小行星城

如果說Martin Mcdonagh的The Banshees of Inisherin 是把觀眾心靈最柔軟的地方在柔軟的草地和粗礪的岩石上反覆來回摩擦，那麼Wes Anderson的新片Asteroid City就是把觀眾的囚禁在強迫症患者的臥室裡，用近乎癲狂的對稱、分毫不差來和讓人agitated的節奏來轟炸觀眾的五感。

感覺導演從上一部電影《法蘭西特派》開始迷上了文學結構。

法蘭西是雜誌文章分塊，這一部是戲劇分幕。

很喜歡法蘭西，但是小行星卻沒有給我帶來任何驚喜。

相比之下還是更喜歡《月升王國》，《大吉嶺》，《布達佩斯大飯店》這些有主線故事的電影。

裡面的角色更招人喜歡。

沒有好的人物，其它的東西都是虛的。

這次有斯嘉麗大美女的加盟。

但非常可惜，導演還是逃不過要利用她的皮相的惡趣味。

烏瑪的女兒飾演的那個角色也挺浪費演員。

即使韦斯·安德森之于我本人是最喜欢的导演，《小行星城》也有点令人一言难尽。

其实自从《犬之岛》开始，曾经让所有喜欢他的电影的影迷津津乐道的韦斯·安德森标志性的个人风格似乎已经越走越远了。

韦斯·安德森对于对称构图、固定机位、场景设计的一系列使用，似乎到了一种走火入魔的境地。

有时候我经常会想他是不是已经不会用那些最简单的方式拍电影了？

还是说一直以来追求个人风格的偏执已经把所有的选择都变成了一种天性本能？

形式固然仍然是让人们津津乐道的，但是无论是《特伦鲍姆一家》中人与人之间的疏离，还是《布达佩斯大饭店》中欧洲至暗时刻中的人性闪光，这些在韦斯·安德森近几部作品中似乎越来越稀缺了。

曾经他的电影值得我们一遍遍反欣赏，无数的细节与精致的场景组成的镜头语言值得我们反复玩味。

而他现在的作品似乎毫不掩饰地宣扬：这一切就是精心构思地虚假世界，这就是导演心理世界主观，匠心，舞台化的呈现。

他似乎痴迷在对称的构图、高饱和度的色调、套娃般的叙事，以及不惜牺牲完整性的刻意的章回体结构里……但也许这一切都不重要，韦斯·安德森沉迷在这种自我重复里，不会在意评论界的声音。

韦斯·安德森就是太韦斯·安德森了。

应该是目前看过安德森最好的片子，如果我想拍电影，应该拍这样的电影（比如说让摄像机里只有正脸和侧脸）。

调度和台词的安排太让人惊喜了，超出我的想象力——音乐性非常好。

像在看几十年前的大师之作，做足了形式感。

很好奇他的剧本上是怎么写的，在现场是怎么调度的。

所有莫名其妙的线索也都收回来了。

故事的主题和绵长的、科学术语性的文本风格让我想到大卫福斯特华莱士和他的中西部老家。

服化道都选择了强烈的usaMCM风格，大量的早期杂志插图（那种受限于印刷成本的媚俗配色和方便画家操作的刻板站位）、西部明信片版画、哈德逊河派、无聊的复古未来主义（考虑剧情，我猜测他指向的是上世纪的美国地摊科幻杂志）、也有意大利通心粉西部片，但看他的电影每一部都总有那么些时刻觉得导演是法国人。。。。。

无比清洁的图像风格。

只是滤镜太难看。

图像相比以前的作品更加突出。

音乐做了相应的简化，并且拉得距离遥远（时间和空间），以抵消密集的台词和充实的画面。

结构设计上的瑕疵在我看来有几处可以说道说道，但懒得写了。

把那些生涩的地方磨平（比如过于塑料感的影棚沙漠），会是了不起的作品。

世界级问题和鸡毛蒜皮的日常之间的张力的对比再拉大一点会好看。

「我想创作一场戏，所有角色都被温柔而隐秘地带入一生中最梦幻最深沉的沉睡状态。

」「原因是他们共同经历了一场令人困惑且眼花缭乱的天体之谜。

一场睡着的戏，一场睡觉的戏。

」然后想起阿彼察邦的采访。

emmm如果拍的梦的感觉更浓重一点就好了。

我最喜欢最后演员在剧院里装睡那场即兴剧另外建议他下一部选面部对称性高一点的演员。

and:期待好莱坞有更多印度裔演员and：看的版本字幕做的很精致and：美术指导应该找蔡国强和斯塔伦海格，音乐就找jhon adams，用road movie那张专的风格and：导演好像很中意那个大鹰钩鼻的侧脸美国人的思维里,枪械果然是用来预防来自军警的骚扰的工具啊去年我也有关于作家、小说、导演、电影、舞台、画家、图像、照片之间的嵌套结构的创作设想，只是陷入对形式的热情中之后故事写不下去就放弃了。

看到他能做成还挺开心的。

幸好写影评与创作无关。

“You can’t weak up if you don’t fall asleep 未曾入眠，何谈醒来”这句在尾声开始之前被主演们在聚光灯下说出的话在我看来就是整部影片最重要的关键。

这部很多风评不好，映后反馈也不好的片子也许它就是随随便便的放了一场梦中梦中梦给大家，如果你入眠了，沉浸了，我想到结尾你会长叹一声，从故事里醒来舒舒服服。

反之如果没有，一直执着于内容深度或者是教育意义现实讽刺之类的，可能也没有这个醒来的感受，大概也就觉得不好看了吧。

所以我是喜欢的，甚至比《法兰西特派》更喜欢。

一直以来的风格化舞台化的美术都让我沉迷在韦斯安德森的宇宙里无法自拔，对于我这种审美优先级非常高的观众来说，观影体验永远是快乐的。

剧情设置里的描述者创作者和故事本身的三个层次都分别用了不同的画幅搭配色彩来展示，并不会混乱，当然这样的方式也不是第一次用了。

故事发生在沙漠，所以调色的方案有一些不同，会更有饱和度更戏剧化一些，也是为了配合剧作场景，故事里的装置设置也会更舞台更扁平一些，风格依然鲜明突出，我想喜欢韦斯安德森的人在视觉一般不会失望。

更多的人可能在说这是张安全牌，人物设置和剧情基本都在安全区里没什么突破。

但我反而喜欢这样简单的故事，有点冷幽默，有点无厘头。

最后“醒来”之后的感受就是梦境并不压抑，也不难过，就像一场奇遇，又天才又奇怪的小孩和他们都不太正常的家长，有无厘头的城市和来来回回的外星人，有真实又荒诞的应急处理，似有似无的暧昧和随性的葬礼。

删掉的前情提要反而帮助男主建立了人物，故事外女演员的经历是她构建女明星的基础等等，这些创作上的快乐与苦痛都会藏在故事里，而在一切结束的时候，其实创作者都像是做了一场梦一样，醒过来，哈一声。

全明星阵容很容易让大家的关注点分散，可能像大导演拍贺岁片吧，不超纲不突破很热闹很美丽。

所以不喜欢会是一种激励或者期待吧，大家都想看看他还能有什么新东西。

但我就是想，这样也挺好，电影的造梦谁也没说不能造个无厘头的小玩笑嘛。

2023美国剧情片《小行星城》，全球累计票房4594万美元，定级PG-13，豆瓣评分6.8，IMDb评分6.8。

韦斯·安德森的电影看腻了、看吐了，千篇一律的横平竖直、对称构图、平移镜头，多年前初看时觉得很独特、挺另类，部部都如此就审批疲劳了。

难道是导演江郎才尽、黔驴技穷、只会如此吗？

韦斯·安德森的电影不是传统的剧情模式，故事性不强，娱乐性不强，虽然有喜剧元素但笑不出来。

本片正是如此，我几乎是在木然的情绪下勉强支撑看完全片。

本片的色彩运用非常累眼睛，像是马克龙风格却不如马卡龙养眼，颜色风格令人难受，我不认为这种配色是值得称赞的配色，电影不止是导演的作品，最重要是要让观众喜闻乐见，观众不喜欢，电影体现的风格再另类再独特也是枉然。

