艺术学院1994

对于热评第一我一开始也确实感觉关于艺术的讨论不够深刻，不过今天在FIRST的返场谈中听了制片人杨城老师的分享，介绍导演刘健的创作初衷是回忆。

我私以为既然是回忆那肯定是对现在的不满，甚至是质问和对期望能出现像那个年代一样的艺术井喷盛况，应该更具有深度，所以这样的讨论当然是浅薄的。

但是后来杨老师解答了我的疑问。

他介绍说那个年代极其特殊，一些新思潮在当时的讨论的确是浅薄的，为了避免虚假，所以需要尊重事实，不过两相比较到底是选择哪个，我想需要看观众的选择。

总体而言还是很不错的，因为以动画的形式去表现那个时候的背景，是既新颖又格外有趣，我尤其喜欢最后马小军躺在地上，往上望去是纷飞的雪花和爆炸的烟火混合成他眼底的世界。

但是我有一个疑问，因为之前教授批评主人公的画时，镜头只是轻轻一扫，我并没有看清，但好像和结尾马小军拿起笔画时，镜头仔细描摹的有些像，那马小军到底是重新画了吗？

还是在经历过后发现自己仍然坚持之前的看法，而整部影片最后也只有他坚持了艺术。

是这样吗？

朋友们你们看清了，最后那幅和之前的一样吗？

在看电影的过程中，我在n多个瞬间都忘记了我在看一部电影。

电影里面的角色跟我做着一样的事，有一样的焦虑，一样的困惑。

这不由得让我很想知道，既然1994年的学生和现在的学生都有着一模一样的莫忙和困惑，那这个时代和这个时代的教育，到底算是进步还是退步呢。

电影里零碎的叙事和看似连贯实则没头没尾，无法连续的感觉都跟在学校里一模一样。

角色每天做着和我现实中一样的事：抽烟、做作业、被骂、翻墙、外出写生、接活、去长江大桥。

不加修饰的非专业配音和毫无光彩的眼神更是加深了真实的感觉，再时不时的穿插一些南京的街景，看电影的时候真的在恍惚了。

恍惚间我就在学校里，恍惚间这段时光可以一直持续下去，恍惚间以为离毕业还很遥远。

在校园里看似发生了很多事情（无论是现实还是电影），比如打架挨处分，谈恋爱未遂，探讨艺术和未来，喝酒抽烟做作业被骂。

但结尾又落在了，周围人好像都找到了以后的路但我还是回到了画室面对着被骂的作品拿起笔的那一刹那。

看完整个电影我只有一个感觉：这就是我虎头蛇尾的大学生活。

刘健导演，董子健、周冬雨、仁科、黄渤一众大咖参与配音，这部由中国美术学院师生创作的动画电影《艺术学院》入围第73届柏林国际电影节主竞赛单元。

刚从电影院出来的时候，我就感受到电影里强烈的属于艺术生“那就是拍给你看的”的归属感，思绪一下回到那段躁动又热血的时光。

但同时也产生了对影片的疑问：整部电影的小众群体情怀，对于普通观众理解这部电影而言，是有益还是加重了隔阂？

《艺术学院》海报

《艺术学院》部分豆瓣短评文：编号104策划：抛开书本编辑部电影里的很多场景大量灵感来自于位于杭州的中国美院——坐落在西湖边上的南山校区，这种特殊的位置一如电影里别具东方风韵的动画风格，水墨画似的展开，就连看夕阳的场景都让人想到杭州的滨江路，摇摇晃晃的宿舍像是梵高小屋画里的木板床，边上贴满了九十年代艺术生的精神偶像：崔健，迈克尔·杰克逊等。

生动地勾勒着那个年代的“象牙塔”。

电影的内容前半部分大量充斥着主人公们探讨“哲学”“艺术”等这些虚无缥缈抽象词汇的对话情节：在一个平平无奇的物体前做些小举动，却像是发现了现代艺术的“奥秘”，为自己的“创新艺术”兴奋地仰天长叹。

学生打断老教授关于“西方自由主义与中国传统”的讲座，问上帝是否死了，这些对话看似荒诞但在艺术生生活里见怪不怪，我们需要搞清楚吗，并不需要，也没有人在乎，这就是我们的生活方式，每天都在问别人，你觉得什么是艺术，你觉得生命的意义是什么。

