罪人

《罪人 Sinners (2025)》五星。

演瑞恩·库格勒 Ryan Coogler，生于1986年5月23日。

2013年，27岁时首部作品《弗鲁特韦尔车站 Fruitvale Station (2013)》面世。

该片讲述的是一个类似于「我不能呼吸」的黑人故事。

一贫民窟黑仔涉毒入狱，出来后想悔过自新，但囊中羞涩。

再次和涉毒兄弟们混在一起，不过尚未再次犯错。

坐地铁时路遇牢里的白人仇敌，发生争执。

被赶来的白人警察殴打之后，背后开枪当众处决。

此事件引发骚乱，库格勒演绎美化之后，拍成电影，引发轰动。

于是，他有机会吸引投资，拍摄了后来的漫威「黑豹」系列。

.《黑豹 Black Panther (2018)》《黑豹2 Black Panther: Wakanda Forever (2022)》以及定档的《黑豹3 Black Panther 3 (2028)》很多人嘲讽黑豹，说这是对「黑豹党」的阉割和侮辱。

没错，但也不全对，至少现在我不这么觉得了。

因为，2025年，全员黑人制作《罪人 Sinners (2025)》面世。

片中设定，充满隐喻，仁者见仁，我的猜测不一定对。

只能说，目前按这个猜测来解读，片中细节都说得通，且可以呼应导演个人经历。

说隐喻的「过度解读」前，先插一段导演的人生轶事。

几个细节：一是导演去银行取钱，核对过身份，也输对了密码，只因他是个黑人且戴着口罩（钉子户），被一个同为黑人的女柜员报警，称他是劫匪。

二是来抓劫匪的警察里，有一个警员也是黑人，不管三七二十一先给黑人导演上手铐。

三是给导演开保姆车的司机也是黑人，因肤色而被怀疑是劫匪同伙，一并扣押。

四是导演一见警察就主动背手等拷，全程丝毫不反抗，最后误会澄清了，警察说要给他留电话要纸笔，他也绝不主动伸手掏东西，生怕被警察找到一丁点机会当场击毙，娴熟得让人心疼。

了解了这些轶事，结合导演的首部作品，再看《罪人 Sinners (2025)》。

非常有味道。

.我的解读——不一定对。

印第安原住民被灭绝 ，一代移民爱尔兰异化为吸血鬼，殖民地主盎萨白3K，用新叫伦理和资本主义精神，来洗脑黑华等少数族裔。

这是初始设定，在故事推进中，爱尔兰裔先做了盎萨的狗（工贼、政团、选票），于是这只吸血鬼找到了新的生态位，充当被资本异化的消费主义下的大众文化，它们包容一切，但抹杀本源。

来了就是国际公民，不存在什么母国和原生。

华男沦陷，被吸血鬼感染，华女拒绝被同化，为保护自己的孩子，母性（民族性）觉醒，与变异的丈夫极限一换一。

黑哥拒绝放弃人的自由，不愿像黑弟一样拥抱吸血鬼的自由，于是，他晚上击退吸血鬼，他白天反杀白3K，他亲手送走代表巫毒萨满原生黑人文明的爱妻，他自己如英雄一般死去，他就是真正的黑豹，不是被漫威阉割驯化的、被导演自己拍出来的黑豹小丑，而是历史上真正与共联手、与白人斗狠、并被暗杀殆尽的真黑豹。

英雄必须死，尤其是在美国，因为美国只允许「美式英雄」活着。

导演借消费主义吸血鬼之口，嘲讽新叫伦理，否认爷火华的存在，可导演自己又着基邪的「原罪」的壳，来讲述「罪人」的故事。

在这个故事里，人皆有原罪。

此罪，唯反抗可赎。

但明面上有种族3K屠杀，暗地里文化吸血鬼洗脑，反抗者必死，无罪者皆已死去。

.故事最后，两个罪人活了下来：白天，口琴老黑所代表的真正的黑人音乐牺牲了自己，换来阉割改良版的蓝调黑孩文化在白人的胯下献媚。

暗夜，黑弟成为消费主义豢养的说唱走狗，搂着肤白奶大的黑白混血女尖果儿，金牙厂牌，做长生不老的文艺弄臣。

幸福吗？

自由吗？

一个是太监，一个是娼妓。

告别的时候，永别的时候，黑皮肤的该隐说：那是我最后一次见到我的（黑豹党）哥哥，也是我最后一次看到（黑人的）日出。

在（我被吸血鬼同化为奴）之前的那几个小时，我们（黑人）曾拥有自由。

罪人有罪，但罪人毕竟还活着，只是为了活着而已，这也算有罪吗？

为了有机会拍《罪人 Sinners (2025)》里的真黑豹，先向好莱坞白人文化圈献媚，拍几部小丑般的假「黑豹」，是罪人吧？

有原罪吧？

影评里有人调侃，说陈思诚快来翻拍。

确实有点道理——黑人版陈思诚。

先把唐探IP立起来，商业票房100亿，转手就是唐探1900亮三观，救中国。

.《罪人 Sinners (2025)》的癫，拍出了「做一个吸血鬼」的巨大诱惑，居然不在于美女和永生，而在于「自由」。

虽然这自由并不是做自己的自由，而是被资本同化（即被资本异化）的自由，但至少施舍了活着的自由。

《罪人 Sinners (2025)》的狂，拍出了「做黑人真好」的种族自豪感，这种自豪居然真的可以无视肤色，根植于智人的内心深处。

民族的才是世界的，爱自己民族的作品，才会撼动这个世界。

罪人的剧本结构是典型的双幕剧，它和三幕剧的不同关键点在于转幕点。

双幕剧的转幕点是革命性的重塑，颠覆世界的改变，比如前半段是携款潜逃的女人，后半段是追查惊悚的《惊魂记》；前半段是男人偷车逃亡的，后半段是男人女人在巴黎游荡的《精疲力尽》；前半段是一家子冒充顶替潜入富人家的喜剧，后半段是地下室的刺刀见红和血色生日宴，其他的还有搏击俱乐部，婚姻故事，消失的爱人……可以看到双幕剧的电影大部分都是惊悚犯罪的，因为它一般是从天堂到地狱，比如本片双胞胎建设家乡，吸血鬼大闹酒吧。

从秩序到混乱，重点看法国新浪潮的电影。

从无知到真相，搏击俱乐部那些巴黎铁塔之究极反转的电影会让你张大嘴巴（只能究极反转，不能反转再反转）。

基本优点已经出来了：结构简单，戏剧冲击力强，悬念十足，高潮不拖沓。

这么多优点？

为什么创作者还把三幕式当做标准范式呢？

因为缺点是致命的，首先要转折够硬，你的转折不能是我出去买菜，天空下起暴雨，至少得是我出去买菜，天空下起刀子这种。

（充分必要条件）你颠覆完世界之后呢？

新世界的世界观是怎么样的？

又要重新花时间解释观众都要睡着了……本片的优势在于，我不用解释啊，圣经是全世界最著名的故事，吸血鬼的传说我奶奶都知道，那就按规矩办事呗。

（充分必要性条件）某种意义上，双幕式的割裂感太强，几乎同等于三八线，两个挨不着边的故事啊，甚至有的双幕式电影主角都换了（希胖：你们就学吧）。

那观众看谁啊？

如同本片一样，我到底是看兄弟创业，还是看小表弟弹吉他，混乱是这类电影的常态。

（头晕是对的……）最关键的还是人物成长，故事看的是变化，但人物就是故事，人物不转变，故事不精彩，你的人物要像马丁的早晨一样，每次亮相都给观众期待和惊喜，那才是好故事。

