吉屋出租

对待的罐头的态度始终很反感。

比如罐头鱼，外表是罐头，密封地包裹，不可窥视，必须启封才可知真相；内容是鱼，却不再鲜活，混合着成分不明的油脂和防腐剂，以永远僵死的姿态，很坚硬很嚣张的面对食客。

所以罐头，就像一个想去揭开的欲望，揭开了却没了胃口，勉强吃下去，也会腻了脾胃。

《吉屋出租》，早有耳闻。

不是因为莫文蔚，而是因为百老汇。

虽然很不喜欢《西区故事》，却依然喜欢韦伯，百老汇更是一直觉得有趣。

《吉屋出租》是纪念这部音乐剧演出10周年而特意拍摄的电影，所以又落入一个有些许尴尬的立足点，是电影，又必然有浓重的音乐剧原先的味道；是音乐剧的延伸，又必须以电影的表现手法来展示。

一个像罐头一般的电影。

电影开始，舞台、背景、灯束，完全的音乐剧排场。

似乎是给10年以来载誉无数的原剧致敬。

才开始，就为纵火发泄的场景眼热了一把。

无法想象在音乐剧的舞台上怎么实现这种效果，真的在舞台也搞这种路数，也许舞台总监第一个得拿着灭火器守在舞台边吧。

讲跑题了。

《吉屋出租》是完全中国式的翻译。

这与原名就有很大的出入。

中文译名很容易将人们的观看重点引到“屋”上，而的本意到是在“租”上。

就在人们纵火发泄不满时，人们唱着，不打算付房租的真正原因是“因为一切都是租来的”。

以前的室友现在变成蛮横催租的房东，以前的恋人不是分道扬镳就是离开人世，以前的健康自我现在统统被自己的细胞背叛。

住所，感情，健康都是“租”来的。

“租”就意味着不是自己所拥有，“租”就意味着不能全心投入，“租”就意味着随时可能被收回、随时可能失去。

“租”来的一切可以不去珍惜，因为珍惜似乎没有效力。

失业失恋、理想破灭、身染绝症、无钱缴租，更何况居住在贫民区，身旁充满危险和伤害。

同性恋、双性恋、异装癖、吸毒者、爱滋病患者。

成为这样的人，好象有原因，却是没有理由的。

以前不曾了解这些人，以后也许还是不会了解。

但是，看着一群爱滋病患者在定期的交流聚会上，轻轻地唱起，“我会失去自尊吗？

会有人在意吗？

明天我还能从这个梦魇中醒来吗？

”他们一一站起身，眼中的哀伤流动，歌声此起彼伏，所有的问题都没有答案。

所有的人都有这样的感受吧，生活如梦魇一般，自己孤立无援，没有尊严地卑微得活着。

这几乎不是一个群体的疑虑和忧愁，而是人类的一个终极疑问。

对于疾病无能为力，对于毒瘾挣脱不掉，恋人总是在背叛自己的边缘徘徊，理想像被旁人屏弃无数次的垃圾，最亲爱的人痛苦死去……把痛苦聚集，然后放大。

我们要怎么衡量自己，衡量生活？

怎么去对待生死，对待爱恨？

究竟什么是重要的？

什么是虚幻的？

音乐背后隐藏的是答案。

原剧最精髓的音乐都表现地淋漓尽致，而很多舞台剧会有限制的场景，都在电影的画面中有更好的表达。

这个电影依然是罐头，妙的是罐头里的鱼活蹦乱跳。

我会把它作为一个经典，不时回味，更期待，总有一天，可以到百老汇朝圣真正地看原汁原味的。

抛去通俗，歌曲质量明显高过妈妈咪呀。

凄凉christmas里 无论“sister”还是“brother”都很high是凭吊身无分文的理想？

没关系，无论如何都还是要活下去。

唯有毒品和AIDS能阻碍生命的延续。

当candle照亮mimi她看见angle，咽下的气又吐了出来。

她的消失和复活都戏剧化与假惺惺。

除此以外，结尾大家继续过着惨兮兮小日子。

不错可以剖析成名为《底层人民的幸福小日子》外加名为《毒品害惨了他们》的公益片。

挺好。

人可生如蚁而美如神。

——顾城RENT讲述的是”社会边缘群体”的故事。

变装皇后，无政府主义者，脱衣舞娘，落魄音乐人，还有为“自己的记录”而挣扎的纪录片导演……他们桀骜恣情，离经叛道，他们属于宿醉和高歌，大声嘲弄着”波希米亚已死”，他们爆发着璀璨得惊人的生命力，像是砸碎在大楼门口的香槟酒，在一簇突如其来的火焰中炸裂出新生。