每个艺术生都有过这样一段又充实又虚无的“发现世界”的日子，对世界每天有一百个好奇，思考者不切实际的问题，但也像电影里主人公会问“外国的月亮真的比国内的圆吗”，电影无处不在的的黑色幽默注定它的底色是悲的。

作者沉湎于往日乌托邦的同时，也绘声绘色描绘了青年人的时代雕像。

片中的主角张小军隐喻了当今社会相当一部分典型的虚无年轻人，他看似脑子不正常，但只是试图用一些问题来调侃觉得没什么意义的空空人生。

他有性格懦弱的一面，也有天真善良的一面，当别人都往前走了，他还是站在原地搞不清自己。

当家里人问他对经商对看法，曾经那个不羁的他也开始动摇。

导演巧妙地提出了现实问题，以及对当今青年的思考与审视。

从这个角度看，电影只是借着动画的外壳讲述当代的社会文化症侯问题。

这种心理矛盾正是这部电影中的珍贵与真实之处，即导演不美化任何一个群体，仅仅只是展示这一群体最真实的一面。

每个主人公都有一段纯粹的每天脑子里做“大艺术家梦”的时刻，但现实世界的残酷碰撞，又很难让你把那段时代定义成乌托邦，海明威笔下“迷惘的一代”，脚是漂浮的，但又有东西拉着你下坠到凡间。

反而是电影结尾求生欲很强的美好结局让观众觉得不切实际，褪去了第一步的锋锐感。

（能理解是为了过审查）

无可否认，电影中的很多地方带有作者主观的情绪，这也反映了艺术生跟普通大众长期以来的隔阂。

一些言语的乐趣在大众看来无非是“不说人话”，难以体会到它的乐趣。

如此，也能理解很多观众无法共情甚至进而产生观影壁垒，以至于给出低分。

何况，这些密集的张口闭口的“艺术”谈话，会让人产生：导演究竟懂不懂艺术的错觉，怎么这些可以随随便便张口就来呢。

《艺术学院》主创在柏林电影节但这正是电影想传达的地方，这就是学艺术的常态。

在对话和行事风格上，大家的思维都很跳跃，又很浮躁，不切实际。

其实艺术生就是这么眼高手低，想做“艺术家”的正是这样一群真实的、有梦想、有缺陷的人。

电影并非想得出什么结论，10年了，我们有得出艺术是什么吗？

依然没有。

也许主创们想说的也是这样，你不用想明白，但是你依然要坚持去想。

这是一种生活状态。

就像电影开头引用的乔伊斯的话：去生活，去犯错，去堕落，去胜利，去在生命中创造出生命。

柏林街头

（高世名，当代艺术策展人、批评家、学者他策划的重要展览包括：“影像生存：第五届上海双年展”、“与后殖民说再见：第三届广州三年展”、“从西天到中土：印中社会思想对话”、“未来艺术/媒体宣言”、“亚洲社会思想运动报告：首届人间思想论坛”等。

出版著作：《镜子与面具》《一切致命的事物都难以言说》《行动的书：关于策展写作》《视觉的思想》《巡回排演》等。

）第73届柏林国际电影节在最后时刻官宣：中国美术学院师生创作的动画电影《艺术学院》入围主竞赛单元。

“我觉得《艺术学院》这部影片之所以能够成为柏林电影节的‘惊喜片'，除了自身的艺术质量，更重要的是它向人们传达出一个重要的信息：全世界所有的人们，或许都要认真面对“艺术”问题了。

”中国美术学院院长高世名对此感触很深：“我理想中的‘艺术学院'实际上是整个社会。

我总是跟我的学生们讲——‘不要做艺术界的艺术家，要做世界的艺术家’。

艺术就像爱情，是每个人的人生中那种超越性的部分，梦想的部分，或许有些天真，或许有些不切实际，但这个部分是如此珍贵，没有这些，人生就是死水一潭。

”的确，《艺术学院》不只是“艺术学院”。

此片导演是中国美术学院动画与游戏学院教授刘健，这部由他带领师生团队历时五年创作的动画电影故事并不复杂。

正如题目所言，影片讲述的是上世纪90年代初，一所艺术学院中一群年轻人的困惑与向往、梦想与迷惘。

电影风格细腻写实，节奏舒缓，提供了与传统动画大片的那种“奇观性”完全不同的审美经验。

这部新现实动画电影在柏林全球首映后将于年内国内公映。

看过终极版的高世名对它的视觉、音乐等细节记忆犹新，对背后的思考更是深度共鸣。

问：您的观影感受是？

答：首要的感受是，刘健导演选择了一条“最困难的路”。

美院出身的动画导演最擅长做那类个人风格强烈、视觉造型好看、动作特效炫酷的作品，因为动画比实拍更少局限，可以灵活自由地表现各种奇幻效果，这些年我们学校在各大国际影展获奖的作品大都是这一类型。

