽象示意性，流露出一种整体的、连贯一致的形式结构，从而诉诸我们的感觉，把我们带入别异的审美世界。

同时，这种抽象性也代表了客观对象与其现实意义的双重后撤，让位给某种不可名状的精神状态，是对现代主义内核的直接概括。

不同立场的观众，对导演试图点明的情感与思考有着不同理解，而这些理解互不冲突，各自成立，我们就可以说这部电影是暧昧的、多义的。

达成这样的效果，得益于现代艺术赋予动画迷离梦幻的多元形式表达。

动画出生在现代艺术全面爆发的年代中，因此那些思潮与成果几乎可以直接进入到动画里。

现代艺术另类的物质观，对客观世界奇特的洞察方法，均被动画淋漓尽致展现了出来。

《盗梦特攻队》在整体叙事上散发出浓厚的暧昧性，视觉上也颇具实验气息，但本片并不是一味晦涩的。

首先，对艺术爱好者而言，这部动画确实可称得上是艺术版的《头号玩家》。

散落于各处的关于绘画与电影的涂鸦、标语和道具等，无疑是具有互文效应的彩蛋，在持续地转场中不断唤醒我们的审美经验。

另外，影片的主线故事就建立在十三幅世界名画之上，是电影的叙事动机，也是角色试图摆脱梦魇的线索和手段。

于是乎，众多彩蛋垒起了影片的整体风格，又对主线叙事不构成喧宾夺主的威胁，同时让这场名画盗猎的长途冒险，以文本编织的语义之网构成了强烈的历史召回感。

在不断地召回中，文本形成思辨，意识得到解放，个体被极致表现，表意系统逐渐丰盈。

当我们跟随主人公鲁本·勃兰特的行动轨迹，在希区柯克的冰块、戈达尔的电影、《低俗小说》的兔子舞、梅里埃《月球漫游记》、黑泽明《罗生门》、杜伟内克《吹口哨的男孩》、波提切利《维纳斯的诞生》、霍珀《纽约办公室》、马奈的《奥林匹亚》、汉森的超写实主义雕塑《游客》、沃霍尔《双面猫王》以及罗丹的《青铜时代》中畅游时，这些作品承载的时代模因和文化密度，无疑让快感无处遁藏。