双幕剧很难做到这一点，因为，主角，连目标都不一样！

前面主角要的是月亮六便士，后面主角只想回家见爸妈。

所以，你看看本片的那些情节对小表弟选择成为音乐家有实质性的帮助吗？

他不是早就决定了吗？

所以，经历这一切干嘛呀。。。

为了联盟！

真的，本片的隐喻其他影评都点出来了。

既然本片是个黑色电影，那我加一点黑色理解，他们想联盟呀，想借助其他力量走到二楼抽大烟，喝红酒，看美妞，赚大钱。

那这就是他们的局限性了，同样是流血争取来的生存，我们想着的是建立自己的联盟，而他们却只想融入，保不齐他们融入后会更糟糕呢。

白的就挺好的，加黑的干嘛？

别误会，我说的是冰淇淋为什么要加巧克力，这就是两种东西啊。

瑞恩·库格勒最早从社会现实主义起步，处女作《弗鲁特维尔车站》取材真实事件，随后通过《黑豹》被超级英雄电影封王，又以《奎迪》为《洛奇》系列注入新血。

新片《罪人》绝非一部可以用类型来定义的电影，以1932年密西西比三角洲为舞台，将黑帮史诗、南方哥特、超自然恐怖熔于一炉，将视听利刃插入美国种族史，剖开文明融合的虚伪皮囊，直抵文化掠夺的残酷本质。

《罪人》的“历史片+恐怖片”双核结构引发两极评价。

前60分钟“去类型化”：棉花田的屈辱、巴士让座的刺痛，库格勒以人类学视角凝视黑人日常。

这种“慢燃烧”挑战观众耐心，却为后续超自然冲突注入历史重力——当吸血鬼撕碎酒馆大门时，观众已然理解：超自然恐怖远不及现实种族主义的万分之一。

电影中吸血鬼需被邀请才能入屋的设定，成了黑人保命的脆盾，但这是个讽刺。

当格蕾丝为救女儿嘶吼“都给我进来！

”，铁律崩塌的巨响比木桩穿心更刺耳，规则从来是强者给弱者的安慰剂。

第三幕吸血鬼围攻被批套路化（木桩穿心、银器圣战），但也是库格勒刻意用B级片元素解构“英雄神话”——当双胞胎持枪血战化成灰烬时，升格镜头捕捉的不是英雄荣光，而是肌肉颤抖、汗血混流的狼狈。

这是对《黑豹》瓦坎达浪漫主义的背叛：真实的抗争从不是炫技，而是血肉磨盘里的垂死挣扎。

类型在此刻沦为祭品，献祭给更疼痛的真相。

华人在这部种族议题的电影中一扫此前工具人的惯式。

华人杂货店的长镜头堪称空间政治学的典范：镜头跟随双胞胎哥哥进入父亲周的黑人店，女儿海伦娜被差遣穿过街道进入母亲格蕾丝的白人店，再随格蕾丝返回。

这一镜到底的行走轨迹，复刻了种族隔离的物理鸿沟，而华人夫妇成为黑白夹缝中的中介，隐喻少数族裔在系统性压迫下的生存策略。

同时，当3K党与吸血鬼双重威胁降临时，华人家庭以实用主义哲学周旋求生：既供奉关帝像又储备驱魔大蒜，文化被杂糅成为护身符。

极为亮眼地，这部吸血鬼电影还是部音乐片。

路德维希·戈兰松的配乐不仅是背景，更是叙事引擎。

R&B唱作人迈尔斯·凯顿首次触电，饰演天赋异禀的少年蓝调吉他歌手萨米，当他弹奏《我对你撒谎》时，库格勒采用声画错位蒙太奇：鼓点对应非洲部落舞者，京剧锣鼓衔接翎羽翻飞，蓝调吉他撕裂时空帷幕，音乐成为文化DNA的载体。

吸血鬼雷米克垂涎的岂是少年肉体？

他嗅到的是蓝调中未被驯服的野性，是黑人用痛苦酿造的、能刺穿永恒虚无的力量。

当萨米以上帝之名对抗吸血鬼，雷米克竟同步复诵祷词：“这些话是英格兰人逼我父亲念的……我恨他们，但它让我安心。

”基督教曾是奴役者的精神枷锁，而信仰的武器被敌人熟练使用，才是真正的精神阉割。

蓝调在此刻响起，它从来无关风月，而是从鞭痕里长出的荆棘。

《罪人》的不凡，在于它拒绝成为任一种意识形态的喇叭。

当萨米在片尾紧握断裂的吉他，拒绝牧师父亲与吸血鬼的双重规训时，那声刺耳鸣响是穿透银幕的宣言：蓝调不是棉花田里待割的作物，不是吸血鬼的杯中琼浆，它是钉进黑夜的骨钉，是连幽灵也驯服不了的野火。

电影在放映时使用了26盘胶片，重达300磅，库格勒用这样的重量压向流媒体时代的轻浮。

当大部分导演沉迷于续集流水线时，他偏要在好莱坞心脏奏响带血的蓝调。

（061）

在充满类型复刻与审美疲劳的当代，《罪人》无疑是一部极具实验性与政治锋芒的作品。

它披着吸血鬼类型片的外衣，却将叙事深入至美国黑人历史的幽暗底层。

布鲁斯音乐、宗教、种族身份、文化同化、性别象征，这些元素被编织进一个关于“宗教与自由”、“种族与权益“、“分裂与同化”的多维语境之中。

它真正的锋利之处并不在于其类型“新意”，而在于它如何以吸血鬼神话为骨架，揉进黑人文化被奴役、掠夺与遗忘的历史现实，最终指向的是当同化成为生存的代价，我们还能否保有灵魂？

▪️黑人历史的五个隐线：从蓝调到3K党《罪人》并没有急于用对白告知观众它的历史位置，而是通过影像与音乐铺设出一条厚重的黑人历史轨迹：蓝调（Blues）：作为文化脉络被置于整部影片结构之中，它起源于黑人奴隶与佃农在南方棉田中的哀歌，原是对苦难、抗争与灵魂的咏唱。