刘健选取的却是一条“新现实主义”的路，尽管它的造型特征依然清晰，每一帧都会辨认出这是刘健的动画。

《艺术学院》不是常规印象中的动画，它首先是一部电影。

这部标准长度的电影叙事能力很强，这么长的故事，不是惊心动魄的题材，你看的时候不觉得熬人，这就说明叙事上是过关的。

刘健的创作语言特别明确，视觉上有着非常严格的把控，很多背景的景观本身就是十分动人的小世界。

导演没有强调绘画性，而是采用相对平实的方式，就是为了避免过度强烈的绘画形式对电影本质的消解作用。

看着看着，你会忘记这是一部动画电影，尽管事实上它每一帧画面，都是一幅画。

六年前，刘健带着他的《大世界》来到柏林电影节，时隔六年，《艺术学院》再次入围，刘健创造了中国动画电影的又一个纪录。

刘健导演毕业于南京艺术学院，任教于中国美术学院，这部影片是他入职国美之后拍的，呈现了他时隔三十年重返学院的一些微妙而特殊的感受。

但这部电影绝不是怀旧之作，它不矫情，也一点儿都不油腻，相反，它带着一种朴素与青涩。

三十年前那群学艺术的年轻人对艺术的梦想、对人生的理解、对爱情和友谊的态度，简单、质朴、纯粹，让我很有感触。

当时社会对艺术的普遍印象，青年们对当代艺术那种困惑、好奇又亢奋的状态，今天看来熟悉又陌生。

整部电影有种淡淡的幽默，也有种淡淡地惆怅，但整体上比较克制。

刘健用这部电影呈现的是这三十年间中国年轻人的心灵变化，以及中国社会意识的变化。

三十年前的艺术学院和那群年轻人是一面镜子，让我们反观今天的现实：我们获得了什么？

我们又丢掉了什么？

当年的迷茫今天依然迷茫，但今天的年轻人除了迷茫，还有更多的新问题——内卷和内耗并存，躺平摆烂和精算师集于一身……，生活怎么了？

世界怎么了？

青年怎么了？

艺术又能够为这个时代做什么？

……需要我们每个人在内心里寻找答案。

影片最后，导演的处理我特别有共鸣：压抑又敞亮，绝望又倔犟，充满斗志又满目苍茫。

于是，前面所有那些看起来平淡的故事都成了铺陈，一切残酷的事物都变得温暖，那个年代对青春和现实的态度也藉此实现了超越。

问：在您的理解中，“艺术学院”是一种什么状态的存在？

什么是“艺术”？

什么又是“学院”？

它们和“生活”又有什么关系？

答：一直以来，我理想的艺术都是“人人的艺术、解放的艺术”。

我常常说，“自由艺术”并不是指做艺术的自由或者自由地做艺术，而是通过艺术获得自由，在艺术中自由。

我认为，人的保存、人的发展、人的解放是同一历史进程，这既是艺术之路，又是教育之路。

所以我一直坚定地认为：艺术和教育是同一事业，它统一于人的保存、发展和解放。

至于“学院”，我一直认为应该是没有围墙的。

另外，我倡导“以乡土为学院”已经十多年了，这个理念不只是为了中国美院，这有助于大学找到真正的现实感，也有助于年轻人建立社会感知，获得生活的知识、生命的知识。

对艺术学院来说，一所“无墙的学院”会催生出真正融入社会进程的艺术，重新发明日常的艺术。

艺术家创造作品，而艺术学院的作品是人，生机勃勃的人。

教育的作品也是人，但教育不是生产人，而是开启人，让人实现自我之创造——艺术的创造过程也是自我创造的过程。

我相信，只要热爱生活，就一定会热爱艺术。

因为艺术是每个人的青春之歌。

而“青春”最核心的就是相信改变，相信超越，相信人生可以登高望远。

所以，《艺术学院》不是一部小众电影。

我理想中的“艺术学院”实际上是整个社会。

