艺术家

那个时候应当是我特别爱钻电影院的时候，以至于现在回想起来，这部电影仍是目前为止在电影院看过次数最多的一部。

朋友对我当时的行为嗤之以鼻，觉得如此无聊的电影我居然可以一个星期之内去看了四次。

所以，我并没有告诉她，当影片拿了奥斯卡重返影院后，我又去看了第五次。

我和朋友都是那种喜欢看轻松影片的人，文艺片伦理片宗教片我更喜欢躺在家里看，安安静静自己一个人，想很多，停停看看。

所以在影院一般都是看动作和动画。

一个字的目标：爽。

然而这一部是个例外。

其实我并不否认朋友说的烂俗。

因为如果我把这部电影用“女粉丝恋慕男神，误打误撞成为大明星后拯救落魄男神，最终抱得帅哥归”这样一句话概括出来的时候，我自己都会相信这是一个彻头彻尾的三流娱乐圈文。

故事其实很圆满而且不乏逗乐的段子，梗概也真的如此简单。

爱情事业皆大欢喜，丑小鸭变成白天鹅还拯救了曾经高高在上的男神。

这样的结局换做谁都会开心一笑，一部满足平凡忙碌生活中遐想与憧憬的电影，无论它的故事多么的老套与荒诞观众都永远愿意买账，就像炎热的夏天，冰棍永远不过时一样。

但我想我从来没有把它看做一部爱情＆喜剧片。

就像如果有人对我说魂断蓝桥是爱情经典时，我一定会说：我以为那是一部反战片。

所以，这部电影不叫一颗美人痣引发的爱情，而叫艺术家。

所以魂断蓝桥终究只是魂断。

同样我也从来不认为它是一部喜剧，因为每一次看过，我都是挂着眼泪出影厅的，而我后边的大叔哭的比我还要凶。

虽然影片的海报格局看上去特别像我挚爱的乱世佳人，极富张力的表现着男女之间的情感与抗衡。

但是我依然认为，这只是男主人公一个人的故事。

而他的故事，曾经发生在我们每个人身上，或大或小，或已经过去或正在经历。

他在这个默然无声的故事中时而如风时而蹒跚的走过的每一步，就像是荧幕下面每个观众心灵的分身，带着过往带着记忆带着希冀，随着他趟过一遍人生。

走过希望，走过平稳，体味过幸福的麻木，也领略过不经意的芬芳。

遭遇着不可抗拒的时代，冲击着最后一点点的希望。

从最辉煌的巅峰，走向最绝望的深渊，在无法回头和面对的岁月里，或消亡，或重生。

100分钟过去，像是经历了一场入定状态下的旅程。

在喜剧而喧闹的场面中开始，随着男主人公的枪响结束，最后，在男女主真真实实传来的笑声中苏醒，归位。

于是这一刻，无论是依旧沉浸在里面的眼泪，还是被主人公感染了的笑声，至少，都应该庆幸这只是一部电影，它有一个俗套而完美的结局，让我们可以在旅程的最后得到回归的救赎。