“如何计量一年？

分秒，喜悲，日出日落，午夜与咖啡，咫尺或远途，还是……爱？

”《seasons of love》，爱是他们的选择。

贴满了非主流标签的他们被抛掷在举世所弃的角落，或者说，他们将所谓主流社会驱逐出境，在自己的国度为每分每秒赋予爱和自由之名。

曾有人说人性就是兽性和神性的结合，所谓人性的光辉或许就是爱。

原始的欲望和高贵的悲悯相碰撞，是怒放的天性也是虔诚的修行，留下属于这尘水相合的凡躯所特有的辉彩。

爱的触动太过真切，让某些“主流”声音强加给属性的贬义显得充满讽刺。

在这种力量面前，歧视崩塌成破碎的哈哈镜，每个碎片都在嘲讽那些草率定论的扭曲。

就像剧中形容Angel的一句台词，“他是你无法成为的男人，她是你无法得到的女人。

”看Angel，不知不觉地就穿过了任何标签。

真善美的优先级永远高于任何标签。

请穿过男或女、小众或大众、认可或歧视、赞美或唾骂，请穿过标签，穿过世俗，穿过加尔各答也穿过波希米亚，穿过熙熙攘攘也穿过遗世独立，穿过一切定义中的界碑，穿过坟墓——去审视，以绝对的平等和自由起誓。

“敬一切性恋，敬人类，敬禁忌，敬美好，敬我们成为我们而非他们。

”其中最动人的片段，应该就是《La Vie Boheme》，波希米亚生活。

百度百科给出的波希米亚的意义很简单——一种艺术家气质，一种时尚潮流，一种反传统的生活模式，自然不羁，轻度的颓废和流浪色彩，个性的显露。

在西装革履、道貌岸然的三位“先生”面前，“波希米亚早已经死了”的嘲讽点燃了这场叛逆的狂欢。

流光溢彩的荒唐，将虚伪做作的一切自我束缚打得粉碎，只留下酣畅淋漓的自由。

这种震撼不同于叛逆本身的刺激，更源于宣誓般的呐喊，源于对自由和平等的尊重。

这份尊重使世界变得明亮而鲜活，生命力和创造力在颠覆中腾空，绽放，夺目如烟花。

就像殿堂上高悬的水晶灯，在坠地破碎的刹那让人想起的不是满地狼藉，而是叮当脆响，是无数闪烁的水晶在各个角落反射着光。

那绝不是颓废堕落的美，而是蓬勃得耀眼的希望，就在此时此刻。

这耀眼的希望和颓废搭不上边儿，即使在一个成熟完善的理智社会中，它的出现总是伴随着酒与疯狂。

波希米亚在“反传统”。

无数早就被时光定义过时代里也总有人在“反传统”。

《La Vie Boheme》对束缚充满讥诮的、张扬盛放的态度，让人想起了魏晋。

我与我周旋久，穷途恸哭而返，礼不为我设，当醉当哭当放肆，当向万众呐喊吾辈情之所钟——天地混沌，时局叵测，入世既难，此身愈沉，高蹈的灵魂愈格格不入，他们在“不谐”中挣扎，或沉沦，或呐喊，一声长啸，玉碎昆山。

他们求的，也许是自我。

世间给的自由太稀薄，就向自我求一个自由。

这样的呐喊太过痛楚，像是与杰出的“月亮上的灵魂”相伴生的诅咒。

既然如此，庸庸碌碌的凡夫俗子、以冷静为习惯的泱泱世人，为什么还会被他们的呐喊唤醒，被他们的痛苦灼伤？

魏晋一声强音成了悠悠千年间的念念不忘，《Rent》这部本以为只属于“外百老汇”的作品成了百老汇最经典的剧目之一，斩获奖项若干，包括业内最富盛名的普利兹戏剧奖。

为什么？

这或许成为一个问题，或许并不，或许有人好奇真正的原因，或许那个原因太过简单，只是以理智为盔甲的人们太不习惯于承认，不过都不重要了。

那么，不如举杯——酒或茶或白开水都没关系了。

“敬狂喜，敬自由，敬没有绝对正确的真理，敬有绝对自由的选择。

”敬爱，敬自由，敬所有仰望月亮的生命。

#2018年9月9日 星期六#第一次看摇滚音乐剧，很嗨，会随之不自觉摇晃～本来就离舞台远+脸盲+男女关系复杂…然后再加上男男、女女组合…剧中莫名一对对开始撕逼，过会唱首歌，然后又一对对和好…可能唯一看懂并被感动的就是两个艾滋病患者的恋情，感人，歌也好听！