本片可谓众星云集，卡司阵容强大，众多一线男星担当配角，韦斯·安德森的号召力真的强，似乎只要能在韦斯·安德森电影里露脸就行，角色是次要的。

影片反倒是主角不出名，一众配角全是明星，甘当绿叶。

韦斯·安德森的电影看够了，不想再看他的未来作品了。

韦斯·安德森的电影虽然众星云集，但是光有明星助阵是没有的，电影看的是故事，体验的是情感，光有炫技的镜头运用和众星云集的卡司是远远不够的。

我好久都没用快进模式看电影了，上一次快进看电影是看《记忆》。

《小行星城》的前半段我勉强支撑，后半段实在觉得没意思，1.25倍快进一直看完。

我倒不能说本片不好，只能说不是我的菜。

「欢迎在我的B站频道，观看《小行星城》的视频版影评，这里为文字版脚本」

别担心，这篇文章的前半部分没有剧透。

主要分享一下看前功课，内容大多来自戛纳首映后的主创采访。

后半部分内容和已经看了的朋友，分享一下我个人的观看感受。

Part 1 看前功课首先，我是「放低期待」走进电影院的。

因为戛纳首映后的媒体口碑实在不怎么样。

我鼓起勇气点开的海外评价都说非常一般。

所以我就抱着再怎么样，也要到大银幕去看一下的心理，买了首周四晚上的首场电影票。

多伦多市区就两家电影院在放，第一天晚上还是满场的，韦斯·安德森铁粉不少。

坐在我旁边的外国小哥，一个人来看电影，差点把自己笑抽了，越笑越夸张那种。

可能是我把期待放的太低，结果出乎意料的好看！

尤其是和很多人一起看，现场的感觉还是挺欢乐的。

所以，我想给大家的第一个建议就是，看前「放低期待」可能有惊喜！

其次，就是戛纳映后的记者会里，有提到这部电影的故事将会是一个「三幕剧」+「戏中戏」的结构。

相信看过《布达佩斯大饭店》的同学，肯定不会陌生。

不同的画面比例，黑白和彩色画面的切换，用来分割不同的层次的叙事，已经是韦斯·安德森的惯用手法了。

所以我们看前只要做好心理准备，故事的叙事结构是三幕剧+戏中戏，电影的「嵌套叙事」会不停的在：故事的讲述者、戏剧舞台的台前幕后，以及正在上演的戏剧故事本身之间，来回切换。

虽然听起来有点复杂，但是实际观感比《法兰斯特派》要轻松一些，信息量没有那么大，很多剧情我们都似曾相识，相信大家看过就知道为什么了！

最后，就是「尽情享受」眼前的画面。

之所以，前面建议大家「放下期待」，并且提前了解故事的架构和叙事模式，就是想让大家在观看电影的时候，可以放下心理包袱，不用被看似复杂的戏中戏所困扰，不用纠结剧情的逻辑和故事隐喻。

这部电影汇集了众多明星卡司。

像斯嘉丽·约翰逊（这次终于不是给狗配音了）玛格特·罗比，汤姆·汉克斯和布莱恩·科兰斯顿，伊桑·霍克和乌玛·瑟曼的女儿玛雅·霍克都算是韦斯·安德森电影里的新面孔。

更有我们熟悉的韦斯·安德森御用班底。

爱德华·诺顿 Edward Norton蒂尔达·斯文顿 Tilda Swinton詹森·舒瓦兹曼 Jason Schwartzman威廉·达福 Willem Dafoe艾德里安·布洛迪 Adrien Brody 等等，以及更多的亚裔和有色裔阵容。

光是看这群大明星和老戏骨，像念诗一样朗诵韦斯·安德森极其押韵又华丽的台词，就非常享受了。

由于节奏紧凑，人物众多，每个演员的能分到镜头和戏份不多，实在是看不够。

以及电影只有少量背景和奇怪的鸟有部分有电脑特效。

我们目之所及的电影场景和道具，都是像舞台剧一样，人工搭建的。

每一个背景板，每一个道具，都是精心设计和制作的，韦斯·安德森就喜欢干这个！

所以要说整部电影是眼睛极大的愉悦，绝对是没有问题的，层次分明的黑白，高饱和度的糖果色，稳定的对称构图。

上个世纪50年代的美国西部小镇，可可爱爱的路边咖啡馆，复古加油站和汽车旅馆，从火车，到自动贩卖机，每一个场景里的小道具，仔细看，可能都是彩蛋。

也许是怕大家看腻了糖果色的高饱和度，中间穿插的黑白场景，减轻了视觉疲劳的问题。

大家只需要跟着人物，去经历那些意想不到的剧情，体验像过山车一样的情绪起伏就好了，不用太过纠结故事本身。

在我看来，这部《小行星城》就没有一个逻辑主线，也没有一个吊人胃口的悬疑点或者麦格芬（MacGuffin）。

而是由一连串随机事件组成的。

观看体验比想象中轻松，还是挺有亲近感的。

观看过程中并不会觉得无聊，电影院的观众们非常享受地看完了 104 分钟的日常琐碎。

好了，看前功课部分就分享这么多了，希望大家将来有机会，能尽情地去享受这部韦斯·安德森新片。

————————剧透线—————————Part 2 看后感悟相信看完的朋友们，也许会想，这熟悉的配方，熟悉的演员，熟悉的故事架构，《小行星城》是不是没有突破呀！