我总是跟我的学生们讲——“不要做艺术界的艺术家，要做世界的艺术家”。

艺术就像爱情，是每个人的人生中那种超越性的部分，梦想的部分，或许有些天真，或许有些不切实际，但这个部分是如此珍贵，没有这些，人生就是死水一潭。

在这部影片中，导演真正要讲述的就是这种超越、这种对平庸的抵抗、对陌生的惊奇。

因此，柏林国际电影节主席才会那样耐心地等待这最后的惊喜，因为他们特别能够理解艺术和社会的这样一种关系。

因此我才敢说“艺术学院”不是一个小题材，它指向社会的艺术、人人的艺术学院。

问：您如何理解中国动画电影的当代审美能量？

答：中国美术学院大力发展影视学科，是希望通过电影学院、动画与游戏学院，去助推当代国人的大众文化。

“大众文化”在中国是老话题了，但是在当下又有新诉求。

今天的中国人要讲自己的故事，要有自己的表达，要有为绝大多数普通人而非小圈子共享的文化和艺术，这应该成为国人心灵建构和社会意识非常重要的部分。

大众文化并不就意味着趣味庸俗，大众文化可以是有思想深度和美学品质的；大众文化也不只是老百姓的文化消费品，它也可能是公众自我教育和自我生产的催化剂，就要看我们是不是有足够的诚意、足够的智慧、足够的创造力。

这几年，我一直在强调“人文科技双向会通”，这不只是所谓的“科艺融合”，更是希望构造起一个艺术和技术、科学与哲学交互作用的动力机制。

人工智能就像一个检测工具，一个检测创造力的坐标轴，会帮助我们搞清楚怎样才是真正的创造力，什么才是真正的艺术——那些永远无法被替代的冲动、欲望、感受、经验、想象、技艺和能力。

而元宇宙、混合现实的未来图景更是为艺术家和设计师提供了无穷无尽的任务书。

我觉得《艺术学院》这部影片之所以能够成为柏林电影节的压轴惊喜，除了自身的艺术质量，更重要的是它向人们传达出一个重要的信息：全世界所有的人们，或许都要认真面对“艺术”问题了。

原载于“艺术头条”，有删节。

影片围绕“什么是艺术，艺术是什么”这个话题进行了多维度的叙述，多条情节叙事线展现了不同人对于“艺术”的理解，也许普通人眼中“艺术”=“有个性”，也许在艺术专业的学生眼中“学习艺术”=“成为艺术家”，而对于热爱艺术的人而言“艺术”=“最纯粹的自我表达”。

生命之外还有生命，它就像蒙娜丽莎般神秘，就像行为艺术般前卫抽象，就像崔健的摇滚乐般自由澎湃，就像迈克尔·杰克逊般新潮独特…漫天的烟火更衬一个人的落寞，纷飞的大雪吹散了各自的枝杈。

有人在坚持的道路上因为世俗的眼光被迫按下暂停键；有人在前进的道路上选择别样的开花，把那份追求留守心中；有人在传统的道路上固步自封，用横竖的条框框出了界限；有人在专注自我的道路上潜心耕耘，终有所成就。

艺术的世界浩如烟海，瀚如星辰，它可能不被大多数人理解，但在追求自我的过程中人人都是艺术家！

当主流评论仍在争论这部电影是否具备清晰的“故事性”和强烈的“表达”时，我却被它捕捉到的另一种真实所打动——它就像一台时光机，输入“1994，中国艺术学院”，那个年代的空气、温度、躁动与迷茫，便如此鲜活地扑面而来。

这部电影并非传统意义上的叙事作品，而是一幅精确的时代切片，记录了一群在90年代初——国外文化疯狂涌入（片中不断提及出国、西方哲学和摇滚乐）、国内文化尚在萌芽（当代艺术刚刚起步）——的特殊环境下成长的“艺术理想者”。

他们身上带着鲜明的时代烙印：漫无目的的夜谈、对哲学命题的幼稚争辩、在画室里的专注或彷徨、对摇滚乐的痴迷……这些看似散漫的片段，恰恰构成了这幅“时代速写”的生动笔触。