特别不懂的是，一个女生不停上下甩头发，说了一个她的梦：在沙滩上走路，碰到一个奶牛，奶牛说，现在不生产奶了，大家都喝可乐……😂然后念台词时，一个单词重复二十遍，中间还打了个嗝冷…不知道是故意的还是中间换气的失误😂英文不好，有些台词英文说出来可能更有感觉，anyway：1、忘掉遗憾，别错过你的人生。

没别的路，没别的去处。

走下去，no day but today 今天要抓住。

2、没有恐惧，按理说我三年前就已经死了3、顺其自然，才知道什么是对4、明天我会不会从噩梦中醒来，有没有人在意5、dont forget to love6、goodbye love came to say ～被两个艾滋病患者的爱情所感动…

提到“波西米亚”，我脑海里率先显现的是雨果笔下恣意随性的艾丝美拉达和比才曲中至情至性的卡门。

浪漫美丽的女人身上洋溢的鲜活与不羁，寄寓着沉闷的教条社会里人们对于自由和美好的渴望。

倘若，有人要把这个穿越几百年历史尘埃、镌刻着鲜明欧洲元素的题材搬到一洋之隔的纽约城，还要以前所未有的摇滚风格重新锻造成一部作品，恐怕很多人根本无法想象出它的样子，甚至会担心它会成为“四不像”的尴尬怪胎。

但一个29岁的美国作曲家，硬是把这般匪夷所思的想法成就了一部美国音乐剧史上的里程碑作品、一部今天听来依旧燃到爆炸的热血经典《RENT》。

Jonathan Larson，一个只有36年如流星般短暂的生命，仿佛就是为了这部传奇的诞生路过这个世界。

他在《RENT》公演前一晚隐遁人间，选择在天堂见证这出人间悲喜。

Will I Lose My Dignity?圣诞节前夜，主人公Mark的简易摄影机对准了NYC一片寒冷僻静、马上将被拆毁重建的街区。

这里是他租住的旧公寓，也是境况相似的清贫艺术工作者聚集的“非主流”地带。

商业区万家灯火的辉煌映照待拆迁街区四壁漏风的破败，四处洋溢的节日气氛衬托圣诞夜被催租的窘迫，作者用最直接的对比渲染出看似温馨表层下社会的冷漠和逐利。

被吝于给予尊严的潦倒之人，偏偏遇上最狼狈的境遇。

然而作者还嫌“不够味”，这群可怜人的一大部分还被赋予了另一个标签：HIV携带者。

腰间别着醒目的AZT（艾滋病抑制药物）提醒器，只能在冷清的小剧场组织“Life Support”互相给与慰藉。

承平喜乐的表象下，一群人正游走在孤独和崩溃的边缘。

团建活动里一个男人吟唱着：Will I wake tomorrow from this nightmare? 何为噩梦？

是从天而降的绝症还是周遭冷漠嫌弃的鄙夷？

人拥有太强大的惯性能力：对待他人的痛苦不幸，充眼不见、充耳不闻，只愿粉饰太平、勿煞风景。

糖果色的霓虹灯里，循环播放着甜腻的《Jingle Bells》，陪伴这群不幸之人的，却只有Mark那架掉漆的摄影机。

1994年，Tom Hanks和Denzel Washington主演的《Philadelphia》将艾滋病人形象重磅推入公众视野，引起关于尊严与正义的浩大讨论。