这也是戛纳首映后，很多外媒影评人的第一感受。

本来特别期待看到一个全新的故事和世界，结果只是借外星人回应了疫情隔离的故事。

似乎还讲了点「人生大道理」，什么人生可能本来就没有意义，每个人都想刷存在感，就算不明白，也要继续把故事演下去，没有睡去就不会醒来，等等等等。

整体看下来，我确实也觉得，韦斯·安德森就是把自己喜欢东西，一股脑儿地都堆砌在一起了。

首先，就是典型的「天才少年+家庭悲剧」。

这次故事里不仅男主角一家人的儿子，是个内向害羞的科学怪才，还聚集了五个这样的奇葩。

他们一起玩背名字游戏的时候，有种五个 Sheldon 在一起的即视感。

学生们一起搞电台，搞反抗组织，也是韦斯·安德森电影里的常态了。

在《犬之岛》和《法兰斯特派》里有出现过。

其次，就是家庭悲剧的内核。

母亲三周前刚刚去世，父亲不知道该如何告诉孩子们。

一下子让每个家庭成员都自带悲情底色。

纵观韦斯·安德森自己的成长背景，喜欢文学和戏剧的怪咖，父母的离婚，他一直在用电影去重复消解生活困境。

例如以父母分居为背景的《天才一族》，父亲葬礼后的三兄弟如何《穿越大吉岭》等等。

时间仿佛在韦斯·安德森那里是停滞的，在他的心理永远住着一个天才少年和一个悲伤的男人，还有一个无奈的老者——通常是比尔·默瑞，不过这次是汤姆·汉克斯。

在他的内心世界里永远有一辆小火车，满载着他的人物和古怪想法，穿梭不同时间和不同空间中。

他的记忆永远停留在十几岁的暑假，美国军队就是童子军的放大版，间谍在各个场景里负责搞笑。

《小行星城》西部的核爆实验，仿佛在为 7 月即将上映的《奥本海默》做预告。

在爱上电影之前，韦斯·安德森先爱上了戏剧。

就像《青春年少》里那样，他把青春都花在学校戏剧社的排演上了。

在舞台上被演员们包围是他最喜欢的事情。

他的电影镜头和人物表演，也一直都很有「戏剧感」，这也是他独特的作者风格。

这部《小行星城》因为整个故事都是在戏剧舞台上发生的，所以镜头的推拉摇移就更加夸张，也不是导演估计炫技，而是受到戏剧舞台本身的限制，拍摄的电影人只能这样去运镜。

人物的趣味性，也来自「扮演」的感觉。

比如西部牛仔就真的像是从西部片里走出来的，斯嘉丽·约翰逊的角色是一位戏剧演员饰演的演员。

在戏里戏外经历着失败的婚姻和家暴，也是一个有着悲剧底色的人物。

不过整部电影，导演都没有给我们悲伤的机会，韦斯·安德森可能会让我们难过一秒，下一秒就会用诙谐幽默的台词消解掉这个气氛，回归到日常的琐碎中去。

总而言之，这确实是一部，韦斯·安德森得，不能再韦斯·安德森的「治愈系」电影。

最后，就是「回应疫情」。

这部电影确实韦斯·安德森是在疫情期间撰写并拍摄完成的。

作为导演，对当下最好的回应，可能就是拍成电影记录下来。

所以，韦斯·安德森让电影里的角色，也经历了一场啼笑皆非的隔离。

经历了认知的颠覆，反抗的斗争，以及重新回归日常的循环。

这期间，戏里戏外充满悲欢离合，有人去世，有人陷入热恋。

好事坏事一起发生，最终一场疯狂之后，一切都回归日常。

尘归尘，土归土，男主角一家人也终于埋葬了母亲的骨灰。

把悲剧化为喜剧，再转化为日常。

韦斯·安德森的电影其实从来不讲什么人生大道理。

例如寻找自由的《犬之岛》和回归本性的《了不起的狐狸爸爸》这次的《小行星城》众人合唱「如果不曾睡去，你就不会醒来的时候」我还是挺震惊的，因为通常韦斯·安德森的电影不会这样处理台词。

他一般是这样讲道理的——男演员从台前走到幕后，对导演抱怨还是不明白这部戏，导演给了他一个嘴巴说，没关系不明白接着演下去就好。

所以，总结下来，这部《小行星城》玩了外星人梗，回应了每个人经历的「隔离期」，以及我们逐渐回归琐碎的日常。

没有讲什么大道理和历史隐喻，只是让我们做好随时被颠覆认知的准备，毕竟外星人、AI技术变革和下一个奇异点。

哪一个先来我还真不知道。

每个人都背负着悲伤和无奈，虽然不明白眼前发生的事情，但重要的是演好自己的角色，继续走完余下的人生。

尽情欣赏路边的风景，抱紧身边的家人和朋友就够了。

这就是我看完《小行星城》24小时后感受，也许韦斯·安德森就是单纯地想治愈我们吧！

欢迎分享你的观看感受！

好电影和书一样，值得被反复观看。

我是小玄儿，我们下期再见！

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感谢小伙伴们的支持！

你们的每一个关注对我来说都弥足珍贵！

很多人对韦斯安德森的误解是以为他仅仅是一个空间美学的搭建者，但是从他近几年的电影实验来看，他越来越沉迷于冰山叙事，致力于把高度风格化的故事谜面打造成艺术。

我理解的韦斯安德森，他作为一个美学具有商业特质的导演，越来越不喜欢让电影服务于故事性的完整，甚至对观众沉浸于自己创造的故事怀有羞耻感，所以他一再地推开观众、一再陌生化。

他擅长在创作中引入元叙事的讲述者，主动暴露其思维过程，为故事的荒谬找诱因，更要驱使演员剥除情感、消除共鸣，将戏剧的间离效果表达至最大化。

小行星城便是这样，故事极致单纯，而讲述的方式又极致复杂。

它采用了四层嵌套结构，主体的小行星城是一个彩色的戏剧故事，被嵌套在一个剧团正在上演的现实内部，城里的角色都是剧团演员；而剧团的剧作家、导演和演员的故事又被另一个局外人陈述，他像是一张角落专属的“形象贴纸”；彩色戏剧里的女影星一角似乎还在和男主角演着另一个剧本，只是尚未成形。

剧团所处的场景理应更真实，却更接近舞台的室内空间，呆板狭小而且黑白得复古，小行星城的故事理应是舞台，但它却是个开放世界，充满了无限延伸的、马卡龙色的科学幻想。

这样的翻转也不失为导演的设计，这是反直觉、反逻辑的一种表现，他实则把这种技巧播撒至电影的任一角落，把奇观驾驭得稀松平常，抽空激烈行为下的人的情感缘由，勒令人们在该吃惊时冷静、该兴奋时沮丧，该疯狂时淡漠，营造出近乎恐怖谷的模拟现实氛围，充满难以言喻的现实扭曲力场。

电影的核心力量并不为故事本身所具有，而在于层层拆解包裹故事的外衣这一过程，如同春风拂面的asmr，而只有让它裸露到最后一步，才可能发现电影不只有色彩，其实也有锦心绣口可言，不只有美学体验，其实也有电影主体性可言。

多层故事之间存在映照，小行星城被创作者直言点出是件“隐喻”，它需要在演员们的沉睡中演绎，像是一种集体癔症。

关于少年科学家、儿童游学班和外星人降临的一切，是既不聪明、也不圆滑、更像是信口胡诌的塑料梦境，但不妨碍人们在梦游中处处投射现实。

丧妻的摄影师始终心不在焉，他甚至想过抛弃孩子，甚至无意中把手掌放在烤面包机上烤焦。

但扮演摄影师的演员并不理解人物，直到他在片场的阳台偶遇了扮演前妻的演员，原来小行星城的故事发端于他们二人爱与想象的驰骋，而导演出于私心删掉了她的全部戏份，将与妻子的对话移花接木到了女影星身上。

妻子只留下了一张相片，对于感官麻痹的摄影师来说，拍相片、洗相片就是确认自己存在于虚妄的小行星城的方式。

在戏剧的镜头以外，戏剧的故事被片场遗落的信息补全，使得两层结构之间发生了耦合的关联。

藏在故事深处最袖珍的果壳，还是韦斯安德森十年前的心灵的形状，有和《月升王国》一样的天真感。

虽然韦斯安德森的叙事口吻愈发闭塞、圈套也愈发刻意，但将四散奔逃的故事碎片拼凑复原，发现其中还是多少有些奥义可言时，确实让电影拥有了更深层次的趣味性。

这种趣味并非平铺直叙的故事可以带来的，而的确是由纯粹的形式带来的。

他的叙事和视觉，是牵根带叶的关系，是互相依存的关系。

原文地址：http://www.qh505.com/blog/post/7922.html“故事从一条墨带开始”，讲述者命名了故事开始的标志；“我再也不相信上帝了。

”14岁的伍德罗说完，一家人坐上汽车驶离了“小行星城”，这是一个故事乃至电影最后的终结。

从故事从墨带开始，到不相信上帝结束，韦斯·安德森明白地构建了关于“小行星城”的进入和离开，它们形成了一个闭环，但是这并非是电影的结束，作为最高层次的“电影”统摄着“戏中戏”的结构，故事的结束往往意味着电影留下了更大的空间：韦斯·安德森用嵌套的结构，是要打通故事和电影之间的隔阂，让它们自由出入？