毕竟，不是每一颗开向过去的子弹都能戏剧化的被女主留住。

也不是每一个人都可以有男主人公那样的幸运，重新来过。

整部影片中，没有声音的表情与动作，就像是男主人公拼尽全力想要证明和守护的过去。

愈是愤然愈是投入，却愈是在一片寂静中被赤裸裸的遗弃。

仿佛一种打不破的格局。

黑白的色调下，在无声到有声这样的时代变革中，男主人公一张张雪片般签出的支票，一次次赌博似的投入与演出，却像是飞蛾扑火。

当变革来临时，就仿佛是从黎明前的纯黑一瞬间跳到满是光明的世界，快速的不给任何人一点余地。

那些曾经在黑暗里骄傲着的火焰与希望，带给人快乐和温暖的火种，在耀眼的日光下被遗弃的如此惨烈，却无声无息。

Jean du Jardin精湛的演技尽情的在荧幕里释放着，灵魂在嘶吼，心脏疯狂的躁动，那看似就要破茧而出的挣扎与不甘，绝望与愤怒，碰撞着，涌动着。

然而，却只能被压抑在神情的淡然之下。

被残忍而无声的抚平在现实中。

诚然，不是每一个人都有勇气去彻底的毁灭过去，更不是每一个人都有勇气舍掉自己的辉煌。

于是，有多少人就把一口气堵在这份不甘上，输的一败涂地。

有人说，天才和疯子只是一步之遥；善与恶也不过一念之间。

而事实上，从来没有任何一个人可以在故事的最开始做出任何的定义。

坚持是一种精神，可倘若这精神偏差了那么一点点角度，就变成了足以毁灭自我的固执。

每一个或称赞或敬佩的人，每一个或惋惜或鄙夷的句子。

都只出现在尘埃落定的那一刻。

不到那一刻没有天才也没有疯子。

可是，却没有谁有那个勇气赌到最后。

所以，在现实的世界中，绝大多数的人，都选择了妥协与放弃。

因为，无论是天才还是疯子，都没有谁可以轻易承担起一场做给自己的献祭，极致的成败下，无论是成是败，都是一场毁灭。

影片中印象最深刻的，就是男主人公站在衣帽店橱窗外的那一段镜头。

反着光的橱窗玻璃，在镜头的艺术下折射着主人公的曾经与当下，强烈而滑稽的捉弄着他最后脆弱的心理，用最直接的方式把他按到现实面前。

主人公身边一张张虚无的开合着的嘴，鄙夷的，好奇的，劝说的，或者干脆不知道在做什么的，都仿佛成了命运嘲弄的笑声。

那短短的一段驻足，仿佛就是一生，主人公的精神世界在那一刻彻底的反转，仅存的坚持被彻底的摧垮。

而往往极端固执的疯狂与瞬间的崩溃彻底的放纵也不过只有一线之隔。

影片的节奏在这里达到了真正意义上的高潮。

主人公内心彻底的激化，在这无声的环境中，成为最尖利入耳的鸣响。

把观影者的情绪也推向了一个极致。

如果影片在这里戛然而止，那么这将是一个残次品。

如果主人公的精神走向了彻底的毁灭这就是一部压抑的文艺片，如果主人公原地满血复活这就是一部英雄主义片，如果有忽然的外星人降临替主人公完成故事这就是科幻片。

如果有一个女子感念曾经报恩而来完满了男主的结局，那么这就是一出田螺姑娘式的爱情喜剧。

于是，在文章开篇提过的烂俗桥段就快快乐乐的出现了，女主偷偷买下了男主曾经变卖的所有收藏，女主一直默默的守候男主等待他的恢复，女主用自己的地位要挟制片人和导演如果不同意男主和自己一起出节目就罢工等等等等。

终于，忙忙碌碌，皆大欢喜。

导演很聪明的在故事的外衣上绣满了一切可供观众瞬间缓解的治愈（做梦）元素。

这是一个关于救赎的故事。

一个曾经拥有太多自信与力量的人，留下了一点希望和充满斗志的火种，救了日后一无所有的自己。

朋友说，女主人公的存在简直就是为了配合男主命运节奏而全套定制的。

我想，她说的没错，因为无论是故事中的主人公，还是现实中的观众，其实最后真正救赎他们的都是那个或许曾经或许未来的自己。

而戏剧化的幸运从来都是一个好的结尾。

就像观众普遍都喜欢大团圆一样，哪怕这中间有多少的逻辑漏洞，对于开心的观众而言都是无所谓的。

同样，从开始到结束这其中的万般苦与痛，挣与扎，都将在结局的欢天喜地中被彻底的忘却。

这，是好事。

===================================================此外，很想谈谈关于这部影片的表现方式。

影片中男主人公在无声的状态下，利用表情表演，肢体动作将他的内心展现的淋漓尽致，观众跟随着他，清晰的感受着他内心深处每一个脉络的律动。

然而倘若这一切，激动的，狂喜的，快乐的，悲伤的，绝望的，一切跳动着的情绪变成声音从荧幕中溢出，那么这一切的叙述就成了一个最普通的故事。

这部影片，恰恰是用无声的效果，让那些原本外化的演绎转变成了一种内心情绪的传递。

可以说，默片的形式，从一开始就为观众营造了一个足够的外界大环境，在演员与观众之间搭了一座桥，用默然的方式传递着主人公的心声，引起观众的心底共鸣。

不是在看一场表演，不是在看一个故事，而是被带入，被牵引到与主人公一起，仿佛进入了他的世界。

他有无数的情绪起伏，人生感慨，他不曾说出，而是就这样掩盖在荧幕里，赤裸裸却静悄悄的向观众表达着。

你甚至可以感觉到他的声音在你心中响起，仿佛那从来就是自己的心声。

这种独特的，营造受众环境的方式，想来也是这部影片取得巨大成功的一个重要因素。

如果卓别林开口说话了，你会愿意倾听么？

看完《艺术家》，我在回家吹着小风的路上，冒出这个问题。

如果你看过他的所有喜剧，无论是城市之光里善良的夏尔洛，还是你最最熟悉的摩登时代，你是愿意听他开口用对白讲一遍他的故事呢，还是会捂着耳朵，大声叫嚷“这样就好，这样就好，干嘛加对白嘛！

”这位有声电影诞生之后坚决抵制了其十几年的默片大师曾经说过：“有声电影彻底埋葬了传统的哑剧，而这却是电影艺术的基础。

电影演员应该懂得，是镜头在讲述故事，而不是对白。

”1895年，电影在巴黎诞生，无声电影红红火火的捧起了一代人，这一切，在这个荧幕上，缩影在《艺术家》里的科顿身上。

他拥有最好的肢体语言和表情，眉毛、鼻子、嘴巴有着丰富的表达，甚至连胡须都会说话，幽默的笑容与生俱来让人觉得明朗快乐，绅士风度华丽丽的让他变成了大众情人，这一切还不够，缺乏了某种戏剧效果，所以，他还拥有一只可爱聪明训练有素的小狗，在镜头里，他是一个完美的无可挑剔的男人。