他们执着于那些在“现实”看来毫无意义的问题，而正是这些特质，塑造了他们精神世界的核心，却也让他们与主流社会逻辑格格不入。

于是，电影的核心张力便在于：带着这些被现实排斥的特质，他们如何在时代的洪流中自处？

答案似乎只有两种：坚守艺术的纯粹，或是向“现实”妥协。

因此，他们口中看似崇高的“理想”，我更愿意理解为一种支撑个体存在的“精神支柱”。

这与普通人依赖购物、追星、娱乐来获取慰藉并无本质不同——都是人类在各自境遇中寻找意义、对抗虚无的方式。

电影的价值，恰恰在于它以白描的手法，真实呈现了那个特定年代、特定群体中，这种“精神支柱”的具体形态及其所面临的现实冲击。

所以，当我们理解了它作为一幅“时代切片”和“群体精神肖像”的价值，它的“故事”（特定人群的生存状态）与“表达”（对一种普遍精神需求的忠实记录）便不言自明。

我们何尝不是如此？

总在“自我”与“社会”之间挣扎，还没等想明白，就被时代推着向前。

而这时，电影里那句台词响起：“躺下来吧，躺下来，是为了更好地看星空。

” 或许，这就是它想告诉我们的——在奔涌的时代洪流中，偶尔的“躺平”，不是放弃，而是为了更清晰地仰望自己的星空。

当理想与现实持续角力，我们学会了在悬停中丈量存在的维度。

裂出洞见的缝细，既能看清地上的六便士，也能看清头顶的月亮。

而月亮只是宇宙指间流转的硬币——所有未竟的幻想，终将在观测中重获站立的姿态。

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观念艺术就是无招胜有招的独孤九剑，是乱象丛生的群魔乱舞，是艺术史发展到现当代之后的强弩之末。

倔强的赵有才绝食三天之后，终于想明白了一件事，那就是要搞艺术必须先要搞钱。

很多年以后，张小军依然会清晰记得，他和郝丽丽一起骑坐在校园围墙的那个夜晚，那是他一生中最接近爱情的时刻。

温馨的代价是不自由，而自由的代价是独步荒凉。

温馨或是荒凉，若是宿命，还有谁在悄悄怀念曾经的1994年。

艺术学院1994：7.8分。

从电影宫出来时热泪盈眶，那种很强烈属于艺术生“那就是拍给你看的”的归属感，思绪飘回那段躁动又热血，却也是我们打开世界，明白何为我，那所谓“学艺术”的日子。

里面大量密集的主人公们探讨“哲学”“艺术”等虚无缥缈抽象词汇的对话情节：在一个平平无奇的物体前做些小举动，却像是发现了现代艺术的“奥秘”，为自己的”创新艺术”兴奋的仰天长叹。

学生打断老教授关于“西方自由主义与中国传统”的讲座，问上帝是否死了，这些对话看似荒诞但在艺术生生活里见怪不怪， 我们需要搞清楚吗？

并不需要，也无人在乎，这就是我们的生活方式，每天问别人，你觉得什么是艺术，你觉得生命的意义是什么，我不知是不是每个艺术生都有过这样一段又充实又虚无的“发现世界”“想把世界枪毙了”的日子，对世界每天有一百个好奇，是个正常人都觉得无聊和矫情，get不到这些谈论的乐趣。

就像制片人杨诚所言：这部片子是拍给你们看的。

主角脑子不正常到极点，但底色很丧，他似乎是艺术学院一类把“人生是虚无的”作为座右铭的人的典型，他想用这些问题来调侃总觉得没什么意义的空空人生。

他有性格的懦弱，也有很天真不切实际的一面。

当别人都往前走了，他还是站在原地搞不清自己。

这部电影不美化任何一个人，只是展示这个群体最真实的一面。

那是一段很纯粹的每天脑子里做”大艺术家“梦的时段，但和现实世界的残酷碰撞让你很难把那段时代定义成乌托邦，就像海明威笔下“迷惘的一代”，脚是漂浮的，但又有东西拉着你下坠到凡间。