还是阻止故事向电影文本的溢出，从而让电影成为更具开放性的故事？

在形式上，“戏中戏”的嵌套是明显的：帷幕拉开，面对摄像机和各种设备，讲述者站在舞台上讲述着这出戏：“将我们带入到后台，在美国舞台上从头到尾展示创作过程。

”接着他说：“故事从一条墨带开始。

”但是这个所说的故事还不是“小行星城”最核心的部分，讲述者的介绍引出的是这出戏有关的工作人员，他们是剧作家康拉德·厄普，故事进入第二幕之前才出现的导演舒伯特·格林，当然对于这出戏来说，还有很多的演员，奥古·斯汀贝克便是其中的演员，他进入到剧场和厄普相遇，穿着军装的奥古便告知厄普自己不是军人而是乐手，之后他戴上了假的胡子，胸前挂上了相机才成为这出戏中的奥古，一个在小行星城里带着孩子们的摄影师。

当然，在厄普最初出现在打字机旁的时候，他说到了自己作为创作者要创作的“小行星城”这出戏，一方面是戏所需要的场景，包括有十二个凳子的便餐厅、单聚加油站、十间小屋的汽车旅馆、最高峰一万一千英尺的战斧山脉、高速公路立交桥，这些组成了“小行星城”的场景；另一方面则是演员，他们是奥古和他14岁的儿子伍德罗，40岁的电影演员米奇·坎贝尔和她15岁的女儿戴娜，教师琼·道格拉斯和农场工人蒙大拿，五星上将格里夫·吉布森等。

“故事发生在1955年9月……”在介绍完三幕戏发生的时间之后，“小行星城”这出戏便拉开了帷幕，和之前对这出戏的介绍呈现为黑白不同，“小行星城”的色彩是彩色的，这是戏里戏外的区别，故事由此正式进入到“小行星城”这出戏中，由此“戏中戏”的结构也得以在最直观的意义上被建立起来。

这个嵌套结构的层次是这样的：“小行星城”这个戏处在最里面，它的外面是厄普、舒伯特和演员所在的塔金顿剧院，但是这并非是只有两个层级的结构，韦斯·安德森将这两个层次的结构再次延伸，从戏外来说，讲述者站在舞台上，或者在画面右下角介绍厄普和它的戏剧创作，可以视为另一个嵌套；从戏的内部来说，坎贝尔是一个演员，她既是演出“小行星城”里的演员，也是在“小行星城”里拿着剧本背着台词的演员，这就具有了双重性，奥古背着相机，拍着照片，也拿起了坎贝尔的剧本念出了台词，可以说，他们一起进入到某部剧中，那么他们所形成的是另一个嵌套；而当讲述者在WXYZ电影频道介绍这出戏，他也成为了韦斯·安德森电影中的演员。

所以，这是一个从韦斯·安德森的电影到WXYZ电影频道的介绍，从厄普编剧、舒伯特导演、各演员在塔金顿剧院讨论和演出到“小行星城”故事的正式上演，再到坎贝尔和奥吉熟悉剧本和台词，这个戏中戏的嵌套结构至少有五层。

韦斯·安德森构建如此繁复的“戏中戏”结构，其用意何在？

讲述者的介绍揭开了这个谜底，“小行星城并不存在，而是专门为这次广播创作的虚构戏剧。

人物是虚构的，文本是假设的，事件是杜撰的，但它们共同演绎了现代戏剧作品内部运作的真实情况。

”也就是说，不同维度和层次的戏中戏都是戏剧，它们指向的是戏剧本体论：一出戏剧是如何运作的。

如果从最浅显的层面来说，一出戏剧的内部运作无非是创作、排练和演出，其中涉及到的是创作者、导演和演员，以及场景的布置、情节的推进等等，这样一个浅显的东西为什么韦斯·安德森要将其展现出来？

实际上当讲述者认为不管是戏中戏还是戏外戏都指向了戏剧本体论这一核心问题，无数张网络反而形成了戏剧真正繁复的结构：它们绝不是层次清晰地被一一呈现，而是在虚构和真实、此处和他处中形成了含混的故事，而这种含混性才是戏剧真正的魅力。

所谓打乱，所谓穿插，所谓交汇，所谓戏中戏就是戏外戏，才是“现代戏剧作品内部运作的真实情况”。

其实从一开始这种含混性就发生了，奥古在厄普创作的剧本中就是“小行星城”中的男主角，那么在戏中他的名字是奥古，“小行星城”里他也是这样介绍自己的，而奥古在厄普面前，在舒伯特那里的时候也说自己叫奥古，那么奥古既是戏里的名字，也是创作层面中演员的名字，这便成为了一种双重的命名，那么，哪一个才是真实的奥古？

哪一个又是虚构的奥古？

当奥古遇见厄普说自己其实是一个乐手的时候，他是奥古吗？

当他戴上假胡子背起相机进入戏剧中，他是奥古吗？

当他的戏份演完，从彩色回到黑白的塔金顿剧场，面对舒伯特说：“该你呢”，在穿越回来的过程中，他是哪一个层面的奥古？

他还面对观众问：“我演得怎样吗？

”他是回归到真实世界的奥古？

再次穿越一扇门，在阳台里面对对面的女人，他认出了那是他三周前去世的妻子，而妻子穿着戏服，两个人共同讨论戏剧中的一些问题，那么这个奥古是在戏里还是在戏外？

妻子是他戏里的妻子，当在戏外遇见，仿佛是生者遇见了死者，那么这个妻子一直在戏里还是和奥古一样变成了戏外的演员？

对于奥古是否在戏中的一个标志就是那只被烫伤的手，在没有进入小行星城这出戏的时候，他问厄普，奥古是怎么会用煎锅把手烫伤的？

这是一个演员对剧本创作提出的疑问，而在出演的戏剧中，奥古和坎贝尔隔着窗户对话，对话呈现出的是暧昧，坎贝尔甚至如马拉之死一般在浴缸里，奥古在这时候将手放在了煎锅之上，他的手就这样被烫伤了。

烫伤应该只在戏里，但是他却把烫伤的手带到了戏外，或者说将戏里虚构的烫伤变成了真实的烫伤，假戏真做就是拆解了戏里和戏外的区别，戏里也许也是戏外，戏外本就是另一部戏。

戏里戏外制造的含混性其实才是戏剧作品内部运作的真实情况，这种含混性在塔金顿剧院厄普让大家对剧情进行讨论时就有了阐述，在“第二幕完”之后，按照戏剧的结构，应该有一个幕间休息的时间，但是在这里幕间休息变成了讨论，讨论的话题是：“小行星城是否存在？

”一开始讲述者明明说小行星城并不存在，但是在这里却成为了一个问题，这不是对虚构的质疑，而是戏剧产生的间离性和含混性往往会让虚构变成真实，厄普说：“一出戏中的人都被卷入了深度睡眠之中，因为他们共同经历了天体之谜……”天体之谜是“小行星城”这出戏的核心剧情，一个外星人到来拿走了小行星，但是之后又还了回来，但这只是一个外壳，天体之谜也是戏剧之谜，也是人生之谜，所以当厄普说大家被卷入了深度睡眠之后，舒伯特告诉大家这是一个“睡着的戏”，然后让所有人入睡做梦，戏也进入到了第三幕中，而到了故事的最后，大家都异口同声说起了舒伯特的这一理念：“如果不睡觉，就不会醒来。

”入戏就是入睡，而入睡的结果是醒来，是回到现实世界，是回到真实状态，但是那场梦已经发生了，即使醒来，也带着“睡着的戏”醒来，带着烫伤的手醒来，甚至看上去醒来，看上去烫伤是道具，其实根本没有醒来，手也真的烫伤了。