可是这一切的表达里，他不能用声音为媒，他是无声电影演员。

无声是一个什么样的世界？

能带给你什么？

美好的时刻里，你捂上耳朵，看到美丽的烟花。

那就像是天上开出的花儿。

而在煞风景的时刻，你有可能是在公车上看到一个完美的背影，看了很久很久，觉得气质娴静，迷人的无可附加，可是，这个时候，包里铃声一响，你不喜欢的调子，她接起电话，声音是你不熟悉的方言，在讲柴米油烟的琐事儿。

甚至是抱怨公司的领导、同事，你如梦初醒，索然无味，女神不见了，仙气儿飘飘摇摇的散开去了车窗外。

玲珑的人太少，如果只以最美好，想象空间最大的一面示人，一切或许就会完美一点吧。

而无声电影里，就有一种完美，那是丰富的肢体语言和会说话的美丽的脸，就可以缔造的。

电影，在诞生之初，看上去就像是一个幻术，而它的本质，也不过是一个幻术，不过在这个幻术里，你可以做一场梦，关于任何的任何，而无声电影里，声音就是你可以做梦的空间，一个美丽的主角儿讲的所有的话，都可以是你已知的最好的声音，他的面貌，可以搭配任何语言，低沉优雅的法语，甚至是70年代电影的播音腔。

只要你认为它够好，够贴切。

它都可以为你于荧幕构建某种完美。

所以，改编自小说的电影，往往是苦差，改编经典名著，更是一个险活儿。

往往不论如何努力，都会骂声一片。

你错就错在，坏了一场美梦。

而科顿，他是如此熟悉镜头、荧幕和观众，他熟悉无声世界里他们喜欢的一切，所以，当他亲手为她点上了一颗痣，一切如此自然，她注定了会红。

一张脸因为一颗痣，不仅仅迷人，更增加了荧幕的辨识度。

她不能讲话，在无声的世界里跑着龙套，直到时代列车轰轰隆隆的开到了有声电影的站台，她才作为一个愿意被倾听的新鲜人走到日光下。

而他，作为无声的巅峰，却在瞬间惨遭遗弃，他把腰杆子挺得笔直，无声电影已经被他巅峰造极了。

这是神话，是他的信仰，谁动了这个神话，就是要他的一身荣耀暗淡、散尽。

于是卓别林抵抗有声电影，电影中科顿也是同样，拒绝接受拍摄有声电影。

抱着旧梦，继续拍摄无声电影。

可是时代，是不宠爱怀旧的人的，怀旧是落后，停滞的代名词。

他在旧梦里轰轰烈烈的破产。

所以，他的故事开始了悲剧进程。

一个夜里的一场梦里，在一个没有声音的场景里，他突然发现，杯子落在桌子上是有声音的。

那是电影里第一次出现声音，一切像是从梦里骤然坠跌到现实，他自己的声音不见了，外面一切一切都是有声的，姑娘们的嬉笑声，门关上的重重声音，羽毛落在地下，那细小的声音在潜意识里却振聋发聩。

他梦到自己被一个人遗弃在了无声的世界。

这种孤独感，是无法无法言说的。

可以将人的信仰击溃。

但与此同时，那个爱慕她，在镜头前，说说笑笑的姑娘。

却风光霁月的大红大紫起来，那是有声电影的躯壳。

年轻、新鲜、美丽。

万人迷恋。

他不理会这一切，关上了门，躲在无声电影的世界里。

她远远的看着她，以最默默的方式，一次次的雪中送炭，可是物质上的任何帮助，都不能挽救一颗枯萎、颓废的心，他一把火将所有的胶片烧了。

将自己也仍在火海里。

死里逃生的他后来知道了她做的一切，这一切如此的屈辱，他的骄傲无法承受这个结局，他回到已经烧毁的旧屋，拿出了火舌未吞没的枪，他打算了结自己，与此同时，她开着车横冲直撞的到了他家楼下，这个时候，字幕说，砰的一声响，以为是他已经开了枪，自杀了，下一个场景，却是她的车撞到了他楼下的树，观众松一口气，这当真是只属于无声电影的悬念。

分析电影隐喻，在我看来，是一件很附会的事儿，但是，在这部像无声电影致敬的片子里，却是觉得贴切。

在她的狂飙路上，我在想念那个眉毛会飞舞，让人无比开心的科顿。

有声电影从无声电影里走出来，并不是粗暴的抛弃，将无声电影赶上绝境。

这种关系是爱，又像是一份情，彼此牵着最柔软的部位。

我从你这儿生长出来，我爱你、敬你。

最终他获救了，很喜欢导演最后的处理，那是时代的遴选眼光，他最终没有妥协去拍有声片，他不愿意在镜头前说话，他也觉得他已经开不了口了，他和他的影迷都无法去打碎那个梦了，聪慧女主角便带着他去跳他们相遇时的踢踏舞。