但随着白人唱片公司的商业化介入，布鲁斯逐渐被简化为一种“娱乐形式”。

棉花经济：南方的黑人奴隶全年无薪无休，禁止识字读写，只能靠干体力活存活；北方的白人工人虽工作十二小时，却能领取薪资。

种族隔离制度：它以空间划分，以巴士为例，公共巴士上划分“白人区”和“黑人区”；黑人必须坐在后排，前排专为白人保留；即使巴士很空，只要有白人上车，黑人也可能被强迫让座或站着。

同样发生在学校、车厢、厕所等公共场所。

芝加哥·北漂：20世纪北部的芝加哥在黑人心中的地位犹如“北漂”，是逃离奴役，改变命运的唯一途径。

芝加哥新建的大厂和铁路行业，代表着稳定工作，后代平等教育和自由的象征。

但自由的承诺，从来没有真正兑现。

3K党（Ku Klux Klan）：19世纪前期，美国北方工业化快，主张废奴。

但南方以种植园经济主，依赖奴隶制。

内战之后南方被迫废除奴隶制度，但分歧未完全解决，南方前士兵成立了一个3K党的邪教组织，他们通过私刑、焚烧、绑架与处决等“净化”手段继续延续奴隶制“已废实存”的暴力统治。

这些线索并非直接铺展，而是潜伏在布景、音乐、对白、乃至人物选择中，像一组文化地层，在观众意识尚未察觉前，就已将他们裹挟进一场记忆与象征的深井。

▪️镜头与画幅导演选择了 IMAX 70mm 胶片拍摄，在当代数字影像主导的背景下，这是一种罕见的、几乎带有政治意味的选择。

70mm 胶片保留了画面颗粒的粗粝感，让肤色、伤痕、眼神都具备了未曾被历史清洗的凝视张力。

在众多长镜头的运用中，有一段场面处理尤其精妙：Lisa（亚裔女儿）从黑人店铺走出，穿过街道，到对面的白人店中去找Grace（亚裔妈妈），Grace又走进黑人商铺谈价。

整个过程通过一镜到底拍摄，没有剪辑跳跃，却在视角上完成了从“黑区”到“白区”再回到“黑区”的空间循环。

这不仅是一个长镜头，更是一种社会空间结构的重现。

在密西西比的种族隔离时代，华人商铺因特殊族群位置同时向黑白两方开放，成为某种“中介地带”。

导演以这个看似日常的行为，嵌入了三层关系：黑人、白人、华人之间的经济互动；种族分区制度的实际运作；以及女性角色在其中微妙而多重的中介作用。

影片中多次使用蒙太奇手法，印象深刻之一是黑人派对的集体舞蹈与楼下打斗场景的交叉剪辑。

楼上，音乐高涨，身体律动密集，黑人群体在跺脚、吼叫、鼓点与汗水中释放压抑与归属；楼下，则是沉默的、混乱的、带着血腥和暴力的搏斗。

两者节奏一致，画面交替，这是一种文化与生存方式的垂直并置。

上层空间象征着黑人文化短暂的自治、狂欢与精神释放，而下层空间则象征了结构性暴力、掠夺与无声的压制。

导演采用了双重画幅结构进行表达：2.76:1 的极宽画幅，展示南方种植园与压抑结构的封闭感，承载的是历史压迫、制度暴力与“被观看”的经验；1.43:1 的IMAX画幅，则打开了个体视角，赋予个体行动、反抗与诗意存在的空间。

画幅的切换不仅是一种视觉语法，也是在进行一种叙事立场的转移：从被观看的“历史对象”到拥有主张的“文化主体”。

这两种画幅同时运作，构建了一个不断在压抑与突破之间游移的世界，也让影像语言本身成为一种表达抵抗与身份张力的手段。

▪️吸血鬼隐喻：文化掠夺与制度性同化当吸血鬼以奇幻形式突入现实背景时，电影完成了它最重要的一次转向，从历史片转为政治寓言。

吸血鬼不只是怪物，更是对白人进行文化掠夺的具象化表达：他们既通过暴力吞噬个体，也用亲情、金钱、认同等“软性手段”诱导黑人加入其阵营。

而这种加入，往往伴随着文化身份的丧失。

影片中吸血鬼最大的目标从不是“杀人”，而是夺走你”背后的故事”，使其同化。

这同样映射到对于少数族裔文化无情的挪用和夺取，电影里也有很多台词和镜头隐喻了这个观点，比如 Delta Slim（老头钢琴家）说白人喜欢听布鲁斯却不喜欢创造布鲁斯的黑人、吸血鬼本来唱着爱尔兰民谣但”同化”了黑人之后，他们改变节奏并开始唱起黑人音乐。

更隐晦的是影片中对宗教符号的挪用，比如Sammy（萨米）被白人吸血鬼反复按入水中，那一幕几乎是一场反转的“受洗”仪式。

他不是被赋予新生，而是迫使他放弃自己的灵魂。

💭 开放式思辨：其中一处我注意到的设定，是两个“灾变触发点”均由女性角色承担：一位拥有部分黑人血统的白人女性Mary（玛丽）在被同化后进门开始迫害黑人。

另一位是亚裔母亲（Grace），设定中，吸血鬼没有屋里人的邀请，不能进入屋内咬人。

她为保护女儿大声呼喊：“Come on you m*f*!!!”给予吸血鬼合法进入屋内的权利。

这两个“开门”的行为，是否暗示女性在文化结构中的双重位置？

既是中介者，也是系统利用的对象？

又或者，她们是压迫机制中最早被“劝降”的牺牲者？

另一处模糊地带是宗教。

教父要求萨米“放下吉他”，放下过去、民族、灵魂，以换取和平。

这种“放下”是否反映了教会在历史中要求黑人顺从、压抑记忆的立场？

还是说教会也是一种控制人民的手段？

但最终萨米没有放下吉他，选择了自由与独立意志，真正的和平不建立在遗忘之上，而是在记忆中挣扎出来的。

电影的结尾也极具多重含义。

一方面，Smoke（史莫克）拒绝成为极右和3K党的帮凶，选择同归于尽，获得了与妻子和孩子的精神重逢；另一方面，Stack（史塔克）与Mary（玛丽）的爱情只有在两人都成为吸血鬼后才得以抹去边界，他们的身份差异被消除，但也必须永远生活在黑夜。

这种“见光即死”的设定，令人心碎，也带有强烈隐喻：被同化的爱情看似获得自由，实则永远隐匿在阴影之中。

▪️年老的萨米和仍然年轻的史塔克在结尾的对话：「那天对我来说是难忘的，对你也是如此吗？

」「当然，那是我最后一次看到我哥、最后一次看到太阳，在太阳下山前，在那几个小时，我是自由的。

」阳光尚未落下，象征着真实、自我、未被吞噬的存在，而那短暂的自由，是在历史、文化与身份被消解前的最后时刻。

他们活下来了，但活下来的方式，是与白人包装出的“新黑人文化”妥协，是放弃布鲁斯的历史负重，转而融入一种更被市场接受、更易于消费的文化外壳。

这不仅是一种生存策略，也是一种文化断裂的隐痛。

罪人是当下最火的片子，它代表了一种流行趋势，类型片想要拍出新意越来越难，动作片的武器要推陈出新，《芭蕾杀姬》里玩起火铳对喷和冰刀杀人，那么为什么不干脆把各个风格的电影结合起来，既让观众永远猜不出剧情走向，又符合时代热度，观众渴求密集的信息，越密集越好，两小时装得下四小时的内容，观众才有不虚此行的感觉。