甚至鲁本·勃兰特这个名字，都是由两位著名艺术家鲁本斯和伦勃朗拼凑而成。

对于艺术迷而言，大概光罗列出这些一流名作就会激动不已，何况这只是影片中涉及到的冰山一角。

可以说，《盗梦特攻队》的所有细节几乎都是由艺术品填充起来的，在那些难以察觉的画面角落，还有更多的绘画与电影彩蛋等待我们挖掘。

其次，影片披上了犯罪/偷盗电影的外衣，情节线索较为明朗，不少段落拥有黑色电影的元素。

虽然《盗梦特攻队》对这种类型叙事的把握仍有瑕疵，但是对于喜欢好莱坞的观众而言，这类故事本身也能体现出不错的娱乐性。

而主人公的梦魇，对照的是经典的弗洛伊德精神分析法。

影片故意模糊真实界与想象界的边野，本来抽象化的人物造型也难以令我们分辨虚实。

第一个镜头便是鲁本·勃兰特遭到《吹口哨的男孩》和《穿蓝裙子的特蕾莎公主》（委拉斯凯兹）袭击，随后场景转接到警探迈克·科瓦尔斯基和女盗贼Mimi一段长长的追逐战。

这场戏有着大量动作喜剧元素，同时人物穿梭于不同情境中的夸张动感，摒弃动作细节的仿真处理，也是欧洲运动派动画风格的浓缩，突出画面感染力，易煽动观者情绪。

整体上，影片就是在这样几条线索和动作链条中并行交汇，从而逐步揭开鲁本陷入噩梦的原因。

鲁本的内心困扰全方位地呼应着弗洛伊德理论，那些关于童年与父亲的影响。

同时电影也用最后一个多义性镜头，暗示了他与科瓦尔斯基的内在联系。

某种程度上来说，这是个半开放式的结局，虽然暗示得很明显，却仍会令观众充满怀疑。

就像《盗梦空间》的陀螺和《K星异客》的字条一样，给人充分的留白空间。

而整部电影也最终形成了一个闭环：从火车上的噩梦开始，以火车上的苏醒落幕。

对于电影艺术来说，火车是一种独特的象征性符号，因为电影就是“从火车驶入的一刹那诞生的”，也因为它是工业时代的经典标志。

由卢米埃尔开始，无数电影都以一种古典的、宏大的、敬畏的角度来呈现火车，本片也是如此。

片中的火车明显不符合现实情况，开头在黑夜中每节车厢的编号都相同，结尾又变成了孤零零的一节车厢，轨道桥也没有尽头。

鲁本的座位号25，是本片的关键数字，是叙事的核心谜题。

一切都在暗示火车是他的某种精神囚笼。

因此，火车作为一种对观众的提示，不光展现出鲁本与内心阴影达成谅解，同时还揭晓了梦境的延续。

另外，结尾数秒的铁轨交错镜头，以及车窗上科瓦尔斯基的倒影，仍揭示出他那处于不断分裂缝合的人格状态。

火车将一直开下去，没有任何途径站和终点站，他也永远无法下车。

鲁本的心理障碍，实际上是由科瓦尔斯基解开的。

但两人在情节上从未发生实际接触，尽管如此，鲁本最后也意识到了问题，这似乎不明确地暗示了两者的关系。

因此，在苏醒之前，他静静盯着墙上的十三幅画的场景，就成了许多电影中惯有的“顿悟时刻”，也是一系列情绪起伏后必不可少的停歇。

影片接着再次将观众代入似真似幻的抽象空间中，装着希区柯克的酒杯震向桌角边缘，整个镜头都在致敬《潜行者》。

然后地震变成火车的轰鸣，将鲁本拉回车厢。

父亲去世是一切的肇始，像一个开关激活了鲁本的自反记忆。

联想到那一小段关于父亲的闪回，我们也能体会到影片对冷战的历史折射。

虽然鲁本是一位凭借“艺术疗法”名声显赫的心理医生，但事实上，艺术并非只给他带来精神财富，更是他的童年阴影。

名画中人在梦中的袭击，本质上是自我与超我的激烈对抗。

每25格胶片的暗示塑造了他一生的潜意识。

电影重要的不是讲什么样的故事，而是如何讲一个故事。

从这部作品看，米洛拉德·科斯蒂奇跟匈牙利电影人给我们的固有印象有些不同，他在保持先锋独立的创作精神同时，也不排斥类型元素。

可以说，整部电影不光对罗伯特·维内、塔可夫斯基、大卫·林奇等人的作品均有借鉴，也没忘记斯皮尔伯格和史泰龙这样的商业片导演，同时还有玛丽莲·梦露、蝙蝠侠等流行文化符号。

科斯蒂奇的文化视野源于其生涯经历。

虽然他曾经靠短片《我的孩子离开了我》拿过柏林电影节银熊奖，但在主流电影界完全没什么名气。

然而在艺术界，他是一个不容忽视的艺术家，身兼摄影师、画家、雕塑家、纪录片导演于一身。

虽然是斯洛文尼亚人，但他长期定居布达佩斯，深入吸收匈牙利艺术界和电影界的方方面面。

在此影响下，《盗梦特攻队》也体现出了匈牙利电影的特征。

片子的戏剧冲突与节奏不能说掌握得多么高超，但与各种流行艺术的交叉，同时又能与文本紧密结合的本事，还是令人折服的。

米洛拉德·科斯蒂奇本片以绘画、雕塑、建筑、电影、音乐装置艺术等为主旋律，以立体主义、达达主义、后印象派、表现主义和超现实主义伴奏，摘取部分元素加以突出，让叙事散发出一种去真实化的抽象美学与怪诞的严肃性。

这些无疑都是科斯蒂奇熟稔的领域。

而文本的浅白流畅，又是一系列图征得以自洽罗列的基础。

说到这里，就要谈谈匈牙利电影的独特性。

虽然科斯蒂奇不是匈牙利人，似乎也不是专职的导演，虽然《盗梦特攻队》是一部动画片而非真人电影，但这部形态前卫的优秀作品，还是对照出了某种匈牙利电影长期发展中的意识冲突与精神遗产。