这是一种新的类型片的诞生么？

我没有考究，但是，无疑这是一种进步。

这个结局的妙，比让他接受有声电影来得更真实。

也更加暖心，因为，结束的时候，我也莫名的松了一口气，他最终没有开口，将这个气氛破坏。

瞧瞧！

我也是个如此的观众。

1936年，《摩登时代》里，一直拒绝有声电影的卓别林，在电影结束时哼了一支歌，那是他自己亲自哼的。

虽然如此这部电影一般被看作依然是一部无声电影。

但是，是第一部可以听得到卓别林本人的声音的电影。

电影教科书里说，电影是一门综合艺术。

电影学院里的拉片课程，有时候，会关掉声音，看看纯粹的没有声音的电影，我想说，如果关掉声音，还是能让观众耐着性子看完的电影，一定不是一个太坏的故事。

我爱那个时代。

她令我着迷。

我爱女人贴在头上带着小卷一丝不乱的金发，爱她们帽子那向上翻起的帽檐和有时别上的一枚发卡，爱她们刚好及膝的裙子，爱她们脚踝系带的高跟鞋，还有男人们穿着背带裤，彬彬有礼。

当一杯水放在桌子上发出“哐”的一声脆响，当狗开始吠叫，当这个世界不再安静，他却失声了。

所有的过往无一不令人怀念，我们只是想沉浸在那些已无法再为我们停驻的旧时光里，就不用向前。

那是菲茨杰拉德笔下的爵士时代，是镶着金边的一抹绯红。

正在褪去。

也许是因为她已经远去，所以才让人迷恋。

故事里关于爱情的诸多桥段既老套又煽情，但是对于一部1927年的电影，这已经足够了。

这阵子不少香港电影人在批评金像奖，因为它把几大重要奖项都给了平实无炫技的《桃姐》，而不是在电影语言上更多突破和创新的《夺命金》。

可在此之前，另一个金像奖——奥斯卡金像奖也无视《雨果》等电影3D技术的炫目，把几大重要奖项给了一部黑白默片：《艺术家》。

《艺术家》的故事设定在默片即将衰败的年代，男主角乔治·瓦伦丁原本是当红明星，可有声片时代一来临，他就被淘汰了。

观众都纷纷去看会说话的电影，而他自己花巨资投拍的默片无人问津，一代巨星终至破产下场。

而另一边，他的一个女粉丝佩琵·米勒却从群众演员做起，借着有声电影时代的来临日益走红，成为当红巨星。

每一个时代的更迭，总有人被淹没，也总有人崛起。

电影中令人兴味的镜头是，当初佩琵刚进入电影公司，如日中天的乔治跟她说：“做明星要有一点与众不同。

”于是给她唇边点了一颗痣。

后来佩琵的第一部有声片就叫《美人痣》，名扬天下。

而佩琵走红时接受记者采访，手舞足蹈说：“老家伙本来就应该给新人让道。

”她没有想到乔治正坐在她身后，起身，朝她一个欠身：“我给你让道了。

”因为是默片，因此仅有的几句台词特别有味道。

除此之外还有乔治老婆对他说：“我很不快乐！

”乔治：“世人都不快乐。

”其实这是一部粉丝拯救偶像的电影，乔治破产后，又与妻子离婚，搬离豪宅，烧毁自己的胶片，家具悉数变卖，赶走仆人……最后几欲自杀。

是佩琵帮助了他，收留了他的仆人为自己工作，将他的家具都买下来，他受伤时照顾他，并为他和电影公司老板据理力争……估计很多女粉丝看了这部电影都免不了胡思乱想，要是也有机会这样接近自己的男偶像就好了，拥有他的一切，最终还与他产生了爱情。

就像男粉丝看了《我与梦露的一周》之后大概也都免不了要心驰神往一番一样。

两部电影都讲粉丝与偶像，但结局却不同。

男明星在事业低谷时崩溃，而女明星则在事业巅峰时不安。

男明星渴望的是事业的翻身，而女明星渴望的是感情的慰藉。

后来，女粉丝利用自己的努力让男明星重返银幕，两人最终在一起，皆大欢喜。

而男粉丝安慰了女明星后，女明星继续追求自己虚荣的人生，事业更上一层楼，但，梦露在情路上一直失败。

事业总有出头日，感情没有，感情永远令人惴惴不安。

怪不得女追男隔层纱，男追女隔层山。

不相信，看看那个时代同样被默片抛掷的女明星的下场：电影《日落大道》中的诺玛过气了，守在自己的豪宅中度日如年，剧作家伊利斯一不小心闯入她的生活，享受她爱情的赠与：西装、名表、别墅、甚至残存的一点点名气或者说别人的怜悯便利……但是却不要她的爱情。