获得奥斯卡最佳影片的《阿诺拉》就是这个类型，前半段疯狂炫富和情色结合，中间找伊万是黑色幽默，结尾的纯美爱情又把氛围拉向罗曼蒂克，你永远不知道下一幕大家要干什么。

单看简介，《罪人》不知所云，黑帮片，歌舞片，吸血鬼来了又走又来，全片以黑奴棉花种植园为背景，观众大呼过瘾。

类型片混杂的同时，导演保留了美感和意义，这是《阿诺拉》没能做到的地方。

萨米抱着自己心爱的吉他，演唱着黑人文化影响下产生的蓝调音乐，“据说，布鲁斯的演奏者本人是在用灵魂演唱，因此他的音乐直通天际，指引着过去和未来，布鲁斯诉说着黑人奴隶生活的苦闷、痛苦与渴望，融入了非洲音乐的强烈节奏，和欧洲音乐的风格 ” ，“蓝调不像宗教，是白人强加在我们身上的，蓝调是我们从家乡带来的”。

萨米召唤来非洲的祖先，电吉他，电音DJ，街舞，说唱，非洲鼓，京剧，现代舞，音乐里没有人种，没有高低贵贱，没有过去未来，所有人都在一维平面享受音乐和舞蹈。

“通过这种仪式，我们疗愈族人，并获得自由。

” 萨米的演奏也吸引了邪灵的光临。

吸血鬼是坏的，他们吞噬其他人，妄图抢走山米，目的是为了通过音乐重新见到自己的族人，把所有阻挡的人都变成吸血鬼，他们说的也是实话，“这个世界已经放弃了你们，不让你们开创机会，也不给你们归属感”，当吸血鬼很平等，共享所有记忆，也没什么族群之分，目标统一。

他们才像一整个大家庭，还能给你永恒的承诺，永远。

吸血鬼还提供了关键信息，卖给两兄弟仓库地皮的霍格伍德，是3K党的首领，即使今夜没有吸血鬼，两兄弟今晚大赚一笔，明天霍格伍德会带领一群白人扫荡一切，他们还是一样会被夺走所有。

这里为吸血鬼的存在提供了必需的理由，没有他们，一切其他的变数都不会产生，美好过后是一片废墟，就像黑人当时的命运一样。

吸血鬼的身份把一切拉平，应该相亲相爱的人继续在一起，换一个身份在一起，就像末尾的斯塔克和玛丽，黑白的身份阻碍她们在当时永远不可能在一起，变成吸血鬼可以解决这个问题，永远永远在一起，永不疲倦。

不过斯莫克不会选择这条路，他亲手杀掉被吸血鬼咬的妻子安妮，她们还有一个孩子，一个可能上了天堂的孩子，孩子是他和吸血鬼之间的阻拦，如果变成吸血鬼，意味着她们的灵魂将永远困在这具身躯里，不得解脱，也无法与那个可爱的白色小婴儿重聚，他的孩子，他当然不会选那条路。

所以他和弟弟之间有一道天堑，他们再也不会见面了，以何种身份都不可能。

末尾，萨米和斯塔克、玛丽一起回忆起当时，“但是在太阳下山之前，我想那是我这辈子最棒的一天”，年轻的他们和最棒的音乐，压迫也不能改变。

斯塔克回答，“毫无疑问，那是我最后一次见到我哥，也是我最后一次见到太阳。

在那几小时里，我们是自由的”，无论吸血鬼是否出现，无论最终结局如何，曾有一刻，我们是自由的，生来自由。

1.罗红，谢群英，张静：《蓝调音乐与黑人文化》，武汉科技学院学报；2006年6月。

《罪人》的底色其实是一部b级片，在戏剧与画面的配比上非常标准，前者极其薄弱，只在第一阶段有“文本剧情”可言，且用最直观简单的方式，让人物几乎依靠口述输出的程度，直白地交代了各自的定位。

它的长处，在于B级片形式的极致化升级、赋意，将它标志性的架构、表达方式，做了表达层面的延展，借由音乐片与大尺度动作片的两阶段类型，以及B级片特长的强情绪，给出了比较完整的主题系统。

第一阶段的文本剧情围绕着金钱，黑人兄弟在芝加哥得到了金钱，扭转了物质阶层，从被白人剥削变为开头的剥削白人，强买酒吧，随后与黑人、亚洲人交易，灌输了与白人对等金钱买卖的观念，扭转他人。

这也与肉体层面的力量剥削联系在一起，开场时黑人兄弟用枪支威慑住了白人农场主的枪。

影片的前半部中，在文本之外，导演发展了音乐的主元素，将动听的旋律贯穿始终，由此对接到了黑人精神根基的蓝调布鲁斯音乐，以此作为他们对抗白人种族剥削之霸权之时，自身族群文明的凭依。

第一幕从此出发，建立了音乐乌托邦的国度，即具体环境的酒吧。

人物在最简单的剧情的引导之下，一步步地摆脱了白人与黑人、男人与女人，包括对亚洲人的观念屏障，以音乐的名义汇聚到酒吧，载歌载舞，而种植园的场景也出现在蓝天白云的背景之中，伴随着音乐，逆转了其种族剥削感。

但是，一切的基础都是黑人兄弟的枪，威慑白人农场主，而他们扭转的第一个黑人，也是通过枪击对方，制造肉体的创伤。

这形成了他们对肉体的剥削，对应着白人对黑人奴隶的肉体剥削，以及让后者为自己榨取金钱的物质剥削行为。

而在第一阶段中，男女的爱情同样体现为激烈的性爱，由此冲淡了剧情层面的白人富家女与黑人贫穷男的破壁之爱，其性别、物质、种族之三重阶层分化的精神与情感意味被弱化，激发到极致的形式依旧是肉体的性爱。

到了第二幕，吸血鬼的元素出现，肉体剥削与肉体暴力得到了发扬光大，变成了最直观的撕咬与流血，肉体本身的改造。

性爱与撕咬时扑倒的姿态对等起来，兄弟与友人之间的互动也变成了拥抱后的撕咬，彻底去除了所有的精神属性。

所有人就此成为了单纯的吸血鬼动物，正是最极致的被剥削（剥削掉了人类的精神）。

也只有以这个形式，他们才能真正反击白人，用手枪延伸的撕咬形式，以肉体暴力与剥削反击白人对自己肉体的奴隶剥削，吸取对方的血来反击白人对自己榨取金钱物质的压迫。

这改变了整个环境，音乐的酒吧变成了白人欺骗他们所掩盖的“屠宰场”，且是最极端的吸血鬼互咬的形式。

然而，这也恰恰注定了其反抗的无效，最开始即是白人农场主对他们的欺骗，而他们在第一幕中也在用枪支制造肉体的暴力，而非真正的一切依靠精神，他们在芝加哥的“转变地位起点”也依靠了抢劫。