对匈牙利人来说，电影是一个受人尊敬的高等工作。

60年代以来，匈牙利文化政策基本上对电影采取积极支持的态度，既鼓励他们各种奇奇怪怪的美学实验，也能容忍他们对现实的生动描绘。

直到90年代初，因欧洲格局的变化，匈牙利国内各个电影组织纷纷解散，制片厂倒闭，政府补贴缩减，电影产业立刻陷入困境。

匈牙利电影人分为了“政府派”和“市场派”。

诸如贝拉·塔尔、米克洛斯·杨索、伊斯特凡·萨博这些蜚声世界的导演，以及巴拉兹·贝拉电影制片厂的那些激进纪录片作者们，都是“政府派”的代表人物。

杨索（右）“政府派”的意思不是完全站在当局一边，他们主张的是政府不应放弃扶持电影行业，不应把艺术完全交由市场决定。

像杨索这样的大师级作者虽然站在这个立场上，但并不会频繁为此发声。

在大大小小的会议中曝光率最高的，还是那些有一定名气但成绩有限的导演们。

他们的创作事业与原有生产机制的联系更为紧密。

东欧剧变给了“政府派”们一个虚假的愿景，让他们以为未来国际对电影将更为宽松开明，但现实让他们愕然。

最后，还是由贝拉·塔尔，萨博和杨索等人出面与政府达成一致，将扶持金回升到了一个可以接受的程度。

直到这时，“政府派”艺术家们才意识到，想又能拍电影又能吃饱肚子，一步都离不开国家补贴。

“市场派”也并不是“政府派”的对立面。

他们大多由中青年艺术家组成，基本抛弃了靠政府吃饭的念头。

他们的愿望是恢复匈牙利商业类型片的优秀传统，引导观众重新走进影院。

在1930-1970间，匈牙利合家欢电影是全国人民最受欢迎的娱乐形式，“市场派”希望重现这一光景。

他们将目光转到了民营企业和电视台身上，试图得到他们的赞助。

但事实证明，匈牙利市场太小，回报率极低，企业家们没有意愿和资本帮助他们。

巴拉兹·贝拉与孩子们交谈电视台也对此意愿不大，他们解散了各自的创作工作室，订购电视电影去了。

唯有少数几个大制片厂成功转型，这是因为他们的领导提前意识到了问题所在，在拍电影之外搞起了技术支持服务。

到最后，“市场派”也不得不靠国家补贴继续创作。

所以，匈牙利电影到现在本质上都是社会主义式生产的，但外在形态又非常类似独立电影，具有反传统、对社会各阶级角色的巧思、创新的视听语言以及鲜明的批判性。

贝拉·塔尔就是一个典型例子。

他是所有匈牙利青年导演（也可能是世界上大部分青年导演）的偶像，他在银幕上创造了独有的“社会后现代主义”。

但是他的诗性美学背后的内容与思想内核很难模仿，许多青年导演只能学其皮毛，不知其里，照葫芦画瓢。

而且，塔尔的权威总能让他得到合适的投资，但其他匈牙利导演就没有这样的条件。

更何况，后现代主义正在逐渐衰落。

Tarr Béla这些年轻的导演，大部分受制于资金与理念的桎梏，陷入某种投机的折中主义之下，背离了自己的艺术宣言和求索精神。

自贝拉·塔尔封镜后，那些在国际有些名望的匈牙利导演，也难有重量级作品问世。

然后，在国家电影基金会（如今已被国立基金会取代）新任领导格林瓦尔斯基关于鼓励电影处女作，为每个导演的命运负责的方针下，匈牙利小成本电影的时代到来了。

国家补贴平摊到更多人身上，让他们有机会制作电影。

这个愿景很美好，但弊端在于，低成本往往意味着妥协和不规范，导演们很难系统地掌握新技术，没有学习大场面制作的机会。

匈牙利电影二十年来的产量上去了，但艺术成果却越来越少。

实际上，贝拉·塔尔退隐江湖的决定，或多或少也受到这种情况的影响——他后期对美学的追求需要大量资金支持，难免与基金会的政策有些冲突。

由此产生的现象是，匈牙利涌现出一批一批的新导演，却没有几个能持续在世界影坛上露面。

曾经的一个典型例子是伊尔蒂科·茵叶蒂，在拍完处女作《我的二十世纪》一鸣惊人后，后两部作品都不被认可，以至于很久未执导筒，直到两年前才靠着《肉与灵》重新回到国际视野。

更多人就没有她这样的翻身机会了。

近几年像拍出了《索尔之子》的拉斯洛·奈迈施，很可能也要陷入这样的局面。

Laszlo Nemes（中）某种程度上来说，科斯蒂奇也是这新导演中的一员，不同的是，他在艺术界已经有了足够的底气。

总体而言，《盗梦特攻队》还是给匈牙利电影释放了一个积极的信号，科斯蒂奇根本上与那些“政府派”一样，受现代与后现代双重灵感的鼓舞而创作，喜欢用深奥的非常规的表达手段，对当代世界进行个人式创造。