“怎么会用煎锅把手烫伤？

”戏里戏外的问题变成了含混性的实践，韦斯·安德森更是拆除了所有的隔离，让戏剧在含混性中呈现出它的复杂和多元，让人的命运变得更为迷离。

奥古在“小行星城”里是一个丧妻的鳏夫，他告诉孩子们你们的母亲三周前去世了，妻子的骨灰被装在保鲜罐头里，孩子中的伍德罗爱好天文，他可以被视作是“戏中”的人物，和“小行星城”直接相关，但是另外三个小女孩却是戏外的存在，在用餐的时候，餐馆里的妇人问她们要吃什么，三个女孩说她们是吸血鬼，来这里是吸血鬼复活。

而实际上，三个小女孩报出名字时，她们是命运三女神，Andromeda仙女座，Pandora潘多拉，Cassiopeia仙后座，命运三女神指向的就是命运本身，所以他们要将母亲的骨灰埋在沙漠里而不是自家的庭院里，似乎也是对于命运的一种解说。

而奥古在戏外和戏内的交错也呈现出命运的不同遭遇，他的妻子去世了，按照奥古自己的说法，当自己的父亲去世的时候，母亲就告诉他，“你的父亲在天上，他就是一颗星星。

”这里就完成了对于星辰的命名，它是“小行星城”相关的希肯卢铂博士、科学研究试验部、百灵鸟基金会、希肯卢铂奖学金，是行星、陨石、外星人、小行星日、天文食，是小行星被外星人拿走之后的“混战计划X”和军方的调查、问询和隔离，都只是“小行星城”表象的存在，它的隐喻则和政治有关——1955年9月发生的政治性事件，足可以解释；它是一种虚构，所谓天文食就是“天体间相互调情”，戴娜说母亲坎贝尔就命名了一颗假象的行星“坎贝尔-9”，而女天文学家也说自己命名了假象的行星，所以最后伍德罗会说自己再也不相信上帝了，逝去的母亲在天上变成了星辰，也只不过是奥古虚构的一颗假象的行星。

但它们也和命运有关。

奥古和坎贝尔之间的对话慢慢从剧本走向了现实，也慢慢变得暧昧，那句“我有裸露镜头”是一种演出中的实指，还是对奥古的引诱？

这种暧昧体现的就是含混性，奥古为此烫伤了手，从戏中出来看见了身为演员的妻子，又告诉舒伯特“该你了”；坎贝尔在小行星城里收到了伍德罗作为信使给他的信，“舒伯特说你必须回来。

”这是暗示了坎贝尔和舒伯特之间的暧昧关系，而在塔金顿剧院里，导演舒伯特正面临和妻子的分手，妻子宝利要离开他，但是却还爱着他，舒伯特问起了儿子克拉拉的情况，两人以依依不舍的方式离婚，而舒伯特是不是想着坎贝尔？

暧昧的关系穿插在戏里和戏外，含混性连接着戏里和戏外，所以在面对奥古时，坎贝尔说：“我们两个都是受到创伤的人，都不肯表达痛苦……”手烫伤或许是真切感受痛苦的表达，所以在这个实为命运含混性的故事里，小行星城最终也为情感的表达提供了空间，它也成为一种创作：奥古和坎贝尔面对痛苦各自寻找感情的支点，伍德罗在笔记本上记录着什么所谓的计划，而真正的计划就是将和戴娜之间的各自喜欢变成爱情，还有琼和蒙大拿，在给孩子们讲述外星人到来只是一种“探索”中也开始了自己爱情的探索……戏里和戏外，男人和女人，故事和现实，就像天体间一样，都处在“相互调情”中，而这便也成为一种对于命运的“创作”，由此揭开了戏剧般人生“内部运作的真实情况”，如此也成为韦斯·安德森构造的梦境，醒来就是离开小行星城，而醒来之前早就完成了“入睡”而入戏的故事。

构图和色彩采用如同《布达佩斯大饭店》一般的“打破对称构图来获得一种极为精巧的动感”叙事结构以及时间和空间上：通过话剧一般的幕和场来推进剧情，设置“表演时空”、“作者时空”以及“讲述者时空”并通过演员的调度来实现三个时空的有机配合在色彩上：黑白的现实以及彩色的剧场。

“只有睡着才会醒来”，想做甜甜的梦，却又在苦涩的生活中残喘。

探讨现实生活与梦境的联系，人与人在现实和虚拟之间的联系。

不知道这部剧是不是受了“间离效果”的影响，很明显的演员和角色之间关系的探讨。

可能在开篇之前我要先介绍一下关于解构的概念。

解构在就行的用法中意味着对传统模式化思维方式的批判性消解。

在艺术中解构是一种有效的策略，它以某种方式处理和操纵审美主题、形式和框架，暴露出某种风格的某些弱点，特别是这些风格和形象对维护权力和统治的作用。

解构并非简单的否定，解构的价值也不在于给我们提供一个最终答案，而是在于为我们进一步扫清障碍，无需盲从专家或权威的诊断，每个人都有权力寻求自己的意义阐释。

就像对郭继承老师讲课视频的二创，就是客观上对他的副教授、哲学博士、中国思想史博士后这些玄于头上的符号的解构。

想要靠这些头衔来阐释真理是不行的，要具体到真知灼见中去。

解构理论的开创者德里达曾强调，解构不是一种“方法”，一种“技术”，而是一种“策略”，解构的宗旨就在于解除概念的二元对立，拆除思维的等级体系，然后将其重新嵌入文本意味的不同秩序中。

或者换句话说，解构就是对那些自相矛盾的两难困境、盲点或要素小心翼翼地追求，因为恰是在这些自相矛盾的要素中，文本会不自觉地绽露出修辞与逻辑、明显地想要说与实际上被迫说的东西之间的张力关系。

想要解构一篇作品，就必须运用一种策略逆转，准确地抓住那些不被看重的细节（不经意的隐喻、脚注、论点的偶然转移点），这些东西常常是，也必定是那些持有极正统观念阐释者所忽视的。

因为，正是在这里，在文本的边缘处，解构可以发现同样令人不安的作用力。

亦如网友对比郭继承老师经常展现出的自我矛盾的观点，让人们开始思考那些副教授、博士、博士后等等修辞背后的权威性。

电影文本解构关于《小行星城》是一部怎样的电影，它讲了怎样的故事，或者精确地说电影要表达什么？

导演韦斯安德森并没有给我们一个不可质疑故事，而是干脆在电影结尾告诉观众“作者已死”来给出了一个电影读者解读电影的一条路经。

罗兰.巴特在1968年发表了著名的论文《作者已死》，是他转向解构主义文论的标志。

他指出过去对文学作品的解释总是从创造它的作者那里寻找根源。

其实，作品的文本作为书写形式总是中性的、由多样成分综合成的“倾斜空间”，在那里，“主体滑落”而产生了对同一性的否定。

这个概念在生活中也有非常生动的例子。

在互联网上，原本要对某件事进行阐述或发表意见的某人，在他陈述过后引起网友们的反应往往会偏离他想表达的事情本身。

事件会从各种各样的角度去被解读，而作者的本意早已不知去向。

《小行星城》与传统电影最大的不同之处在于导演主动的将电影进行了解构。

或者说电影本身就是一种解构式的书写。

是由讲述人讲述戏剧幕后再由戏剧幕后跳转戏剧幕前的三层嵌套式解构（戏中戏中戏），观众可以直接看到戏剧内部的创作过程。

就像当年川久保玲在秀场中用服装上的破洞和没有缝合的部位来展现服装的内部结构一样，通过暴露其内部结构，形成一个新的分析性创造过程，并且借由“破坏”引发的“分析性思考”重塑了服装是在生活之中循环的服装本质。