第一幕中，兄弟看到了白人卖给他们的毒品，流通在黑人与亚洲人所在的街道，与金钱放在一起，暗示了此间世界的被剥削生命、吸取金钱之实。

第一幕中，街头买卖、邀请众人加入酒吧舞会的段落，长镜头强调了空间的一体感，黑人兄弟穿梭其中，似乎改变了所有人与环境本身，实际上流通此间的却还有白人投放的烟草。

而在酒吧起舞的时刻，当代打扮的嘻哈打碟黑人，印第安祭司，中国京剧，同样加入其中，慢镜头中的酒吧成为世界非白人与多时代之人的文化交汇之地，一起用精神文明纽带维系在一起，反抗白人与男性的压迫，环境却烧成了灰烬。

这暗示着环境的黑夜本质，众人只是白富人阴谋导致的黑夜活动的吸血鬼，而燃烧的周围更是他们终将“被白日太阳烧死”的宿命。

第一幕中，白人穷人被农场主控制的白人吸血鬼所同化，成为了物质阶层上的弱者，被压榨了生命，又同化了白人底层夫妻。

他们三人组成了夫妻原本身份、且人数直接明示的三k党，具体地压迫黑人，打破其酒吧而成为屠宰场。

到了第二幕，导演直观地让人物面对吸血鬼亲友的动之以情，精神情感被折辱，对吸血鬼来说不过是肉体剥削的手段，而活人最终也会被同化，从而建立彼此唯一的肉体联系，情感也是以此为基础的“我能看到他的记忆”。

而人类一边的酒吧内，则是众人对外面吸血鬼亲友的动摇，以及彼此不确定是否被咬的精神纽带破损，最终亚洲女被刺激母爱，引领了反击，却也迅速被肉体撕咬而攻破、同化。

瑞恩库格勒导演做大了b级片的肉体、色情、暴力、血浆的一贯要素，让他们成为了白人、男性、物质剥削各种弱势者的直观象征，构成了第二幕，而第一幕中则是白人吸血鬼驱赶印第安原住民问询的段落。

此外，库格勒又在第一阶段带来了质感十足的音乐片，呈现黑人的文化，以及众人摆脱隔阂、汇聚一堂的戏剧层面内容，而作为个体情感联系的，外显示形式，再由第二幕的屠宰场去打破它，意味着白人对弱势者的精神碾压与文化入侵，是剥削的开启。

到了第三幕，导演更是再接再厉，进一步发展了表达。

黑人少年回到了礼拜堂，看着父亲带队的黑人基督教群体，却没法祷告求宽恕，吉他也不可修复，因为白人才是基督教的主创与定义者，本身存在就是对其他人的压迫，强行要求其皈依。

在平行剪辑之中，黑人哥哥在杀戮白人农场主，男孩则麻木地接受教堂仪式，手里的吉他始终破烂，对比出了后者的正确性。

而在二十一世纪，男孩似乎进入了一切平等的当代，酒吧与音乐回归，但黑人哥哥与白人女孩来访，打破了一切的转变，世界并无改变，而哥哥对兄弟亲情、联手逆袭的闪回也停留在了“日落之前”的部分，即乌托邦的音乐片，作品的第一幕，随后则是注定到来的黑夜、吸血鬼，而白天也让他无法真正迎接阳光。

黑人男孩同样说着“黑人来临前”的梦境，一切都是幻觉而已，最终二人打成了某种和谐的共通，却是基于自身族群未来的消极感。

弟弟走出酒吧，一切都将延续下去。

在结尾的部分，黑人弟弟的杀戮与白人男孩的接受祷告剪辑在一起，前者才是真正有效的手段，后者则只有黑人男孩的麻木。

剪辑的处理上，前者反而伴随着舒缓的第一阶段音乐，后者则是凌厉剪辑之下的黑暗、男孩的麻木、断了的吉他，但前者的肉体层面剥削无异于走上白富人阶层的道路，无异于被同化的事实性“被剥削掉纯良本心”。

黑人哥哥知道自己在芝加哥之起点上的希望虚无，注定了此间的一切结果，因此不停想让男孩远离，得到真正的希望之未来，但男孩虽然逃出了酒吧，却终究没有获得未来的改变。

导演紧密围绕着b级片的诸多要素，又用成了自身主题的表达途径。

黑人女人反抗白人男人的霸权，是黑人b级片的主流内容，但本片完成得无疑非常精妙，甚至借用了b级片一贯薄弱的戏剧文本，让它恰恰凸显出了内容的不切实，而在画面的暴力、性、血浆等肉体层面之上，则是极度放大，强调其有力，人物无法摆脱出来。

第一幕中的音乐，从作品到声画结合，都完成度极高，烘托了乌托邦的美妙气氛。

第二幕的杀戮与恐怖、吸血鬼电影的氛围，恐怖片常规的”倒霉蛋”小组，同样成熟得无话可说。

并且，第二幕中白人与其他吸血鬼的合唱，运镜同样有童话感，旋律同样优美，却呈现在黑色调与众人环绕移动的诡异气氛之中，歌声是他们精神的纽带，却掩饰不掉嘴边带血的本质，肉体被剥削导致的吸血鬼之身，而黑人文化音乐也变成了白人主唱，被剥削与抢夺了。

在这里，我们显然看到了库格勒在《黑豹》中的表意痕迹。

他以黑人最纯粹原初的部落文化特质，承载当代的物质科技力量，作为文明独立的根基，与白人纯粹物质（金钱）的文明产生差异，抵抗它对自己的同化入侵、抢占剥削，从序幕中的“抢振金”到反派表弟抢夺黑豹生理力量与政治地位“面具”的被同化状态。

此外，导演也给出了很强烈的画面美学风格，黑暗中的篝火带来的光暗反差，让这群人与其世界似乎成为了黑暗中的唯一光明，并逐渐只剩下弟弟与男孩，而最终到了当代，光线更亮，对人物的身份与心境却最为无济于事。

构图的部分同样重要。

第一幕的每一个外景，大自然的画面，都具备了上帝照顾一般的神圣感，而酒吧内部则是兄弟头上的亮光源。

在酒吧二楼，黑人弟弟与白人女孩解开矛盾，寻求联手对抗吸血鬼，头上是唯一的强光源，意味着神明对弟弟在黑暗中的挽救。

但弟弟最后离开了这里，在灰暗的白天杀死了白人农场主，他可以在白天得到绝对的阳光，并非怕白天的吸血鬼，却只能拥有阴天，而夜晚的亮光来自于人造的灯泡，也毁灭在了吸血鬼攻击的大火之中。