但又不同于“政府派”过度痴迷影像实验，暴露出高高在上的创作意识。

《盗梦特攻队》对类型电影有着“市场派”一样的积极态度，使其与先锋艺术共冶一炉。

实验性早已是匈牙利电影的本能，也是其闪光点，但要如何避免对其他方法的窠臼与偏见，是每个创作者应该思考的问题。

科斯蒂奇的创作态度就很有参考意义。

希望《盗梦特攻队》不再是孤例，引出更多思辨性和娱乐性兼具的匈牙利（动画）电影。

Mimi是我今年看过最漂亮的二维女演员，这么说可不是自夸拥有了多么独特的审美，画面很舒服，背景乐也很好听。

在《西班牙公主》在狂奔的火车窗外被拉住，变化出狰狞的面孔咬向心理医生时，我就觉得可能会喜欢上这部作品。

有点意外的是，从前段的追逐戏中我判断这是一部不会出现流血事件的喜剧片，后面心理医生父亲朋友的遭遇，胶卷牵扯出的心理实验，都有点脱离二维剧情，贴向真实呢。

《盗梦特攻队》堪称是彩蛋控的盛宴，除了多不胜数的经典艺术品外，影片中关于电影的彩蛋和细节同样令影迷满足，下面彩蛋君就来为大家一一细数。

相信看过《低俗小说》的观众对迈克和米米跳的这支舞不会陌生。

路边海报上的法语翻译过来的意思为“梅里爱回顾展”，指的是法国电影先驱乔治·梅里爱，而海报上的月亮不难令人想到他的经典作品《月球旅行记》（1902）。

汽车追逐中，迈克差点撞上婴儿车的情节致敬了《法国贩毒网》。

电视上播的是《教父》的经典场景。

迈克家里的跑马灯致敬了英国摄影师埃德沃德·迈布里奇在1878年拍摄的《飞驰中的萨利·加德纳》，这是世界上现存最早的运动画面，为未来电影发展奠定了基础。

影片中无处不在的希区柯克，这是在暗示希胖热爱客串的癖好吗？

迈克的刀具收藏品大部分来源于动作电影。

1.《鳄鱼邓迪》 Crocodile Dundee (1986)

2.《水中刀》 Knife in the Water (1962)

3.《第一滴血》 First Blood (1982)

4.《铁血战士》 Predator (1987)

5. 《荒野浪子》 High Plains Drifter (1973)

6. 《大独裁者》 The Great Dictator (1940)

7. 《惊情四百年》 Dracula (1992)

8. 《铁面无私》 The Untouchables (1987)

实际上，收藏品中的列出的其它电影都是瞎编的，像《我的宝贝离开了我》《轻轻吻我》《塞维利亚的理发师》。

有趣的是，影片中的另一个片段提到了这些片子，称它们是用家庭暴力来表现男子气概的好莱坞电影代表。

电视机中的画面致敬了本片导演的作品《My Baby Left Me》（1995）这一幕致敬了费德里科·费里尼的《八部半》（1963）。

鲁本提到他最爱的卡通片是《海的女儿》（小美人鱼），那是1968年的苏联动画版。

该片中的“海女巫”给鲁本留下了深刻的童年阴影，以致于把波提切利的维纳斯看成了邪恶的大章鱼。

当然更为人熟知的章鱼海巫是这样的。

桌面上的是洛奇雕像，出自电影《洛奇3》（1982），现实中位于费城美术博物馆前。

墙上的钟致敬英格玛·伯格曼的《野草莓》（1957）。

杀手车上的吊饰出自黑泽明作品《用心棒》（1961）。

鲁本父亲的电影实验室中能看到许多德国表现主义电影的海报，这个电影流派出现于20世纪10、20年代，追求用荒诞离奇的手法，呈现高度夸张、变形、主观化的世界。

（这种风格体现在了鲁本那些光怪陆离的梦中）画面右侧的海报是1913年的德国无声电影《布拉格的大学生》。

左边的海报是G·W·帕布斯特的早期经典《三便士歌剧》（1931），改编自德国戏剧名作。

右侧铭牌上是1895年斯科拉达诺夫斯基兄弟拍摄的短片之一《摔跤手》（1895）。

墙上的海报从左到右分别是：《潘多拉的魔盒》 Die Büchse der Pandora (1929)（女主角露露的名字与发型呼应本片中的米米）《玩家马布斯博士》 Dr. Mabuse, der Spieler (1922)《卡里加里博士的小屋》 Das Cabinet des Dr. Caligari (1920)《蓝天使》 Der blaue Engel (1930)右下角可以看到"C. WESTWOOD FILM"，可能是故意把克林特·伊斯特伍德名字中的East改成了West。

这个画面中出现了《大车队》（1978）的海报，据说这是中国改革开放后引进的第一部美国故事片。

墙上的涂鸦为黑泽明的电影《罗生门》（1950），翻拍自芥川龙之介创作的短篇小说。

玛丽莲梦露的《七年之痒》（1955）。

迈克的姓氏“科瓦尔斯基”（Kowalski）来自《欲望号街车》（1951），也就是马龙·白兰度的角色姓氏。

影片中出现的一些名字也致敬了著名导演，比如奥赛美术馆的安全主管叫弗朗索瓦（François，弗朗索瓦·特吕弗），还有吉赛贝（Giuseppe，吉赛贝·托纳多雷）是意大利黑手党……聊完电影彩蛋，接下来为大家分析结局的隐藏细节，相信看完全片的观众都会有下面的疑问：Q1：这个故事是一场梦吗？