和《我与梦露的一周》中的男主角相反，伊利斯爱上了比诺玛年轻的电影厂工作人员。

是的，男人最终还是选择了年轻的姑娘。

所以梦露是对的，她30岁了，比男粉丝科林·克拉克大7岁，现在她不抛弃他，将来……等她盛名不在，和那个服装部的小姑娘又有什么不同？

花褪残红，甚至还不如。

所以伊利斯的出现并没有能够拯救诺玛，相反，加速了诺玛的坠落。

她杀了他，然后……忠告：男粉丝不要接近已过气的女偶像，女粉丝却要把握住男偶像的事业低谷。

很多时候，我们总是习惯性的认为自己当下从事的一些活动是理所当然的，而对过去久远的一些事物感觉到一丝无法接近的距离感，感觉它们是过去，自己必定无法理解和适应。

在电影领域，面对已经奔3D而去的影音趋势，那2D的，还黑白的，甚至还无声的默片，对大多数人来说，无疑是匪夷所思的形式。

怎么会有人能忍受没有对白的电影？

我过去也带着这样的感觉而与默片划清距离，直到偶然接触，感到兴趣，再更多欣赏，逐渐领略到了默片的魅力，以及那个时代的大师们的独特艺术气质。

对于喜欢默片，或者黑白老电影的观众来说，《艺术家》无疑是个惊喜，它不单形似，更神似的表现了老电影岁月的风采和荣光。

自从电影进入彩色时代以来，也时常有导演处于某种原因，采用黑白电影的方式复古拍摄一些影片，其中代表性的莫过于《辛德勒名单》那黑白色彩下的凝重与深沉，还有《鬼子来了》黑白写实最后从死者视角突然闪现的彩色画面的超现实色彩。

而真正复古到默片程度的导演就寥寥无几了，毕竟这太挑战观众极限了，最多如金基德做到台词极少已属于另类，这还被认为是“文艺片”。

倒是著名戏仿电影大师梅尔•布鲁克斯拍摄过一部神作《无声电影》，恶搞加致敬的来了一次无声电影，但是那毕竟是默片的现代化解构。

而《艺术家》的难能可贵在于，它不光简单的无声那么简单，从影片摄影、故事展开、人物神态、服装化妆、表演方式，甚至到配乐，都还原了老电影时代的味道，同时，也在其中不乏现代电影的演绎和阐释，这份对老电影细致入微的观察与还原就值得尊敬。

在那默片的时代，故事和人物都那么简单和单纯，好人就是好人，坏人就是坏人，悲伤就放肆大哭，高兴就夸张的大笑，不像现在追求角色所谓的“立体”和“复杂”。

影片故事的味道竟然让我感受到了卓别林电影的感觉，那种那个时代优秀电影“乐而不淫，哀而不伤”的气质。

在无声电影和有声电影转变的时刻，默片时代巨星乔治•瓦伦丁偶遇籍籍无名的女孩佩皮•米勒，然而，也正是这次相遇暗含时代变迁的轨迹。

因为在默片时代的巨大成就，瓦伦丁充满自信，对有声电影时代的到来不以为然，过去的成就常常就是一种思维方式的负担，他倔强的坚持默片，直到迎来票房灾难和自己的落魄。

而米勒是个除了自己，什么也不拥有的年轻女孩，只要有出头的可能，她乐于拥抱任何变化，于是，抓住了有声电影时代的那只命运之手，她成为了有声电影的第一代女星。

这是一个多么美国梦的故事，包含了励志，也有沉沦，故事的桥段，很有默片时代的味道，那种狂喜与神伤的表现都直接、夸张，说白了，就是真正地像“表演”。

老电影时代，总体趋向是真善美和大团圆的，所以，《艺术家》中落魄的瓦伦丁虽然一度风光无限，却没有那么桀骜骄狂和虚荣，反倒豪爽和平易近人；米勒成名后也没有得意忘形和世故，反倒低调而心地善良。

于是，米勒遇上了她的偶像瓦伦丁，看着他被时代抛弃，也努力走上星光大道，不变的是对瓦伦丁，以及随他而去的时代的尊重。

两人的故事单纯、美好，让本身模式化的故事有了另一层美丽。

事实上，默片时代的摄影和配乐也充满特色，黑白影像下，摄影对影片氛围和故事推动常常有着特别的助力，如瓦伦丁落寞和幻觉的场景，黑白对比度下的效果就很有感染力。

而在没有对白的默片时代，配乐的作用和评判标准绝非“好听”那么简单，它几乎就是演员的第二台词，要随着剧情节奏、桥段局面、角色感情不断变化，《艺术家》用各个经典电影配乐加上细心的加工，对老电影配乐的神韵还原的特别好，无疑也是奥斯卡最佳配乐有力的竞争者。

本片最现代化的展现方式，无疑是瓦伦丁的一段幻觉，突然，影片有了配乐以外的声音，瓦伦丁感受到了身边物品碰撞敲击的声音，将他仿佛置换出荧幕，与观众一起感受沉默中，点点滴滴日常生活的声音。