两年后“霓虹灯疗法”的横空出世，临床上为艾滋病患者带来空前福音。

相比于之前的扭捏遮掩，美国社会确实在不断努力，用各异的方式为艾滋病人提供发声渠道，营造更为理解包容的环境。

《RENT》中对艾滋群体的设定，勇敢且极具魄力。

主角团齐声吼出的“Fight AIDS！

”让我禁不住拍案叫好。

Is Anyone in the Mainstream?环境再令人失望，人总归要找到自己制造能量的方式，去获得快乐、实现价值。

《RENT》里这群主人公身份各异：独立摄影师、摇滚歌手、钢管舞女郎、变装皇后、先锋说唱人，他们用略显癫狂的夸张手法，尽情挥洒着自己的生命激情。

在咖啡厅里，面对衣冠楚楚的上层阶级，主角团奉上了帅翻天际的合唱《La Vie Boheme》。

天马行空的想象糅合毫无禁忌的措辞，生生把西装革履的好先生们逼到结账走人。

Mark跳上餐桌，问出一句：Is anyone in the mainstream? 也许所谓“主流”只是一个人为想象的条框，之内是主流，之外称异端。

可这决定“内外主异”的标准是什么呢？

职业、财富、种族、取向，皆可以成为划归阵营的尺规，而同时满足所有既定规则的人恐怕太为罕见。

“主流”，从某种角度看，只是盲目趋众、欺骗自己的伪装。

主流不应该成为偏见的掩护，而是去试着引导人性中基于真实的珍贵品质与美好追求。

当Mark毅然从电视台辞职，Roger赎回自己的吉他，决定真实面对自己所珍视的生活而在天台惊喜相拥的时候，我为他们那句“You are not alone”激动得热泪盈眶。

此时此刻，那道在他们之间默默形成的联结才是彼此最稳固的能量源泉。

Measure Your Life in Love乍一听来，联结和自由仿佛是彼此冲突的。

自由，理所当然是突破阻力、跳脱障碍，向着星辰大海独自进发的昂首阔步。

然而人们是否想过，真当到达了一处陌生的彼岸，四面没有任何熟悉或可依赖的事物，人该用什么来抵抗无边的虚无？

理性的效用终归有边界，好比通过苦苦探索终于得见周遭世界的真实模样：我们在象牙塔里幻想的瑰丽不过终结于现实的黑暗。

可是最终的目的并不是感叹黑暗的无垠，而是要在其中辨识到光的方向。

这道光来自同质的联结感，它是默契、是体谅、是孤独的劲敌、是对抗混沌的利刃，人们把这种联结叫做“爱”。

三对情侣，代表了三种爱的不同特质：Roger和Mimi，大雪纷飞里唱出的是敢于接纳的勇气；Joanne与Maureen，分分合合、嬉笑怒骂间觅得的是倾心托付的信任；Collins和“人气王”Angel，一次次拉手在街上飞奔，酝酿的是最平实和温暖的守护。

相比于世间的一切名利和浮华，爱才是最难觅得的珍贵宝藏。

一年后的旧公寓中，还是在圣诞夜，几位老友坐在一起，抱着劫后余生的Mimi、思念着逝去的Angel、欣赏着Mark拍摄的、记录他们整一年点滴苦乐的电影。

没人知道他们是否会永远相伴彼此，是否可以经受住疾病的考验，也许，分离与死亡就在前方随时准备降临。

而这时，我看着他们闪烁的眼睛，在轻声哼唱的主旋律中，自有更加坚定的生命能量。

有人说，《RENT》是史上最具摇滚精神的音乐剧。

解读起来，“摇滚”这个文化图腾，不该只限于形式上电声的编曲和吉他的和弦，而是当人在最狼狈冷酷的境遇里，所需要坚持与信仰的东西：爱与自由。

人类好可怜，能够把握的时间如白驹过隙；而人类又好幸运，可以将短暂的一生打造成自己想要的样子。

匆匆一世，不过天地蜉蝣，无论命运呈现何种样貌，都请相信爱的力量，尽情地燃烧、认真地生活。

The show must go on cause no day but today.