这是一个开放性问题，我个人认为答案是YES。

但其实故事的发展过程并不重要，重要的是结果：主角最终摆脱了过去，成长为更好的自己。

而为什么我认为一切是鲁本的一场梦呢？

首先，在影片开始的时候，鲁本正在看一本书《深度睡眠》（Deep Sleep），预示着他即将在漫长的火车旅程中沉沉睡去，经历一个通往内心深处的梦。

到了影片的最后，鲁本在火车里惊醒（梦境结束），捡起身前的《享受艺术》（Enjoying Art），书的封面正是《维纳斯的诞生》，说明他已经摆脱了童年梦魇，不再产生诸如章鱼海怪等幻象。

上面的画面中有两个值得注意的细节：1. 书的封面是黑色的。

在此之前迈克在约翰·库珀家中找到的同一本书却是完全对立的白色。

这种对立还体现在两人的衣着上，鲁本穿白色衬衫，而迈克穿黑色外套。

2. 黑白两本《享受艺术》的出版社都是Double Bear Press。

以上说明影片前后发生在不同现实中。

（当然，我们可以认为这是一本书的不同版本）如果以上细节不够说服力，我们再来看看这个画面，这是鲁本被“邮寄”前的场景。

观影时注意这一幕的前一秒，我们能清楚听到火车行驶的声音，但画面中并没有火车（只有一条游过的鱼），因为这就是睡梦中的鲁本在现实里（火车车厢中）听到的声音。

Q2：鲁本和迈克是同一人吗？

首先我们回到影片的第一幕，导演在最开始已经用一句话暗示了两人的身份，鲁本和迈克实际上是两只一起玩的“猫”，而两只猫都是“我”。

鲁本戴着两条不同颜色的领带，穿着不同颜色的鞋，这是双重人格的象征。

鲁本在笔记本中写到，担心自己出现精神分裂症的先兆。

鲁本和迈克第一次面对面时，两人的脸透过玻璃重合在一起。

米米的梦里，出现了一只长着两个头的小熊玩偶，呼应上文提到的Double Bear出版社，再度证实鲁本和迈克的关系。

更明显的一处，米米在梦中看到鲁本的背影，转过头来却是迈克的脸。

影片后段，鲁本的家剧烈摇晃时，他发现自己被手铐锁在椅子上，这是鲁本的另一人格——迈克——“拘捕”了偷画的自己。

在影片的最后，导演给出的暗示也很明显了，鲁本从窗户中看到了另一个自己——迈克。

文 | 彩蛋君KL 【任何形式转载请联系授权】

又是打卡收藏夹电影系列，但是《盗梦特攻队》是第一部让我想写长篇的电影，每一帧截下来都可以称之为一幅画，画风的话想到的第一个众所周知的人物就是毕加索了，当我被满屏的立体主义与超现实主义结合的画风所震撼时我会想这个导演到底是对艺术有多么执着，不知道是剧情建立在画面上还是画面服务于剧情，如果是对于艺术有研究的人大概会在看电影中感受到找彩蛋的快乐吧。

关于致敬的很多经典片尾导演也列了表，网上也有大神们的罗列，我就不暴露我那仅有的艺术水平了，说说剧情吧，开篇一句话“ 我梦见我是两只猫，两只猫在一起玩 ”好的全剧终（开玩笑），但是就和这句话一样，弟弟只是他想脱离父亲的实验下的一个理想状态，他勇敢活泼可以做自己想做的事，米米说用问题解决问题，所以他盗走了名画收藏了起来，其实父亲的影响还是深刻的刻在了自己的身上，结尾的开放性结局我希望鲁本能回归自己，童年的实验在这场梦里释怀。

说回画面，印象最深的是东京艺术展里他们的大混战，而群众只当是一场行为艺术，不知道是不是导演对现代艺术的一种讽刺，我记得好像是现实发生过这种事，艺术这种事本就不应该有门槛，不要因为觉得一件事有门槛而出现奇怪的优越感，警官问米米为什么最后偷的是扇子米米说因为美，这就够了，美不应该被禁锢。

到饭点了结束我的碎碎念，有的点看电影的时候想到了等我开始写又忘了说不定写完又会想起来但是懒得补充了，电影还是要安利的，在清一色的迪士尼和皮克斯动画中这个画风真的是让人眼前一亮，加上剧情也是值得思考的，给个五分不过分。