一个默片时代巨星，对有声电影内心的恐惧由此入木三分的刻画出来，即有声电影不只是一种技术，它是对电影行业，一代人的生活方式的改变，也是社会一个维度的巨大改变。

影片尾段，对此有着更绝妙的切入，沮丧的瓦伦丁在米勒的提醒下，终于发现自己还有踢踏舞这一强项，于是，影片结尾，巧妙的让瓦伦丁和米勒载歌载舞，将时代切入到伴随有声电影而来的歌舞片时代，而在末尾，他们终于发声，让影片以一种高雅的姿态迎来大团圆的结尾。

《艺术家》，是对老电影时代的致敬，对默片时代的致敬，它并没有批判或者嘲讽“冥顽不化”的瓦伦丁，甚至瓦伦丁失败的电影拍摄过程中，我们也可以感受到他认真的态度，正如他接受采访所说“我是艺术家，不是傀儡”。

这种看起来有些过激的对时代变化的反映，也表现着一代电影工作者令人尊敬的倔强，所以，哪怕影片早早就进入了有声电影时代，整部影片也以默片的方式呈现，甚至以此方式表现米勒的有声电影表演，有此可见主创人员的立场，那是值得尊重的年代，那是电影成长的岁月。

在电影日趋成熟，并很可能将进入另一轮技术驱动转变的今天，回首看看那些艺术家的岁月不只是一种复古，也是一种电影营养的再汲取。

1895年，法国的米埃尔兄弟以一组电影短片，标志着电影的诞生，接着在好莱坞，电影进入真正工业化和普及化的时代，所以，《艺术家》这部影片也是有趣的，由法国导演，以默片的方式，演绎一个美国好莱坞的故事。

而让•杜雅尔丹和贝热尼丝•贝乔两位法国演员的表演也确实出色，非常有好莱坞电影明星的味道，一招一式都是很古典的表演方式，出色的表演让他俩并未被片中那只惹眼神狗乌吉完全抢去风头，我们知道，在电影界，这是很不容易的事情。

而接下来，在奥斯卡，希望《艺术家》能斩获丰硕成果，让这个团队在乌吉的领头下，光荣的走上红地毯和领奖台。

http://hi.baidu.com/doglovecat/blog/item/2fa30b08d5145bce63d986bc.html

《艺术家》当真是近年来少有的能够让人眼前一亮的电影，倒不在于其中蕴含多么深邃的内涵，而在于形式上有一个漂亮的艺术创新。

回想过去，当电影还只是一个伟岸的哑巴时，都是谁在扮演着德艺双馨艺术家的角色？

主人公George Valentin的扮演者让·杜雅尔丹，也是哈扎维纳西乌斯导演的法国间谍剧《里约谍影》里的男一号，有着光泽的头发、上挑的眉毛和结实的肌肉，一看就是大众情人般的范儿。

公众的崇拜也让他理所当然的成为了一个无忧无虑的自我陶醉者，每日带着他“爱演戏”的小狗周璇在无言的妻子和其他演员之间，在贝利佛山的红毯上展示着属于他的荣耀。

但仅仅是两年之后，有声电影的兴起给了这个默片时代的英雄当头一棒。

有声片中优美的音乐和明亮的颜色很快便让观众不再怀念属于默片的那个“摩登时代”。

正如《日落大道》的主人公一样，George也不得不被新的电影浪潮流放到好莱坞古典时期那座褪色的万神殿中。

与此同时，与他形成鲜明对比的是一个名叫Peppy（活跃的人如其名）的女演员顺应了有声电影时代的要求，从默默无闻的粉丝、龙套，到“好莱坞甜心”的演变，如法炮制了《一个明星的诞生》式的成名之路。