这是我最喜欢的电影/音乐剧。

当然，我没有那么多钱反反复复的去百老汇看音乐剧，就只有反反复复的看这部片子。

可以说，Jonathan Larson的这一部《Rent》，从某种程度上几乎改变了我一生。

电影基本上用的百老汇的原班人马，在看完这部电影两遍以后，我才去纽约的百老汇看了现场演出。

我自己的翻译是“租凭人生”，在尼德兰剧院里我感动得热泪盈眶，为了曾经逝去的理想与执著，No Day But Today，随波逐流的生存八十年，和活出真我的昙花一现，究竟，哪一个才是最值得？

下面，是我因为这一部音乐剧，专门写的原作者Jonanthan Larson的帖子：我的正版DVD不多，惟有这部《Rent》(吉屋出租）却是名副其实的百看不厌。

有一个愿望，希望能够再去百老汇看一次舞台上的《Rent》。

当然也许，再看一次也是不够的。

1996年《Rent》搬上舞台后，演员们说她们甚至能够认出台下的许多观众。

钟爱《Rent》的扇子们戏称自己为“租头”(Renthead)。

在演出刚刚搬上百老汇时，根据作者愿望，剧院前两排的售价仅仅为20美元（一般要一两百美元）。

于是一票难求，租头们经常要从头一天起就在售票处的街头打着卧铺排队买票。

电视台采访的记者们经常看到，在头一天的表演完毕后，观众们从戏院中鱼贯而出，绕了一个圈子又直接走回售票处，打着卧铺排队买第二天的票。

这一帖要写的并不是《Rent》，而是它的作者Jonathan Larson（乔纳森 纳森）。

Jonathan Larson 1960年2月7日出生于纽约市外的一个小镇。

从小就极具戏剧才华和表演天赋的他，高中毕业那年拿到Adelphi University表演系的四年全额奖学金。

然而当周边的所有朋友和家人都认为他将成为一个出人头地的男演员时，他毅然放弃了表演，他说，他要写音乐。

Jonathan毕业后来到梦寐以求的纽约市闯荡。

在学校里面出类拔萃的他，是否能在现实社会中依然成功呢？

与所有落魄的街头艺人一样，Jonathan好不容易与人合租了一个位于Greewich Village（格林威治村）的破烂公寓。

他的大学好友造访他时，必须在街头拐角处跟他打电话，然后让他从楼上把钥匙丢到街上，才能这样开门进去。

这样的一个真实细节，后来，也被纳入了《Rent》的故事情节。

进入他的公寓后，朋友们说那样恶劣的环境，往往让人难以忍受。

那一个小小的房间，浴缸竟然坐落在厨房旁边，马桶在天窗下面。

于是他们必须要习惯吃饭时有人在旁边洗澡，并且尽量避免让洗澡水溅到食物上去。

同时，在那样严寒的纽约，这个房间是完全没有暖气的。

在很长的一段时间内，Jonathan和他的室友们必须在房间里非法的烧木头来取暖。

而Jonathan Larson对这一切，似乎并不引以为意。

Jonathan没日没夜的写歌，虽然没有一个人要付钱制作他的音乐。

为了维持生计，他在SoHo一个名叫Moondance Diner的小餐馆当服务生。

这一份擦桌收盘子的工作，是他维持生命的收入来源。

他特意将自己的日程安排为周末打工，周一到周四就整天写音乐。

他的音乐不能给他带来分文的收入，于是他基本上过着有一顿没一顿的生活。

他在餐馆打这份工维持生计，将近十年。

值得一提的是，Jonathan在Moondance Diner打工的时候，认识了另一个以收盘子而维持生计的演员/歌手Jesse Martin。

Jesse Martin后来在《Rent》原班人马（也是电影版）里面饰演名叫Tom Collins的同性恋，并一炮而红。

Jesse Martin成名前在无数餐馆打工，他给客人账单时会说：“你好好收着，因为我以后会非常有名。

”事实上，当Jesse Martin出演的电视剧在CBS上播出时，他正在给客人上披萨。

Jonathan在餐馆打工时，曾与一个跳艳舞的女孩子交往四年。

在这四年里面，他的女朋友频频背叛他，与别的男人有染。

最终，这个女孩子彻底抛弃了Jonathan，与另一个女人走到了一起。

此戏剧化的人生经历，正是《Rent》里面Mark和Maureen关系的故事原版。

Jonathan最好的朋友是同性恋，他眼睁睁的看着三四个好友死于艾滋病。

当时的社会舆论对艾滋病颇不以为然，这让他感触良多。

他曾跟随好朋友参加了艾滋病人的分享聚会，他说他印象很深的是，有一个艾滋病患者站起来，说医生告诉他还有两年时光可活。