他无法对哥哥吸血鬼下手，人类亲情反而成为牵绊，亚裔女性想报仇的母爱同样导致了吸血鬼们的入侵成功，同样是对此的表现。

整个第二幕的神圣感，与画面上的肉体剥削相结合，无疑是上帝给他们宣判的唯一命运，即白人的压迫。

白人才是上帝，并非具体出现、无法救赎任何黑人的黑人牧师。

他们的本质即有罪，吸血鬼无法走入阳光即是原罪，对应着作为人类而对肉体的暴力与性之渴望。

黑人牧师无法抹除这一点，他们也只能以此反击白人的同样罪孽，对肉体的剥削欲望，但这源于白人对他们的行为，从剥削到导致他们吸血鬼化的阴谋，也让他们的杀戮终究背负了又一重罪孽，真正理想的出路精神文化情感则没有任何作用。

白人事实上成为了他们的上帝，确立了他们的原罪，又不像理想的上帝一样，不给予任何抹除的可能性。

这也对接了现实语境，黑人暴力而极端地反击、仇视着白人，这让他们失去了最正确完美的道德高点与合理立场，无助于最后的长期成功，只是激化矛盾，一起毁灭。

但是，它的根源是白人的剥削，甚至在当今时代也依然没有本质性的好转，依然在居高临下地压迫剥削，并成为高处而又不给予救赎的残暴上帝。

库格勒输出了极度悲观的观点，承认黑人运动的偏激与大概率的失败，又以此构成了对白人的矛头，更蕴含了对白人造成这一切烂局的极度愤怒。

这是斯派克李的《黑色党徒》，《为奴十二年》等作品中的通用表达，却比它们高明、艺术了很多。

向当代美国黑人重申“不要忘记他们对我们做了什么”的《为奴十二年》，失之于简单粗糙的“不够艺术”。

而在《黑色党徒》里，斯派克李在开篇就直接开火，用《一个国家的诞生》的片段混合咆哮着白人民族主义演讲的亚力克鲍德温，极具攻击性而有效地直接呈现了美国根深蒂固的种族主义思想，《一个国家的诞生》作为百年前的电影被各界认知为经典接受，而它的种族主义思想也延伸到百年后今天的亚力克鲍德温。

影片最终通过黑人主角持枪对准3K党的镜头，强调了黑人与白人的永恒斗争，煽动“战斗永不结束”，却又通过纪录片片段剪辑入“支持黑人的白人采访”来缓和政治思想的锋芒，既想表达自己的政治观点和对黑人白人仇恨的理解，但又小心翼翼，最终创作出了这样一部攻击性主题欲盖弥彰而又努力找平衡骑墙的语焉不详之作。

相比起来，《绿皮书》的观点则是更加具备现实意义的：一味地死抱着历史，不如着眼现在，一味强调仇恨，不如尝试共处---对抗的黑人与白人都早成黄土，对于当今的黑人、白人以及任何人来说，活在当下、活好今天，才是最具有切身价值的而带有愤怒的对抗，无疑不属于此列，而它的呈现方式也更加“艺术”，就此得到了超出《为奴十二年》与《黑色党徒》的成绩。

另一个非常优秀的黑人题材作品，则是巴里詹金斯的《月光男孩》，被认知为“北美王家卫”之作。

他用童话故事的氛围与表意语境，去表现当代美国社会中黑人的尴尬处境，想要让自己融入“白人”，摆脱“黑人底层”，却只能停留在白与黑的中间颜色“蓝”之中，一定程度的希望只是黑夜中月光的程度，无法彻底地摆脱“黑夜”而进入“白天”。

《月光男孩》的质感、情绪、构成世界，相对地独立、封闭、“隔绝现实”，其“摆脱黑人底层”的看似成功正是现实里屏蔽外界现实的“童话”。

它作用于主题的表达，随着影片的发展，“童话”本身就如同其达成的黑人同性情感关系一样，成为了美国主流社会与电影创作而言的“少数非主流”存在，也必然会在主人公的成长进程之中，随着他愈发接触到外部社会，其看待周遭生活的理想主义视角，与其“环境”本身的“独立封闭童话氛围”，都会暴露出自身的罕见与脆弱，逐渐地消亡殆尽，转为冰冷的黑人现实。

在三段的结构之中，不同的时代与年龄层次，让男孩对毒贩的看法从“和蔼哥哥”变成了“让自己母亲走上绝路的毒贩”，隔绝于外部现实的前者被后者的真相所取代，而影片“隔绝现实”的高度情感化世界也变成了脆弱的存在，意味着男孩内心、其眼中的主观认知之世界的变化，从绝对完美的状态逐渐被动摇，不可避免地接收到了外部现实的影响与改变。

强主观性始终存在，定义着影片作为男孩世界认知之心境的本质属性，而其世界的变化就带来了男孩对自己未来、黑人未来抱有梦想的沉沦，种族平权即是梦想之世，却终究只是儿童的天真幻想罢了，无法忠实于“童年第一段”地完整延续到“自己长大、沦为毒贩”的“成人第三段”之中。

比起这些黑人题材的作品，《罪人》的情绪与观点之强烈、悲观，尤有甚之，也找到了更加高明、巧妙、艺术化的表现方式，其完成度不亚于《月光男孩》与《绿皮书》，在丰富性上更有超越。

即使只是作为一部独立的电影，它同样是出色与有趣的，带着瑞恩库格勒的奇思妙想，独特的表意思路。

他依然“粗暴“，却找到了以粗暴为艺术魅力点的b级片风格，且与音乐片风格结合在一起，依靠两种截然不同、情绪与内容表达同样直观的形式，输出了正向到负面的情绪，从“喜乐激发”到“愤怒溢出”的粗暴。

在两种风格之外，库格勒也给出了宗教神圣感混搭自然原始感于与地狱绝望感的画面美学，表现他们身处的暴虐上帝、得到的“同化为肉体剥削者”之虚假拯救、实质性的深度沉沦与永久被剥削。