前几天看了一点，今天接着看，发现还是看不太懂。

里面充斥了很多欧美名画的人物，剧情也是很抽象的一部动画片。

里面的人物形象都很有意思，还有鱼邮差鲁本原来是一个医生，但是受父亲影响，做了许多艺术家有关的噩梦。

最后的结局我还是没有很懂。。。

我要乖乖去看别人的长评理解一下了。。。

做瑜伽的女助手

鲁本

到底是我在做梦，还是有人梦到了我。

这是个问题。

就像庄周梦蝶一样，人生何尝不是一出黄粱一梦呢。

如果在现实生活中无法得偿所愿，或者说超现实的事，做一场梦来实现岂不是人生圆满之事，何必如此苛责。

看着看着感觉自己也分不清哪里是梦境，哪里是现实了，最后一幕更是太绝，玻璃上映射出警察哥哥的影子，还有米米获得自由时转身的竟是警察也喻示了这一结局。

我再看的时候也一直在思考谁是真正的主角，想不清楚就随风飘荡吧。

磕CP我是认真的哇，一开始的追逐跑酷战太燃了，警察和女贼的设定不要太般配。

让我想起小时候看的动漫《圣少女》，直呼爷青回，但是他们的对手戏也太少了吧，才两场，姑且把弟弟当成哥哥，他们就是一个人。

但是的的确确他们长得不一样我还是不能接受，他们的身手和夫妻相导演真的不是认真的吗。

还有不知道为什么他们长得好看中又带着一丝奇怪。

除开他们的满分身材，他俩额头前呼应的一缕头发也是好看的，米米的死亡绿色眼影和唇色竟也完美hold住了，这都能审美。

可他们的头型确定不是抄袭隔壁村的傻驴吗，这是我看半天觉得有点突兀又好像是艺术get不到的点。

画虽美丽，但也不能用偷的啊（剧透）故事以医生梦中所见的画为他的童年阴影，出现的四个病人反倒帮助他用问题解决问题，那就是偷画来治疗医生的所谓“精神分裂症”，这也是将偷盗这种低俗的伎俩冠上了“收藏家”的称号。

这个想法真的打开新世界的大门，特别当米米说出美不应该被锁住，而警察回了一句有些美就应该锁住。

所以加之主角光环加身的偷盗者各种开挂，不过这一切的一切如果把它当做一场梦将十分合理，因为梦就是无厘头的且带有艺术气息，十分有意思。

画风清新脱俗，音乐治愈心灵所有的人物都是不同程度扭曲的，颇具艺术感。

现实和画里的世界傻傻分不清楚，眼睛👀不在于多少，而在于传神。

人物不在于几维，而在于鲜活。

里面的歌女和米米的嗓音都非常性感，前半部分配乐上也很休闲放松，不觉得这是个犯罪片。

而且不知道为什么，昨天看的《魔术师》我以为是很温馨治愈，结果看完直接抑郁。

而今天看的《盗梦》以为很紧张刺激，结果却挺释放自由的，真是奇妙的体验。

不要预设，因为根本没有必要。

今年的北京国际电影节遭到不少批评。

海报太丑，片子一般，影迷戏称这是一届“省钱电影节”。

片单普通，不是说牛片没有。

这不，电影节还没开幕，一部冷门佳作已经口碑爆裂，一票难求。

相信，你在不同场合听说过它。

各种高调的词形容它——“震撼”、“杰作”、“年度最佳”……这些评价恰如其分，一点不惨水份。

怎么形容，动画版《头号玩家》，“十秒钟一个彩蛋”？

我想可能还不止。

这部电影叫《盗梦特攻队》，一部匈牙利动画电影。

看片名，是不是非常熟悉？

没错，《盗梦空间》加上《头脑特攻队》；而且是1+1>2的效果。

最重要的是，片子已熟，可以与电影节同步观影。

1.