George毁于他的顽固和骄傲，即便是最潦倒的时候，他依然拒绝“说话”，最后只有狗和司机仍跟随着他。

主人公的遭遇领人同情，更令人同情的是，不仅在好莱坞的影史上有许多这样真实的主人公，同样的事情也曾发生在中国。

大家都知道阮玲玉之死和她留下的那句“人言可畏”的情殇，却鲜有人知，彼时，默片中的“神女”因为国语不好在事业上也遭受着江河日下的折磨。

所以，比起那些向“经典默片致敬”的通俗说法，我觉得《艺术家》毋宁说是导演在用一种失传了半个世纪之久的方式，在向观众表达着自己对电影的爱意。

为什么是法国导演和法国演员排出了这样一部电影？

恐怕其中还有着法国人作为电影鼻祖的那份同George一样的骄傲和固执。

其实严格说来，《艺术家》并不是一部默片。

大量的音乐被铺在了声轨上，同时在个别段落也实验性的加入了环境音、动作音甚至台词（最后一幕）。

为了让观众产生更多的共鸣，导演在复制早期电影的视觉效果上也破费心思，甚至让胶片的转速从每秒24格降到了16格（人物动作加快）。

片中大量的音乐取自希区柯克的《迷魂记》，而George和妻子吃早餐一场戏的蒙太奇场景，则是明显效仿了奥逊·威尔斯的《公民凯恩》。

事实上，就连故事线也是好莱坞影史上屡次被翻拍的《一个明星的诞生》和著名的《日落大道》的混合体。

《艺术家》并不是一个忠实的默片的复制品，它更像是一个再造的经典老爷车上被安装了GPS导航系统。

这部情怀制作无疑会是怀旧者的心头之爱，亦如马丁·斯科塞斯的新片《雨果》（致敬梅里耶的《月球旅行记》）。

可惜，导演似乎有点得意于他的这种小伎俩。

的确每一个细节看起来都很不错，演员夸张的肢体语言、双关的对白、傲慢与偏见的世俗价值观以及那只比人还爱表演的小狗都给人留下了深刻的印象。

《艺术家》是一部高明的“伪默片”，但也许离伟大的电影还有几分差距。

但值得肯定的是，近几年来，在世界范围内电影语言都始终缺乏必要的革新。

《艺术家》这部“非典型默片”的出现确实是给观众带来了一丝新意——但并不是革命，因为，历史的车轮不会倒退，默片永远不会复兴，否则，那些新建的大量的3D-IMAX影院的老板们要如何适从？

毕竟，电影说到底，还是一笔生意。

10/10 第84届奥斯卡最佳影片+最佳导演+最佳男主角 当电影褪去了华丽的色彩，优美的声音之后会变成什么样？

答：别有幽愁暗恨生，此时无声胜有声。

一封写给电影的情书，导演带着观众穿越回了那个默片时代，而观众也穿越到了那个曾经的童贞的电影迷，电影里外的一切都会到了最初的美好～这才是真正的艺术家，是有操守，有追求，有艺术性的，尤其在从默片时代到有声时代急剧变化之中，依旧保有对艺术的信仰，这正是不忘初心，正如当年的卓别林一般，但艺术自身也是会不断发展的，不忘初心方得浴火涅槃，最后成为真正的Artist。

感谢这个时代还能有如此伟大的默片演员，还能还我一个最初的电影梦，不枉我在观影中途多次落泪，这样的感觉太好了。

配乐也是神了，通过音乐表达文字的典范，小狗也是拼了。

时代的交替，不可逆转的变更。

由沉默到欢脱， 一切都塑造得如此完美，完美再现了好莱坞古典主义时期的电影叙事手法，对当年的那些来到好莱坞发展的欧洲导演， 对好莱坞经典叙事，对黑白“无声”电影，几乎都是一次的完美的致敬！

坐在电影里仿佛自己完成了一次时空穿越，I love it

无声有声大变革为背景的爱情佳作。

怀旧。

对，黑白默片。

爵士配乐，歌舞风情都为影片增色很多。

音乐敲到好处，在这个人们已经静不下来欣赏”挤眉弄眼“时，强烈的旋律和多样的变化，强烈的迎合情节，喜欢听音乐的朋友看片肯定会很兴奋的。

歌舞也对演员提出了很高的要求。

因为看歌舞青春大热，就知道，要想复制雨中曲的舞步已经不太现实，但本片真的做到了。

特别是男主，拿奖也就水到渠成了。

真的，艺术家的表演绝对口吃的国王好看。

强烈推荐。

简直棒呆!好感还是基本得益于男主的表演。

原本沉浸在一位没落艺术家的骄傲与格格不入中，我仿佛看到许多艺术家在绝望中挣扎并消逝。

谁知峰回路转，柳暗花明，结尾竟然又以"蹦擦擦"结束了。

法国人那刻进骨子里的浪漫像一把小锤，总能"砰"一下敲碎我冰封的世界。

它一次次出击，我一次次中招，乐此不疲。

1、迄今最佳影片9部提名作品看过6部，无疑，作为韦恩斯坦片，本片在最佳影片上赢面最大。

然则这货根本不是一部默片。

怎么说呢，每一个镜头，构图、机位、角度、用光，都跟真正的20年代电影差那么一点点，更不提运动了，累积起来差的就不是一点半点了。

举一个我比较熟悉的例子，影片结尾两人模仿金姬罗杰斯和弗莱德阿斯泰尔那一段，按照Mark Sandrich的拍法，绝对不可能有那个升降镜头，另外，如果一段舞中间要换镜头，绝对是同机位的全景跳接，景别稍有变化而已。

这个例子不甚合适，是有声片段落的，默片的比较就要看截图党了。

所以我觉得，伍迪艾伦或者索德伯格看到这部片子一定会笑的。

前者是戏仿高手（虽然没拍过默片，但是在[变色龙]和[开罗紫玫瑰]里模仿30年代电影惟妙惟肖），后者是技术狂人，且看[德国好人]，完全照40年代电影的工业标准来做，包括背景放映、录音技术等等。

不是说你夸张一点，不说话，打字幕就是默片了。

2、但是[艺术家]确实有优异之处，这种后台故事本身就讨巧，而默片向有声片转换这个历史时段，[雨中曲]作为所有大学的入门级电影，已经普及了这个后台故事以及其中人物的位置可能，所以不存在任何的观影障碍。