电影风格与画面美学，一并得到了极其高水平的呈现，而风格的转变过程、画面的多重意味，又加成了剧情的叙述，丰富主题表达，中和b级片本身的戏剧单薄问题。

它的主题依然是b级片的概念为主，主打强情绪，但概念的拆解更细致，与声画元素的结合更精准，情绪也更加强烈。

并且，乌托邦音乐片到反乌托邦r级片的完美转换，强烈声画带来的强烈情绪化氛围，熟练运用的b级片元素与内容侧重，其上升而具备的主题表意功能。

《罪人》是库格勒的技巧展示，也是他对自身愤怒的直接抒发，由r级片标志性的“直观而激烈”质感，彻底地发射出来。

文章首发公号：分派电影，每日推荐告别剧荒！

今年最受瞩目的影片之一，来了！

《黑豹》《奎迪》系列导演瑞恩·库格勒执导，迈克尔·B·乔丹领衔，老搭档重聚。

（瑞恩·库格勒&迈克尔·B·乔丹）4月份上映，全球票房劲收3.5亿美元，口碑更是逆天——烂番茄新鲜度97%，爆米花指数96%，IMDb7.9分，MTC84分。

最让人惊讶的是CinemaScore观众口碑获得“A”，成为该评分机构成立47年以来第一部获得A级评价的“恐怖电影”。

CinemaScore向来对恐怖片的评价非常苛刻，能拿到B-就足以证明影片的优质，这次的“A”以及其他平台的高分可谓含金量十足。

目前影片已经上线，豆瓣7.7分，除了褒奖，评论中不乏质疑与批评——“难看”“失望”。

有观众认为期待值如此之高的恐怖片居然一点都不“恐怖”，实在说不过去。

难道说，外网的好口碑是夸大其词？

小派先简单说说自己的观感，影片确实没有预期的“那么恐怖”，前1个小时的剧情有些“前摇过长”，观众的差评能够理解。

但，完整看完之后，会发现——嗯！

它的高分，值得！

《罪人》Sinners

01血色之夜1932年，秋。

美国南方腹地，密西西比州克拉克斯戴尔小镇迎来了两位归乡者——斯莫克和斯塔克双胞胎兄弟（迈克尔·B·乔丹一人分饰两角）。

兄弟俩绝非等闲之辈，刚回到小镇，哥哥斯莫克就给小混混们来了个下马威。

用狠辣的手段明确宣示：我们回来了。

在外闯荡多年，这次返乡他们带回来两样重要的东西：一笔巨款，一卡车私酒。

买下老锯木厂的厂房，计划开一间酒馆，借此立足谋生。

光有场地还不够，得有信得过的帮手。

招募堂弟萨米（迈尔斯·凯顿 饰）和在车站卖艺的Slim，天赋型布鲁斯歌手+经验丰富的钢琴演奏师，凑齐了驻唱和DJ。

另外一边，斯莫克回到家，与数年未见的妻子重修旧好。

同时，作为兄弟俩的好友，经营杂货店的华裔夫妻也答应会去酒馆帮忙。

就在兄弟俩招兵买马之际，一股邪恶的力量在黑暗中涌动。

吸血鬼雷米克（杰克·奥康奈尔 饰）来到了小镇。

准备就绪，酒馆当晚开张。

萨米怀抱吉他，开始演奏。

悠然的布鲁斯乐声响起，人群逐渐沉醉，曼妙的音乐是他们的挚爱。

蒙太奇长镜头中，古老的非洲战鼓、现代的电子音乐、嘻哈乐手交相辉映，非裔族群的过去与未来在此刻神奇交织。

甚至，美猴王、青衣等中国京剧元素也闪现其间。

觥筹交错，烈焰熊熊，酒馆已幻化为一处为自由狂欢的乌托邦。

这里没有摘不完的棉花，没有剥削，没有种族歧视。

收起疲倦，放空身心，纵情歌舞。

萨米的弹唱打破了时空界限，穿透了生死阴阳，仿佛可以召唤过去和未来的魂灵。

当然，也召来了他们——雷米克和两个吸血鬼同类被这富有魔力的音乐吸引而来。

他们很想加入，却被拒绝。

被赶走的三人并没走远，而是在酒馆附近弹着班卓琴，吟唱着小调。

白人对黑人的酒馆和音乐表现出浓厚的兴趣，显然有点异常。

弟弟斯塔克的老 情 人玛丽（海莉·斯坦菲尔德 饰）上前想探探对方虚实，没想到……

回到酒馆的玛丽像变了个人似的，主动和斯塔克亲昵。

下一刻，玛丽咬穿了他的脖颈。

鲜血迸射，甜腥黏腻。

02“恐怖”之外玛丽被雷米克咬伤，成了吸血鬼的同类。

此刻，噬血的恶魔意图杀光酒馆里的所有人。

影片后半段，恐怖元素逐渐增多：吮血、啃噬、血浆喷涌的混战。

斯莫克等人为了生存，开始磨尖木桩，制作大蒜水，对抗吸血鬼。

不过，超高期待值似乎未能得到满足，想象中“评分A的恐怖片，得多吓人啊”，结果就这？

的确，本片虽然有着“最佳恐怖片”的title，但实际算不上非常纯粹的血 腥恐怖片。

但小派认为即使抛开恐怖外壳，本片仍然值得高分，理由是影片中厚重的历史文化描述和隐喻。

首先，从“华裔”这个稍显敏感的角色说起。

一组长镜头，华裔女孩穿过街道，去到白人区商店找母亲。

周围的嘈杂中充斥着种族歧视的言论：“黑人只会闹事……”“有色人种……”“有色人种”自然包括华裔，所以尽管他们努力游走于“黑白”族群之间，但也只是社会的边缘人群。

影片中对当时美国社会的描绘还有很多。

比如，车站里白人专用的售票处。

比如，萨米的幻想——哥哥们去的芝加哥是没有“吉姆·克劳”（美国种族隔离法律的代称，是1876年至1965年间针对“有色人种”实行的歧视性法律。

）的美好之地。

芝加哥？

那只不过是另一个密西西比。

在这片土地上，作为黑人，在哪都差不多。

即便兄弟俩有枪又有钱，也得不到白人的尊重。

买厂房时，白男木厂主（也是当地三K党头子）在说话之前必先啐一口，极尽轻蔑与羞辱。

锯木厂地板被清洗掉的是什么？

想必就是非裔工人的血、泪、汗。

在这种时代背景的叙事中，恐怖元素就有了另一层深意。

通常情况下，“吸血鬼”象征着“欲望的傀儡”，在本片中或可隐喻为“白人”或“白人文化”。

“吸血”“撕咬”“剥削”“同化”，很具象地表达，对吧。

不过细想，并不尽然。

萨米陷于无助之时诵起主祷文，意图驱赶吸血鬼。

但雷米克也在跟着背诵，他是爱尔兰人，这些“征服”与“同化”的内容和过程他再熟悉不过。

16世纪中叶，爱尔兰人开始遭受隔壁英国人的殖民，19世纪中叶大量移民来到美国，但仍处于社会底层，曾一度不被承认是“白人”。

影片中出现的四个所谓的“有色人种”：非裔、华裔、爱尔兰裔、美洲原住民。

毫无例外地，全部都是美国种族主义的受害者。

可以说，影片中“吸血鬼”并不单指种族制度的加害者，更是在隐喻那些被同化之后，甘愿付出身体、献出灵魂，为虎作伥的一类人。

那些或主动或被动地接受“规训”和“同化”的人们，只是想得到主流社会的庇佑和接纳。

但一切都徒劳无功，族裔、肤色、物质基础、文化层次，皆成为一种“罪”。

可能有人会认为说来说去还是“种族问题”，老调重弹，莫不是非裔主创们“夹带私货”？

小派倒觉得，“恐怖片不恐怖”的争议可能源自媒体关注点太过集中，观众存在误读。

如果因此打低分，略有偏颇。

同样的，假如只把本片当作一部描写“黑白种族冲突”的影片，也是以偏概全，甚至有点狭隘。

因为，本片呈现出的关于“自由意志”的探讨，恰恰暗合片名“罪人”。

03何为“罪人”钢琴演奏师Slim有一句台词：“像我这样的罪人……”那么，究竟什么是“罪”，谁又是“罪人”？

这里的“罪”，并非“犯罪”（crime）之意，而是西方宗教中一个很重要的概念。

“sin”，即“原罪”——指人因私欲而偏离上帝的诫命，包括思想、言语和行为等。

换个角度，把这里的“上帝”替换为“权威”“主流”。

试问，偏离它们，就一定是“罪人”吗？