《盗梦特攻队》的主角，是一位痴迷于艺术的精神分析师，叫鲁本·勃兰特。

但此时此刻，鲁本·勃兰特遭受噩梦的困扰。

噩梦源自他热爱的艺术作品，名画中的人物不断出现在他梦中，伤害他，让他心神难宁。

“我的噩梦越来越厉害，艺术作品中的人物不断攻击我”。

一开场，鲁本·勃兰特便说了这样一句话。

为了从噩梦中解脱，鲁本·勃兰特必须把画拿到手，一共有十三幅。

于是鲁本·勃兰特找到盗窃天才美女咪咪，由她领导，带领他手下的三位病人一起行动。

分别是强壮、健谈的保镖拜乔；电脑能手费尔南多，每次完成安全漏洞时，都会忍不住留下自己的签名；还有圆胖的银行抢劫犯布鲁诺。

四人盗窃团伙在世界各地的博物馆周游，盗窃名画。

因为名画不断被盗，政府紧急发布捉拿盗贼的悬赏令，奖金高达100万美金。

警方错误认为罪犯不可能是熟人，因为被盗的绘画都太有名，根本卖不出来。

于是，大名鼎鼎的精神分析师鲁本·勃兰特被忽视了。

媒体一致认为这些作品被一位艺术收藏家拿走，并将未知的罪魁祸首命名为“收藏家”（Collector）。

画廊保险公司由于名画被盗蒙受巨额损失，雇侦探调查此事，把名画找回来。

于是大侦探迈克·科沃斯基出场了，受雇于画廊保险公司，抓拿盗窃者，找回绘画。

迈克·科沃斯基自己也是位收藏家，与鲁本·勃兰特相似，不过他收集是一些不同寻常的电影纪念品，动画里出现了不少对经典电影的致敬。

此外还有一股势力是黑帮分子，背着迈克·科沃斯基进入调查，从鲁本·勃兰特那里偷艺术品。

鲁本·勃兰特一方、迈克·科沃斯基和黑帮分子，三股力量之间产生角力，推动情节发展。

电影在人物关系上埋了很大一个彩蛋。

观众最后发现鲁本·勃兰特和迈克·科沃斯基竟然是同母异父的兄弟，这直接帮助观众找到鲁本·勃兰特做噩梦的根源。

2.《盗梦特攻队》可谓一部极简的艺术史指南。

电影一开始是主角鲁本·勃兰特坐在急行的夜间火车上，一位吹口哨的男孩坐在他对面，一个穿蓝色裙子的小女孩突然冒出来，咬了他的手。

这不是一幕莫名其妙的场景，而是鲁本·勃兰特的某个恶梦，男孩和女孩都是名画中的人物。

“吹口哨的男孩”来自于美国画家弗兰克·杜韦内克(Frank Duveneck)的同名画作。

吹口哨的男孩小女孩的来头更大，来自西班牙画家委拉斯开兹(Velazquez)的名画《穿蓝裙子的玛格丽特特蕾莎公主》。

穿蓝裙子的玛格丽特特蕾莎公主原型人物是西班牙国王腓力四世的女儿，曾多次出现在委拉斯凯兹的画作中，委拉斯凯兹的最著名画作《宫娥》也出现了她，而且是主角。

不只如此，观众还能在某个场景中看到意大利文艺复兴时期的画家波提切利（Botticelli）《维纳斯的诞生》里的维纳斯用她长长的金色长发把鲁本·勃兰特拖到海底，这同样来自鲁本·勃兰特的某个噩梦。

维纳斯的诞生可以说，整部艺术史都浓缩在了电影中：从卡拉瓦乔(Caravaggio)到毕加索(Picasso)；人物造型以毕加索式的立体派风格为基础，将不同角度观察到的脸的局部拼凑在一张脸上，因此人脸上有三只眼睛毫不奇怪。

毕加索的画有一幕，是鲁本·勃兰特走进爱德华·霍珀(Edward Hopper)的夜鹰酒吧(Nighthawks)，有一个人把脸猛撞在通宵营业的餐厅窗户上。

夜鹰同样少不了的是电影：从苏联蒙太奇大师谢尔盖·爱森斯坦(Eisenstein)到《教父》导演弗朗西斯·福特·科波拉（Coppola），再到大名鼎鼎的阿尔弗雷德·希区柯克(Hitchcock)。

有一幕，希区柯克形状的冰块在侦探迈克·科沃斯基的威士忌酒杯里上下晃动，会让影迷会心一笑。

还有音乐巨星：从猫王(Elvis)到电台司令（Radiohead）。

安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的经典杰作《双面猫王》（Double Elvis）出现在某处剧场表演，向鲁本·勃兰特发起枪战。

双面猫王甚至，史泰龙的经典枪战影片《第一滴血》的主人公兰博(Rambo)也登场了。

第一滴血爱德华·马奈(Edouard Manet)的《奥林匹亚》(Olympia)里的黑猫咬着鲁本·勃兰特的脸不肯放。

奥林匹亚埃及艳后克利奥帕特拉七世的无价折扇，是咪咪偷的第一件艺术品。

梵高的名作《邮差约瑟夫·罗林的肖像》中的邮差约瑟夫·罗林将鲁本·勃兰特从飞机上抛下；超现实主义画家雷内·马格丽特（Rene Magritte）的《这不是一只烟斗》……