这里我们可以把“解”和“构”作为两个独立的关键字来看待。

“解”意味着拆开、破话；“构”意味着在拆开之后重新构造出一个新的意义。

《小行星城》就是主动将电影创作的内部状态主动展现出来，由此让观众引发一种新的思考，关于电影的意义是由作者创造还是由读者创造的思考，以及对电影信念思考。

就像罗兰巴特在《作者已死》的结尾宣称的那样“读者的诞生必须以作者的死亡为代价。

”换句话说就是“解构让读者有了诠释文本的权利”。

电影信念解构如果用一句话来概括电影讲了什么，电影自己是这么说的“如果不睡觉就不必醒来”。

这里的睡着原指的是观影状态，是观众在一个特殊的场域里形成的一种如梦的状态。

也指好莱坞黄金时代以来人们形成的对电影的印象，即梦工厂。

人们非常清楚，出钱买一张电影票，进到影院中是做一场梦，而且要是一场美梦。

然而电影不仅有强大的虚构现实的能力，也有着非常强大的阐释现实的能力。

影片借由一群即是演员又是观众的角色在幕后醒来换喻出了电影的主题，人既是生活的观众也是生活的演员，生活如电影一般会编织梦境，如果你时刻保持清醒，就不会被生活中的谎言蒙蔽也就不必醒来。

一方面讽刺了好莱坞传统电影千篇一律编织泡影的书写模式，一方面讲述了现代城市生活宛如一个更逼真的梦境，如梦似幻又虚伪无情。

人在梦想和现实之间穿梭，在这种双向运动中沉沦又被疗愈，电影则在不停的“解”与“构”的双向运动中前行。

情节解构第一章Part1《小行星城》开篇讲述人就用一段话对于这部影片做了一个全面的介绍。

“我们今晚将看到一部戏剧在美国舞台上从头到尾的创作过程。

小行星城并不存在，在摄影机中，主持人的背景也是虚拟的背景。

事件是杜撰的，人物是虚构的，文本是假设的。

但是这一切的虚假构成了现代戏剧作品内部运作的真实情况。

”换言之，就是一切的一切都是假的，但是这个造假的逻辑是真的。

于是乎我们在接下来的剧情里看到了小行星城这个虚构的场景如真实世界般运转，构成现代城市的要素：荒诞的地标，永远建设不完的高速路，土地买卖的隐喻，比邻城市的核威胁和时不时会出现的抓捕（犯罪），甚至细微到咖啡馆里细分到密密麻麻让人不知道点什么的菜单，都是真实生活的写照。

随后角色们一一登场，我们的主人公战地记者奥吉.斯丁贝克带着他的孩子来到了小行星城。

由于汽车故障他们不得不在此停留，同时奥吉也必须要坦诚的告诉自己的孩子他们的妈妈已经离世了。

末日天启近在眼前幕后Part1在影片拉开序幕简单交代了故事背景和人物关系之后，讲述人将观众带回幕后，讲述了演员来编剧家试戏的情节。

演员以送雪糕为由来到编剧家，也借由吃雪糕时候毫无顾忌的与编剧用同一把勺子来隐喻演员对于得到这个角色可以付出更多。

之后用拳头打破玻璃窗是表达剧本对演员的束缚，结合此前编剧得知演员要来试戏时的傲慢态度，可以隐喻出演员所指代的大众在现实中的困境。

演员显然有备而来，主动提问关于剧本中他所扮演的奥吉手被烫伤的一段剧情。

编剧自己也不知道，只是因为在写作的时候自己的手被烫伤才加入的情节。

（演员此时没有过多的解释关于这段情节的理解，但是之后的剧情中他有切实的表演。

这也侧面表达了韦斯安德森关于“作者已死”的操作思路）随后演员进行了一段精彩的演出，全程情绪在线台词过硬，导演惊叹非常棒！

然后二人在短短的沉默后顺其自然的脱了裤子抱在了一起。

像极了生活中你即使才华横溢有时候也要按照（潜）规则行事。

ps：这段表演当中演员的台词信息量很大，说的是剧情中与他儿子的对话。

大意就是你妈妈是外星人（言外之意孩子们也是外星人），她虽然死去了，但是我还思念着她。

第一章Part2现在所有角色都来到了小行星城，他们之间的交集也就此展开。

奥吉在咖啡馆遇到了由影星King所扮演的明星米奇.坎贝尔；随后他们又遇到了五星上将、科研团队、师生团和科学爱好者家庭这四队人马。

原来大家都是为了参加在小行星城举办的科学大会而来。

孩子们在一一展示过他们惊人的科研成果之后，五星上将的会议总结特别准确的反讽了现实中那些言之无物形式化的颁奖仪式，并借由五星上将之口说最后出了这句“如果你想过温馨、平凡、安定的一生，你便生不逢时”。

而他的背后是For a Powerful American的横幅。

在会议闭幕后，奥吉的儿子伍德罗对一组神秘的数字产生了好奇，他问科研专家，专家说这是未解之谜。

伍德罗说这会不会是个宇宙日期（因为他是外星人的儿子，他懂外语），而日期就是今天。

预示着今天还要有大事要发生。

ps：五星上将的发言十分精彩，简直浓缩了美国历史。

第一章Part3会议结束，每个人都开始融入到生活之中。

师生团的孩子们不像是在（其他）电影中一般可爱，而是胡闹、顽皮呱噪的让老师头皮发麻；天才的家长们在争论着一些“世界难题”；奥吉和米奇在谈论着米奇眼睛上的伤痕；天才们在忙着展示自己的个性。