反而是电影结尾求生欲很强的美好结局让人觉得不切实际。

（能理解为了过审查） 看完电影出来和一些没经历过“艺考”或非艺术生聊天，他们说这部电影看的昏迷有毛病，不说人话。

或许这就是我们当年那群人给别人的印象吧，这不是电影的隔阂，是艺术生跟外部世界的隔阂。

听到观众谈论，那个导演真的懂艺术生吗，怎么这些可以随随便便张口就来呢。

但我想说，这就是“学艺术”的常态，我们活在粉红色泡泡里，跳跃又浮躁，对话和行事风格以“老子最大”为主。

《艺术学院》里的人像，就是这样一群又可爱又矛盾百出想做“艺术家”的人。

10年了，我们有得出艺术是什么吗，依然没有，你不用想明白，但是你依然要会去想，这是一种生活状态。

就像电影开头引用的乔伊斯的话：去生活，去犯错，去堕落，去胜利，去在生命中创造出生命。

以一种近乎随笔式的方式记录了中国90年代艺术学院学生的精神状态。

其实感觉30年来没有任何改变，我们现在依旧在做类似的事情“一群青年在自我认同、理想与现实之间的挣扎与迷茫。

”影片节奏缓慢，中间我甚至睡着了，直到高丽和郝丽丽吵架我才被吵醒。

我觉得很有趣的一点是影片中大量出现了尼采、福柯、柏拉图、马列维奇、杜尚等哲学家与艺术家的名字，一方面像是在刻意展示艺术生的“文学素养”与“艺术涵养”，另一方面也暴露出一种空泛而不接地气的文化姿态。

我们读了太多的理论书籍，谈了太多抽象的思想问题，却在现实面前仍然手足无措。

也许只有在大学这段日子里，我们才能毫无顾忌地探讨意义、沉浸在些关于“艺术本质”的思辨之中。

毕业了就不得不直面现实的一盆冷水。

现在也正值毕业季。

毕业让我们脱离了学校这所摇篮不得不去面对现实去面对就业还是升学。

不仅是一个阶段的终结，更是青年人开始真正面对社会、面对自我的时刻。

选择为了生存去追求“能赚钱的艺术”，还是选择继续升学，试图延长这段“安全的思考时光”。

这些选择背后反映的无疑是艺术与现实、理想与生存之间的拉扯。

整部电影对于经历过艺术院校洗礼、在理想与现实之间摇摆过的人来说，它像是一面镜子，也是一封写给过往青春的告别信。

2024-04-20 我们电影市场应当有更多这样的艺术作品。

从《刺痛我》到《大世界》，再到这次的《艺术学院1994》，整体风格越发明显，且朝向观众的观影习惯靠近。

靠近但不谄媚。

之前被诟病的“PPT风格”和“粗糙”，被更高浓度的台词与更多的色彩展示冲淡，但仍然风格强烈。

刘健导演也一直在突破自己，不断进步。

青春好，好在我们可以自己挑片段去剪辑呈现。

用摄影打个比方，如果说很多片子都是油光满面的劣质糖水片，这部更像是添了青春牌UV镜的原图直出。

色彩 现实主义的视角，真实的内心世界，时代洪流下各自的抉择，晃动的青春岁月能且只能用动画电影呈现。

因为回忆里的色彩，和眼前的繁复纷忙妥协绝对是天差地别。

现实生活的色调，还是太过沉重。

追求热爱艺术的人，至今仍然会在现实中迷茫。

导演映后面对提问这样说:“去做艺术就好（大致意思非原话”，这句稍微改一下加入电影里，应该可以更明确一些主创的立场。

映后交流 而作为1994的青春回忆，最后也不是给一个假大空的团圆。

保留一些希望，足够诚恳也足够温情。

片尾字幕我是习惯性视而不见，因为故事本就已在故事讲完的时候讲完。

最后铺垫了很久的崔健，终于从扎眼海报变成了洪亮声音。

《快让我在雪地上撒点野》，梅花香必自苦寒来 难免对生活有时失望，有时觉得乏味，有时欲言又止，或顾左右而言他 但我想艺术作品和创作是顶好的特效药 可以治没有感觉的病。

两场连看 去欣赏，去做艺术就好。

PS，难说丽丽爱小军，贝多芬和科特柯本哪个离摇滚近。

如果爱，至少更多去了解去给予，而不是只用自己的经验去靠近。