这些作品藏在世界上最有名的博物馆：如法国卢浮宫、奥赛博物馆、泰特美术馆、乌菲齐美术馆、艾尔米塔奇美术馆、纽约现代艺术博物馆和芝加哥艺术学院……顺便连博物馆，也带观众一起参观了。

甚至连主角的名字鲁本·勃兰特也暗藏玄机。

Ruben Brandt是两位艺术史大牛鲁本斯（Rubens）和伦勃朗（Rembrandt）的合体。

看来“十秒钟一个彩蛋” 一点不虚，就看你艺术史知识如何了。

对艺术史熟悉的观众，在电影里发现埋设的艺术梗，无疑会会心一笑，甚至惊呼过瘾。

对艺术不太了解艺术的观众也能享受到肾上腺素飙升的快感。

因为这是一部快节奏的黑色惊悚片，整部电影商业元素很足，观赏性极强。

电影开头是接近10分钟的追逐戏，穿过街道，跃过巴黎的建筑，这些建筑散落在塞纳河上。

后来，在高速公路上的逃跑过程中，观众在路边看到繁多的电影。

但可能涉及太高深的艺术品，比起《头号玩家》埋设的大众文化的梗更难破解，从而影响观看。

2.

Milorad Krstic导演Milorad Krstic在电影界还是位新人。

1952年出生于斯洛文尼亚的多恩伯克，在塞尔维亚诺维萨德大学获得法律学位。

1995年开始涉足电影领域，第一部动画短片作品《我的孩子离开我》是一部超现实主义电影，片长八分钟半（致敬费里尼的《八部半》？

），讲述一个男人在恋爱中犯了一些错误，必须为此付出代价。

《我的孩子离开我》在第45届柏林国际电影节获得最佳短片银熊奖，在安纳西国际动画电影节获得短片单元最佳处女作奖、最佳影片奖、最佳原创影片奖、最佳影评人奖。

《我的孩子离开我》剧照Milorad Krstic在艺术界大有名气。

身兼数职，既是画家、雕塑家、舞台设计，也是纪录片导演和多媒体艺术家。

曾在2010为贝克特的《等待戈多》和《幸福的日子》设计舞台布景。

画风诡异，富有超现实主义风格，颇有米罗、克利的风格。

Milorad Krstic1989年后定居布达佩斯，曾出版摄影作品集《布达佩斯》，以独特角度拍摄的城市风景。

布达佩斯此次制作《盗梦特攻队》可谓十年磨一年，呕心沥血。

《盗梦特攻队》此前在瑞士的洛迦诺首映，被认为是《疯狂约会美丽都》以来最好的欧洲动画电影。

疯狂约会美丽都电影的配乐也值得一提，来自于罗马尼亚作曲家Tibor Cárl，将经典的古典乐和邪典音乐融入剧情中。

Tibor Cárl之前为演出创作音乐，已经超过150场，近年来开始涉足电影领域。

毫无疑问，今年动画电影的头号种子非《盗梦特攻队》莫属了。

3.最后分析下鲁本·勃兰特的角色设定，涉及精神分析学。

鲁本·勃兰特用艺术帮人解决心理问题，换句话说也就是艺术治疗师。

但他自己却深受艺术的困然，这种设定非常有意思。

噩梦中名画的侵扰可以看成是心理症结的体现，可以用弗洛伊德的理论来解释。

在某种程度上，这是被压抑的艺术家之梦的变向体现。

电影中出现鲁本·勃兰特的父亲不是没有原因的。

鲁本·勃兰特的父亲是东德移民后代，前东德国家安全局上校，心理技术专家。

他通过16毫米胶片对人的潜意识感知进行实验，秘密为美国中央情报局（CIA）工作。

后来在中情局的帮助下，鲁本一家移民美国，当时鲁本·勃兰特才两岁。

父亲想让鲁本·勃兰特成为伟大的艺术家，因此在儿子身上做实验。

父亲从小给鲁本·勃兰特看艺术作品的动画，这些作品留在了他的潜意识中，后来变成了噩梦中的角色，也就是鲁本要偷走的13幅世界名画。

父亲在一个月前去世，这直接导致鲁本·勃兰特儿时置入潜意识的东西的释放，表现在梦中。

鲁本·勃兰特因此不断遭受这些名画的困扰。

为了逃脱这一困境，他必须找到出现在噩梦中的绘画，据为己有。

这在某种程度上实现父亲希望·勃兰特成为伟大艺术家的未遂愿望。

《盗梦特攻队》奇妙地结合电影、艺术、精神分析，在表层和内里都做到了极致，让人惊叹。

这部赏心悦目的电影已经有资源和中文字幕，请接受这场视觉盛宴。