导演用一组平移镜头展示了每个人的生活状态，也是用一种镜头语言来表达，他采用散点透视（区别于类型片以故事为核单点透视）的方法来对电影进行了解构。

无论观众从哪一位角色来理解这部电影都可以，这是读者的权利。

幕后Part2戏剧排练前十周，讲述人介绍着演员这个职业是一群吟游诗人和不墨守成规的人，也因此他们过着非传统的、有时还有点危险的生活，以滋养和提升他们的艺术抱负。

演员的作品美化了平凡的生活，但在生活中他们也有着非常规的困境，就比如影片中扮演米奇.坎贝尔的影星King。

在电影开拍之前她与导演吵架负气出走，导演派一名候补演员带着他的三个锦囊来劝说King回去。

在候补演员念完导演给她写的“心里”话之后，King的眼中逐渐湿润。

终于在影片开拍前与“候补”演员一起回到了剧组，现在候补演员转正了，他获得了饰演伍德罗的机会。

这段戏剧人物前传在电影中显得悬浮，我并不能确定它的是一场对于候补演员的试戏，还是真正的幕后故事。

但是至少可以确定，导演对于King说的话深深的打动了King的，不然King眼中不会有泪水。

可能在她眼中候补演员这种平静如水的念白像极了导演曾经的样子。

ps：那段话里透露的信息可以概括为，我平时待你就像兄妹，除了在浴缸里那次。

交代了女主与导演的特殊关系。

第一章Part4经过白天的相熟，天色渐晚角色之间开始“眉目传情”。

但这种“眉目传情”并非理所当然，而是在不经意间突然闪现又马上消失。

就像罗兰巴特在《恋人絮语》中说表达的那样，他反对恋爱的故事结构。

他认为“一个精心结构的、首尾呼应的、好事多磨的爱情故事”，是社会以一种异己的语言让恋人与社会妥协的方式。

恋人往往是思绪万千，语丝杂乱的，种种意念往往转瞬即逝，徒然的节外生枝，莫名的心生嫉妒，失约的懊恼、等待的焦躁都会打破原本的涟漪。

伍德罗与米奇.坎贝尔的女儿的关系就是在游戏时升温的；牛仔为了见到他的心上人带着孩子在火堆边抽烟，老师愤怒而来却埋下了爱情的种子。

僚机小朋友而奥吉和米奇.坎贝尔的眉目传情则来的更激情四射，二人在对窗说戏时，米奇说“我有场裸戏你想看么？

”奥吉绕了个弯子反问回去“我没说想么？

”狡猾的说了想看。

坦诚相见后导演（韦斯安德森）用米奇希望演被虐待的角色和描述自己死亡的样子来隐喻此时她内心的痛苦，而奥吉则询问可以给她拍照么？

其实就是动了感情，因为他之前说过拍照从来不用经过别人同意。

而白天得知母亲早已死去的三个小孩子则开始了她们母亲的葬礼。

在此期间她们的富翁姥爷打断了她们的仪式，他不希望自己的女儿被埋在汽车旅馆旁。

可以这三个小朋友愤怒的呵斥了她们的姥爷，在这一幕里三个孩子的打扮和口吻就像女巫。

ps：这段“女巫”的剧情在之后还会上演

注意她们的装扮入夜十分在天文观测站，大家被邀请一起见证极为罕见的天文食现象，就在大家都仰望星空时，一颗绿色的点点霎时间把会场映满绿色，是外星人的飞船发着绿光来了，它偷走了小行星城的标志那颗小行星，随后迅速离去。

在工业电影中绿色是最常用的颜色，众多电影的剧情都是在绿幕上完成的。

而这一片绿在注重色彩的韦斯安德森的影片中出现，显然是别有用意。

这里要引申出一个概念，事件：有人说过，事件就是实在界突然入侵到了生活中碾碎了生活中原本的所有关联，这就是事件。

比如死亡就是个事件或者说如果小行星城旁边的核试验波及到了小镇这也是事件。

那么外星人入侵（无论看上去多荒谬）就成为了一个事件，是一个实在界突如起来的入侵，在实在界面前本来就是搭建的小行星城自然就成了表演时的绿幕背景。

韦斯安德森用这段情节隐喻了电影与现实之间、实在界与想象界之间的关系。

越是荒诞，越是现实幕后Part3第一幕结束后的中场休息时，剧场内现在空无一人，后台小行星城这出戏剧的导演舒伯特.格林登场。

讲述人说某位著名的女演员形容他像一只兔子，同时又与他保持长期的亲密关系。

（听上去这个著名女演员就是King。

而导演的性取向不明）从画面中看上去导演正在经历一场离婚风波。

导演的妻子来给他送孩子的学习成绩单，但是他以为这份文件是离婚协议可见他们的婚姻出于破裂的边缘。

在妻子离开之前她在门口对舒伯特.格林说了对于戏剧中米奇.坎贝尔杀青戏的想法。

她说“希望她能够在关门之后再说台词。

”导演答应并回答“也许我们命中注定如此结局。

”听上去妻子离去的决心已下，而戏剧中米奇.坎贝尔的原型好像就是导演的妻子。

ps：导演虽然同意了妻子的建议，但是最后演的时候米奇.坎贝尔离开之后还留下了电子邮箱，没有妻子说的那样绝决。

也许舒伯特.格林内心还是不希望离婚吧。

妻子的决绝，丈夫的不甘第二章Part1外星人来到地球的事件，马上让五星上将启动了信息封锁行动。

在小行星城内的居民都将暂时中断与外界的联系并接受“心里治理”。

编造理由，洗脑等种种举措与现实中对信息的封锁一样。

而小镇中成年人与青少年对于此事的态度完全不同。

画面中家长都在默默的接受政府的一些列安排，但是青年门所说的每句话都带有“外星人”三个字。

可见现实生活中成年人才是更懦弱的一个群体。

第二章Part2师生团这边老师也开始不知道要如何对这些儿童解释此前发生的情况，她选择给孩子们上一堂课天文课让孩子们忘记外星人的事情。

但是调皮的孩子举手的第一个问题就是“我发现了外星人。

”不管老师再怎样讲解教科书上的内容试图回避这个话题，但是孩子们依然真诚的提问。

这个情节也对应此前关于“百科全书”是被允许出现的内容的“百科全书”的梗。

牛仔看到自己的心上人陷入窘境，立即挺身而出。

他处理问题的方法是直面这个问题，他对小朋友说这个外星人看起来并无恶意，他好像只是带着和我们一样的探索精神来到了地球，就像人类有时也去外太空一样。

小朋友的好奇心迅速被平定下来，一个个变回了乖孩子。

牛仔终于获得了一个和老师站在一起的机会。

而伍德罗和小坎贝尔的关系也在天文馆中取得了进展。

在另一边奥吉和米奇在谈论着外星人事件对于她们的影响。

她们的答案一致，与此前并没什么不一样。

由此她们也达成了共识，她们是两个严重受创不肯表达自己内心深处痛苦的人。

关于奥吉我们知道他是刚刚失去了妻子，而米奇我们之前没详细说。

前文我们提到了米奇眼部的伤痕，她说这是她的爱好，是化妆画上去的。

其实这个伤痕就是她内心痛苦的外化，导演用一种欲盖弥彰的方式告诉观众，米奇.坎贝尔遭遇了家暴和情感的困境，而且在他的成长和婚姻生活中不止一次的经历。

ps：这个打了米奇.坎贝尔的人，正是戏剧的讲述人。

讲述人可能是戏剧投资，也可能是她的前夫。

我就知道哪都有你第二章Part3也许是共同经历了一场未知的大事件，奥吉一家人开始反思彼此之间的关系。

奥吉与他的岳父放下了此前的隔阂，重新明确了他们的共同点是都爱着妻子和孩子。

富裕的岳父对奥吉伸出了援助之手，邀请他们一家搬到他那去住，虽然他依然不喜欢奥吉。

也正是因为如此，奥吉拒绝了岳父的邀请。

傍晚，青年们对于封锁的反抗还在继续。

他们戏剧化的用公共电话把整个事件透露给了学校新闻社的朋友，等待之后的新闻大曝光。

ps：电影中的一切看上去都是那么戏剧化，因为是确确实实的发生在戏剧之中。

幕后Part4幕后，剧本完成前。

编剧发起了一场剧本研讨会，他将与萨尔兹和他的学生一起讨论小行星城之后是否还继续存在。

编剧表达了他的创作想法，他希望所有角色都被温柔而隐秘地带入一生中最梦幻、最深处的沉睡状态。

原因是他们共同经历了一场困惑且眼花缭乱的天体之谜。

但是他不知道剧本该怎么写，他希望萨尔兹能和他优秀的学生能现场来一次即兴表演给他一些灵感。

演员们开始询问有关剧本的内容，比如是讲什么的电影，电影叫什么名字，但是都只得到了编剧无关痛痒的答案。

萨尔兹不愧是大师，一看学员和编剧摸不着门道，马上开始距离。

而他的例子就是做梦，言外之意梦里啥都有，编剧和演员不必拘泥于现实，一场梦之后你的剧本就差不多完成了。

他一声令下“大家别动了，开始做梦。

”专业的演员们一秒入梦，而小行星城的第三幕正式拉开。

精神分析：观影状态仿佛入梦第三章Part1小行星城出现外形的人消息不胫而走。

特别讽刺的是来到小镇的不是媒体和记者，而是无孔不入的商业。

小行星城特快旅游列车、外星人伴手礼贩卖处、外星人小镇市集第一时间出现在了第三章的开头。

不得不说知识分子好犀利、好刻薄，如此荒诞的画面又如此现实。

现在即使五星上将再怎样愤怒也无济于事了，事件已经进入了一个不可控的状况，只能任由其发展。

有人在混沌中狂欢舞蹈，有人在死亡的边缘挣扎徘徊。

奥吉和米奇依然在窗口上演着她们的“内心戏"，米奇在画面中“死去”的造型一眼看上去让我想到《马拉之死》，也许此刻的米奇和马拉的尸体一样都被后人美化过，她们真实（内心）的模样远没有画面中那么美好。