“这并不可怕”，艾滋病人说，“可怕的是，我是否会因此失去尊严？

”Jonathan将这一番心情写入了《Rent》。

在那个年代，所有的舞台剧都还是比较传统古典的，没有反映八十年代美国摇滚文化冲击的现代生活，更没有吸引年轻一辈的音乐作品。

Jonathan的很多朋友，尽管都算音乐达人，却都不愿意去观看音乐舞台剧。

他们说几十年不变的作品模式，实在太与时代脱节。

Jonathan决心改变这一切。

自信的他说，他要带来舞台剧的革命。

在《Rent》之前，他写了很多的音乐剧。

没有一部被成功制作上演。

耗时最长的是一部叫做《Superbia》的科幻剧。

他和朋友在这一部作品上费尽心血七年。

这部作品虽然得了奖，并公开表演了一次，却最终没有得到被制作发行的机会。

这一次失败，对Jonathan的打击巨大。

1988年，另一个剧作家Billy Aronson产生了将普契尼的著名歌剧《波希米亚人》搬上现代舞台的想法。

他与Jonathan Larson讨论后，热切的Jonathan将这一计划揽到了自己身上，并把这部戏命名为《Rent》。

1993年，《Rent》的初稿终于得到纽约一个工作室(New York Theatre Workshop)的赏识，并招聘演员，打算进行长达三个星期的演出。

经过长达七年的雕琢和修改，1996年1月25日，《Rent》终于在New York Threatre Workshop公开了第一场试演(Preview，并非正式演出)。

那一天全场座无虚席，票很早就被卖完，甚至《纽约时报》的记者也悄悄来到了现场。

表演结束后全场欢声雷动，记者只有把Jonathan拉到售票处采访，这样才能听到彼此的谈话。

记者跟他说，这是一部相当震撼的音乐剧。

Jonathan为这第一天的试演而感到无比兴奋。

为了以后的正式演出，也许还有很多东西可以提高改进。

更重要的是，他感觉自己，终于可以脱离三餐不饱的日子，成为一个真正的音乐剧作人了。

当天的凌晨三点，他烧开一壶水，准备泡杯茶。

也许他的手上还抱着大衣，他倒在了厨房冰冷的地上。

第二天早上，他的室友发现了他的尸体。

他死于主动脉夹层，享年35岁。

Jonathan Larson没有亲眼看到他的梦想变成现实。

他甚至没有看到第二天《Rent》的正式演出。

那一天，演出并没有取消。

每个人都静静的，静静的坐在舞台上唱他写的这二十几首经典之作。

演出完毕后，观众席鸦雀无声。

大约一分钟后，每一个人异口同声的说了一句话：“谢谢你，Jonanthan Larson”Jonathan没有看到《Rent》的演出时期被一而再再而三的延长，最终走上了百老汇的舞台。

他没有看到售票处长长的人龙，甚至克林顿总统也带着女儿前来观看。

他没有看到就在几个月以后，《Rent》赢得六项Drama Desk Award，三项Obie Award，四项Tony Award，甚至全球媒介的至高奖项——普利策最佳戏剧奖(Pulitzer Drama Prize)。

十年后，全世界各地的人们跑到纽约来看百老汇的经典之作《Rent》。

它的主题曲《Seasons of Love》被世界各地的众多明星翻唱。

逗留于尼德兰剧院的门外，我想如今一个十六七岁的孩子不会再知道Jonathan Larson是谁，更不会知道他的死亡。

但是我们爱极了《Rent》。

我想，这就是对Jonanthan Larson最好的补偿。

通俗就像美系华夫饼，有的人可以天天每餐都吃。

有的人却无法理解。

在百老汇写其他的，都是打酱油，最重要的就是写歌。

Tango:Maureen就是前面最重要的一首。

从流行，宣叙调，黑人音乐，突然窜出来一种民族舞蹈。

你感觉他的风格一直在变，但是总体来说是积极向上年轻人的旋律。

传奇影片中，前辈大师不断的告诉他：把那首转场歌曲写好。

典型的美国音乐：loud and proud，流行文化中不包含古典性。

看完有感动，却没有高潮。

有挑逗，却没有对上眼。

我认为这还是一种百老汇《猫》《西区故事》的传统。

但我却更怀念伯恩斯坦“玛利亚 玛利亚”的歌。

大脑告诉我：不是你的菜，就该主动放下吗？

Will I lose my dignity, will someone care? Will I wake tomorrow, from this nightmare?听到一大群社会底层的人一直重复唱着这几句话是一种什么样的感觉呢？