《圣经》中亚当、夏娃偷食禁果被视为人类堕落的根源，但他们获得了对善恶、美丑的判断能力，标志着人类从本能状态进入理性认知阶段。

“原罪”亦是人类从绝对服从转向自主选择的过程，代表着对“权威”的质疑和对“自我”的追求。

宗教意义上的“反叛”，却成为现实意义的“觉醒”。

追求自由意志，还是听天由命？

选择出卖灵魂与肉体从而得到“永生”？

还是作为一个完整的人而勇敢地“死去”？

如何选择，或许才是影片要探讨的话题。

吸血鬼事件平息之后，牧师父亲劝萨米丢弃手中断掉的吉他。

而另一边，斯莫克正在与“三K党”交锋。

“吉他”是什么？

是萨米捍卫理想和身心自由的武器，从某种程度来说，它和斯莫克手中的“芝加哥打字机”无异。

放下它，就是放下了希望，放弃了仅存的信念。

通篇的配乐“布鲁斯”又是什么？

是反击的音符，是治愈的力量，是民族文化传承的信仰，是不屈与抗争的决绝。

若干年后，萨米回忆起曾经的那个酒馆之夜，他说那是“生命中最美好的一天”。

已然不生不灭的斯塔克说，我们曾经体验过自由。

尽管那个夜晚浸透着惊悚与血色的回忆，但对于自由与希望的追寻，不正是另一种“念念不忘，必有回响”吗？

图源于网络软饼干 / 作者

罪人 （Sinners ）（A-） 属于那种如果你完全不了解这个电影讲的是什么，将会令你大吃一惊的电影。

前半段风格像西部片，但却充满歌舞内容，后面居然变成了吸血鬼恐怖片 。

多族裔卡司、文化大融合，黄/暴内容也毫无保留，是一个相当有趣又充满惊喜的电影。

不得不说，瑞恩·库格勒（Ryan Coogler）真的很擅长选择音乐，黑豹那个时候就是配乐做得非常好，既有文化代表性又能让电影看起来更振奋人心，本片也是如此，包含很多电子吉他为主的灵魂音乐，也有很多欢快的舞曲。

配乐绝对会成为令人印象深刻的地方。

片中有非裔、亚裔、原住民，而且还出现了京剧演员，真是少数族裔文化大融合，而且西部片中突然出现吸血鬼，居然不会觉得很突兀。

Michael B Jordan一人出演两个角色，最初分不清楚，只能靠戴的帽子不同分辨，但后来两人的个性逐渐清晰，即使不戴帽子、发型一样，观众也能区分出来。

而且这对双胞胎是典型的西部英雄气质，塑造得很酷，即便我个人觉得后面暴力内容有点多，但整体来说是比较讨人喜欢且充满吸引力的男性角色。

很多露骨床戏时常超长，细节很多，这是我没想到的lol另外就是IMAX胶皮摄影机拍摄，画面质感以及摄影都很优秀。

Michael B Jordan出演的孪生兄弟也有很多同框戏份，特效做得很好，完全看不出破绽，非常自然，有时会让你忘记这是一个人演的。

杀戮开始之后的部分更充满了惊悚和悬疑气氛，前面部分则是需要耐心。

这部属于瑞恩·库格勒放得很开的作品，可以看得出几乎是毫无限制和保留，所以有时会觉得过于癫狂，但整体来说是满新鲜的观影体验。

本来我对西部、血腥和枪战内容是不太感兴趣的，但不得不说，片中的角色塑造得很好，台词生动有趣，不会让人觉得困乏。

man i walked in thinkin sinners gon slap but it ain’t gon do nothin but mumble it way thru two hours of slow-walkin twin-talkin soul-searchin tea-sippin drama i ain’t sayin it’s dumb but it sure as hell ain’t sharp they gon drop heavy themes like slavery n bloodlines but forget to drop the damn horror i came forfirst hour gon drag like sunday school without the snacks n both them twins lookin same talkin same actin same i ain’t know who was who n i ain’t care by minute forty i’m tryna hear sumthin scary but it ain’t gon come til real late when they finally remember oh yeah we got vampires n cgi in the budgeteven then it ain’t gon bite it just gon pose look pretty act deep but ain’t got no soul no scream no shock n then credits roll n i’m like welp that was a long quiet sigh but then boom post-credit twist pop up like “surprise we had ideas after all” n i’m mad ‘cuz that was the movie they shoulda madefolks online actin like if u ain’t get it u dumb—boy pls i got it n i still ain’t moved y’all just scared to say it mid as hell ’cuz y’all scared to sound uncultured but i ain’t gon lie for clout movie ain’t bold ain’t scary ain’t stayin in my head longer than this sentencesinners got soul but ain’t got teeth n that’s the whole damn problem

蓝调爱好者狂喜要是电影里能多致敬现实中的蓝调大师再用几首他们的歌就更好了就比如Nina Simone的Sinnerman就特别适配btw有端联想到把自己的灵魂出卖给恶魔的Robert Johnson电影用蓝调这一纯正的黑人音乐种类表达黑人的群体心理认同感，那扇除非被邀请否则就无法进入的门就是群体不可侵犯的边界的象征。

主角团面对白人和吸血鬼的杀害和诱惑没有选择加入他们，先杀吸血鬼再杀白人三K党。

最后通过Sammie最终逃离宗教和吸血鬼体现音乐和黑人人种的自由性印象比较深的几点→哪怕是有权有势又不缺钱的黑帮兄弟也受到白人的制裁；老叔让摘棉花的人们把头抬起来，还说自己的弟兄就因为漏财而被白人诬陷；“她为什么能进去？

”“因为她是家人！

”白人女孩作为与众不同的一个角色，意在表现认同感不是与生俱来的，而在于一个人是否选自从内心尊重，认同并喜爱这个群体的文化；吸血鬼二人最后对成为了老人的Sammie说“在那几小时之前，我们还是自由的”“孩子，蓝调不像宗教那样是白人强加给我们的，蓝调是我们从老家带来的东西”过去和未来的幽灵在蓝调下共舞那段真的非常感动大家演技都特别好啊MBJ一人分饰一对双胞胎真的很帅请多演黑帮！

看到有评论说和杀出个黎明结构很像 看的时候也有联想到诶