而奥吉的对白则对死去的米奇说“你已经不再需要逃离，为什么还要自杀呢？

”而死去的米奇（幽灵？

）则说“也许这就是问题所在。

”这段对话也是隐喻，在米奇与导演与讲述人与前夫的复杂关系中我们也不难看出，她遇到的暴力也许是结构性的，不是离婚就可以逃脱的。

好像另外一个角度的《马拉之死》“她还…她…她是个幽灵吗？

”奥吉突然有点哽咽的说出了剧本上没有的台词。

一下子让米奇出戏，她不能确定。

显然奥吉想起了她的幽灵老婆现在有点控制不住自己的情绪，既然出戏就说点戏之外的事情。

米奇对奥吉说，她女儿看见了她们昨晚的一夜偷欢。

随后米奇开始“定义”这段关系，她说“这（上床）不是某段关系的开始。

”奥吉反问“不是吗？

”米奇再反问“是吗？

”二人不置可否。

奥吉突然话锋一转，说起了外星人的眼神，他说“他不喜欢那种眼神，他的眼神就好像我们说我们注定完蛋了一样。

”米奇说“也许我们是吧。

”此时奥吉面无表情，低头看向了早餐用的煎锅，把手放了进去。

这显然是一种无声的回答，是我们还没完的宣言。

一段对话之后情节回到了幕后Part1试戏时说的手放进煎锅的剧情。

也就是说她们之间所有的对话都在按照编剧的剧本表演，但是真的把手放进煎锅显然并没有在剧本之中，从米奇看到奥吉的手左顾右盼寻求帮助的情形来看，她好像在找场务的帮助希望处理一下奥吉的伤口。

那么奥吉这样做其实就是戏剧中宣言的延续，是不希望只在梦中对困境进行抗争的宣言，是要醒来的宣言。

而其他人的抗争也渐渐的展开。

再不解封就不客气了就在剑拔弩张的时刻，由于消息已经走漏，封锁也就此解除。

这么“欢喜”的事情自然还是要在全体会议上宣布。

五星上将再次将大家聚集到天文馆，高声宣布封锁解除！

话音刚落，场地再次被绿色笼罩，没错外星人又回来了。

五星上将再次大喊，刚才的解封声明延期！

而在场的居民则无视了他的发言，开始个体的狂欢。

这段情节可能对每个人都是熟悉的，一年前大概世界就是这个样子吧。

ps：命运就是由众多个事件组成的连续故事，而也因此命运是难测的，就像谁也不知道外星人何时会来。

幕后Part5在狂欢中只有奥吉一个人神情落寞，他径直走向后台。

去问导演“我演的对吗”？

而他脸的朝向则是面对了镜头前的观众。

从电影理术语来说这是面对第四面墙，会打破观众的观影状态（梦境）在电影表演中属于一种禁忌。

然而韦斯安德森这样设计明显就是要让观众从梦中醒来的意图。

目光看向观众，那问的就是观众，应该这样不问为什么的生活吗？

而导演的回答同样非常耐人寻味，他说你演的非常好，你几乎就变成奥吉本人了，而他也成为了你。

奥吉说“我觉得迷失，我感觉我的心都碎了，我还要继续吗？

”导演回答“很好，继续”“在毫不知情的情况下？

”“是的，就这样演你演的非常棒。

”不过这些话完全没有平息奥吉的愤怒，他依然大声说道“我还是不知道为什么这样演！

”导演回答“不重要，你只需要继续演就行了。

”这里只要把演替换成生活就可以了，在荒诞的戏剧世界里发生的真实故事，让奥吉不得不发出我不知道为什么还要这样生活的呐喊。

需要出去透口气的奥吉在后台之外遇到了原本戏份被删只留下一张照片的饰演妻子的演员。

这位演员开始为奥吉回忆她们之间已经被奥吉忘掉的台词。

非常浪漫的对话，在对话的结尾她说“我不会回来了，你为我拍张照片，希望不要太糊”奥吉说“我拍的照片不会模糊。

”这里导演给了二人各一个大特写，传达了她们结尾这段对话的力量。

奥吉的照片不会糊是说大脑可能会让我们忘记一些事情，但是摄影机不会。

最后故事以编剧已死作为结尾。

ps：女演员结尾的造型好像星球大战里的公主（老友记中菲比也扮过），奥吉拍的那张他妻子的剧照也非常像是《马拉之死》的俯视版，可能不同的角度代表这张照片没有谎言。

像不像老友记里瑞秋和菲比角色扮演过的星际宫主（外星人）

《马拉之死》俯视图幕后Part4闪回电影以这样的方式结束让人不甘。

摄影机再次将我们带回幕后Part4的那场剧本讨论会。

原本都睡着的演员中突然有一个带头醒来，就是奥吉的扮演者。

他说出了那句电影的主题“如果你不睡着就不会醒来。

”这句话好像咒语一般，每个人都陆续醒来并重申着这句话“如果你不睡着就不会醒来！

”尾声在小行星城一觉醒来的奥吉突然发现周围的人都不见了，米奇也不告而别了。

原来大家都在昨晚封锁解除后各自离开了。

现在轮到他们一家人了，对了临走之前还要带上妻子的骨灰。

但是姥爷并没有如愿，无论他怎样说，孙女们都拒绝了他的说辞。

姥爷也无奈的服从了三个见习女巫一样的孙女儿。

而孙女们却说“不是见习了，已经转正了，我们有着女巫和外星人的双重血统。

”这里是导演之前埋下的小伏笔，这三个小女孩其实就是命运三女神的象征，这个情节其实也是说无论你是谁，哪怕你在世间腰缠万贯、人生赢家，最终也要接受命运的安排，即使它有时候看上去很荒谬。

命运三女神在奥吉离开小行星城的最后一餐时，咖啡馆的老板把米奇临走时留下的邮箱地址给了奥吉，也给了这个故事在荒谬和反思后的一丝温暖。

电影解构般的书写方式注定了我们要按照解构主义的策略从各种细枝末节处去寻找它那些符号语言的张力，来对电影文本分析和解读。

无论对拍电影的人还是看电影的人都是个辛苦活。

不好懂、没逻辑是他的弊端。

但好处是，这种策略是一种可以把文学和艺术从少数的“天才”手中解放出来，交给普通读者的努力。

对此我非常的感触也是我喜欢这部电影的原因。

ps：应该不会有人看完这么无聊的东西吧？

以上是我写在公众号的内容，我在豆瓣上特别补充一些。

在某次的电影讨论中，我问了一起观影的小伙伴一个问题，关于妻子这个角色象征着什么？

其实这个问题的答案才是这部电影最终要表达的内容。

我长话短说，象征着梦想！

妻子这个角色之所以被编剧从戏份中删除正是因为她象征着与遵从人生剧本相反的人要有梦想的生活。

一个容不得梦想的人生轨迹也是无法容纳生活梦想的。

而她之所以是外星人正是因为梦的边界在如浩瀚的宇宙般无垠。

在电影最后最后的片尾曲是一首关于梦想的歌，与之前的“不睡着就不会醒来相反”，导演重新提到了梦，这个梦指的不是睡梦，而是梦想。

其实就是说不要浑浑噩噩的仿佛做梦般生活，人生要怀揣梦想，人不仅是生活的观众、演员更要是人生的编剧、导演。