这当中有艾滋病人，失意的音乐家，落魄的街头流浪汉。

我只想说Rent这部音乐剧真是震撼。

这群无助的人聚集在一起，相互关心，坦然无惧地说出自己的软弱，忽然间迸发出了巨大的力量，当他们走出那个聚会中心的时候，已经变成不一样的人了。

其实维护尊严的最好办法就是把尊严放下，从恶梦中醒来的希望，正是来自那对绝望的不断质疑。

一口气看完了大半的Rent,现代版的《波西米亚人》，还记得曾经买过旧版的《波西米亚人》，终究因为不习惯老式的风格而开了一个头就搁置在不知何处。

这个Rent确实比较有现代感和现实性，除却中间一部分宣扬波西米亚生活方式的让人不是很适应（能理解，但是无法接受）以外，整部音乐剧还是很自然真诚的，煽情也煽得很到位，结尾还让我感动得掉眼泪了。

这个现代版的主题加入了对人和人之间的疏离的关注，加入了对边缘人的理解和关怀，带有浓厚的人文色彩，比从前普尼契的原作要饱满多了。

这次，编剧选择让Mimi活下来，倒是不难接受，为什么只有悲剧能够唤醒人的真诚呢？

剧中的同性恋艾滋病患者Angel倒真得成了剧中的Angel了，本来是最需要大家帮助的弱者，却爆发出了巨大的能量，实在是耐人寻味。

音乐很现代，虽然说不上非常好听，但是倒是非常切合每一个场景。

除了Seasons of Love以外，很喜欢结尾的那首歌，特别是一句歌词“forget regret, or life is yours to miss.”

最摄人心扉的一段，就是故事里得了艾滋病的流浪艺术家，在圣诞节的晚上，遇到一位来主动求爱的性感女郎。

性感女郎热烈似火，最期盼马上与他享受在当下。

但是他身得艾滋口不得言，只得各种推脱委婉但内心苦痛无法申说。

他们俩的歌声对白，把一个的热烈似火，和另一个的痛苦内心，表现的淋漓尽致。

我说我已经长大，我生活的每一步都开始小心翼翼。

我无法不计较得失，我无奈无助，无法做真正的自己。

纽约的朋友说，你一定要看这一出百老汇的音乐剧，《Rent》。

他特地买了这一盘DVD送给我，我很努力认真的看了两遍。

因为我也很想学习，这样的一种人生观。

我终于明白洒脱不是少年轻狂时的那种莽撞，因为一无所有的时候，并不存在勇气可言。

真正的勇敢潇洒，是背上满身负担，依然微笑着面对失去。

“如果不能释怀，就只能永远活在恐惧之中。

”这是《Rent》之中的一句台词。

我曾经想了很久为什么这部音乐剧的名字叫做《Rent》，而今我想我终于明白。

人活一世，为什么一定要计较拥有——拥有物质，拥有情感，拥有一个人？

于是我们花费太多工夫，计较明天以后的种种可能。

其实，我想这部音乐剧企图告诉我们的，就是我们并不需要拥有(own)，我们只需要租凭(rent)。

我们依然能够得到自己想要的一切，我们依然全心全意的倾情付出，而我们毫不计较，我们无拘无束。

电影的中文名字叫做《吉屋出租》，这个翻译将所有含义意蕴一举消灭，正是电影翻译圈的拿手好戏。

电影其实改编自普契尼的歌剧《La Boheme》（波西米亚人），这是一个已然失落的充满艺术，激情，和自由的城市和理想。

Viva La Boheme！

音乐剧《Rent》中也这样呼喊着。

其实很是悲哀，因为音乐剧中的大部分人物都身患艾滋病，所有的光彩与追求都只能昙花一现的绽放。

但是每一个人生，六七十年如一日，又何尝不都是白驹过隙，不都是同样的昙花一现？

No day but today, I live each day as my last.（除了今天别无他日，我把每一天都当成自己的最后一日。

）There is only usThere is only thisForget regretOr life is yours to missNo other roadNo other wayNo day but today(其实世上只有我们自己，其实世上只有我们如今身边的一切，将后悔担心抛在脑后不然你将错过你的整个人生其实没有其他的道路其实没有其他的方式其实除了今天，别无他日）