本片略带感伤的小情怀还是蛮戳人的，从最内里的情感线讲，本片拍得是“怀旧”，新与旧，发展主义，会成功地唤起观众（尤其是奥奖评委们）的年龄危机（饭店采访那一段）。

然后包裹在一个爱情故事之中，再包裹在一个自指式的电影故事之中。

而在这个年代拍这样一部电影是需要极大的勇气的，已经足以让人脱帽致敬。

3、极为精彩的戏有两场：其一，瓦伦丁做的那个梦，对声音的处理真是妙极。

问题在于，这货到底是不能说话还是不愿说话——这也是影片最大的问题所在。

如果它不是顶着一张默片的脸，我只好认为瓦伦丁是哑巴，或者声带有问题。

这个故事本身是不适合用默片拍摄的（尼玛，最后不还是有声音了么，这个梦不还是有声音了么！

你要怎么用默片形式表现有声片啊），而更合适的是用比如30年代电影来做。

这个梦拍得极好，正凸显了影片的这一矛盾之处。

其二，瓦伦丁在家中独自看电影那一场，银幕上自己的影子忽然消失了。

显然，用一点麦茨，银幕作为镜子，瓦伦丁观看自己的影片显然是照镜子，自恋也罢，但他是可以看见，或者照见自己的；而影子消失，正是“在镜子中照不见自己”，所谓无法被询唤，新的电影秩序之中，已经不再有默片演员的容身之处。

4、大萧条和金融海啸无疑有一种互文关系，这也是片中瓦伦丁自导自演的[Tears of Love]票房惨败的直接原因（有趣的是影片极大地淡化了资本运营层面的内容，即制片人的角色），尼玛经济都这样了，你丫还敢拍悲剧给我们看啊。

这是隐含的文本，所谓电影的功能，在那么个或者这么个时代，抚慰是第一位的。

即使你有奇观，有异国风情，是大制作。

进一步来看，这个故事还有一个很有趣的读法，这一次是女人拯救男人，而且不仅是报恩，而且是迷恋。

这一条线写的也有问题，瓦伦丁的老婆除了cos公民凯恩里的苏珊，说两句“talk”的双关语之外简直就是个活动人偶，而米勒妹子对瓦伦丁的感情也铺陈不足，基本是戏一过半豁然就对他爱的死去活来。

所以这个故事呈现为一个女演员以一种变通的方法（歌舞片）拯救了一个男明星，一个女人拯救了在金融危机中落魄的男人，换喻则是拯救了电影（电影艺术？

），或者父权结构。

问题在于，瓦伦丁真的可以代表“伟大的电影艺术”么？

显然不是。

从一开始到最后，所有的片中片都是再通俗不过的商业电影。

“艺术家”看起来简直是讽刺。

从这个角度看简直在说“过时的就是艺术”。

如今谈古典好莱坞，谈到的那些都是最优秀的电影。

这里面还有个命名机制的问题。

而如瓦伦汀这样的演员，不知有几部能名列其中。

5、而联系颁奖季其他几部影片就很有趣了。

[后裔]是一个单亲家庭，父女之家关系修复的故事，母亲，或女人，为自己的出轨付出了生命的代价。

很有意味的是，当她成为骨灰之后，竟然难得地拥有了视点（克鲁尼扮演的马特在船上捧着骨灰的那个反打镜头，以及水下的镜头）。

与[盗梦空间]和[在云端]类似，如果这是美国的主流价值，[艺术家]显然与之有别。

而magasa谈到的那个有趣的观点，[午夜巴黎]和[雨果]都是美国大导演跑到欧洲去歌颂“欧洲传统”（尽管我以为[午夜巴黎]根本不是欧洲传统，但起码是一个表象上的欧洲），[艺术家]反而是法国人来为古典好莱坞唱赞歌，这个悖反实在太有趣了。

三部影片都主打怀旧牌，而且无一例外，选择的都是冷战之前的年代。

这似乎说明了某些问题。

如我前文指出，[艺术家]显然联系着金融海啸之后的世界状况，我想真正说明问题的是戛纳的奖项归属：更为美国主流价值（修复的是经历六十年代的父子关系）的[生命之树]拿了大奖，不管是不是主席票，但它说明某种法国或者欧洲内部的“美国情结”，更何况这确乎是部艺术片，戛纳也向来喜欢表彰好莱坞体制内的“他者”；[艺术家]则仅仅收获影帝，而它在美国的好评度甚至可以说是始料未及的，尽管它与美国主流叙事仍有这样那样的微妙差异。

所以我想，最终起作用的还是强大的怀旧力量，即使观众们没有看过什么默片，但是他们可以去想象默片，正如[午夜巴黎]去想象20年代。

而这部影片实在太过讨巧，甚至可以说是乖巧，一如其中那只小狗（其实cos的不是丁丁而是1905年的默片[义犬救主]啦）。

默片确实是个很好的噱头，不过应该只此一次，不可模仿。

但愿[艺术家]拿下最佳影片的同时，把最佳导演和影帝都让出来吧。

允许学院评委们怀一下旧（我真想看[雨果]啊），不过适可而止吧。