局部第一季

01 王希孟《千里江山图》绘画是手绘的，手艺第一，手艺之上呢，又是眼光第一，眼光分两层，一是指观察之眼，一是指一边画着，一边你怎么判断自己这幅画，属于经验范畴。

而观察之眼不可学不可教，所谓天份，实际上指的是这个。

十八岁的感知功能是全息的。

千里江山画的开阔，开阔得非常具体，每个局部都可以是一幅画，隋唐五代，包括北宋的大家，找不出一幅画能够收纳这么多自成格局的景别，而每一个景别有这么多详确动人的细节，通常成年的老熟的大师喜欢做减法，也就是所谓取舍和概括，可是十八岁的王希孟忙着做加法，人在十八岁才会有这股子雄心和细心，一点不乱，不枝蔓，不繁杂，通篇贵气，清秀逼人。

十八岁做的事，多半是不自知的，好也好在不自知。

《清明上河图》是世俗繁华的史诗，《千里江山图》则是锦绣江山的颂唱，两件伟大作品成于北宋末年，看不出亡国之兆。

我们在想象中国古典画家的时候，都是白胡子老人，明清文人画确立了山水画中的老人符号，晚清明初的齐白石/张大千又坐实了这类符号的单一想象，在《千里江山图》中分明看到一位美少年，他不可能老，他正好十八岁，长几岁，小几岁，不会有《千》，他好像知道，过了几年就死了。

02 《死亡的胜利》《地狱》博纳米科·布法马可戈佐利《博士来拜》湿壁画斯宾格勒《西方的没落》早期的作品要面对两个历史的机会，一个是新的主题，第二个是工具，两者互为因果，早期作品都很简单，但是生猛，都很幼稚，但是天真，都难免粗糙，但是精力饱满，用中国的古话，就是元气淋漓。

河南省的龙门石窟是唐代武则天时期，山西云冈石窟是在魏晋时代。

艺术顶顶要紧的不是知识，不是熟练，不是我们所说的文化教养，而是直觉，而是本能，而是最最新鲜的感受力，一种可贵的无知，可是我们往往看不起早期作品，而是盯住盛期的那些著名作品看来看去。

尸体作为尸体，是活生生的。

——罗兰·巴特

朋友因我之前吐槽一本关于影视欣赏的教科书而推荐了陈丹青讲述的《局部》，是2015年梁文道策划制作的视频脱口秀节目“看理想”的一个部分。

《局部》共16集，每集大概20分钟，主要讲绘画艺术的欣赏，也聊到其他艺术形式。

陈丹青没有按正统美术史讲法（时间，流派，代表画家和作品），而是以点发散，关注的是大历史里的小细节（比如他会挑梵高一幅画不下去的练笔画来展开好几个话题，用蒋兆和《流民图》来聊不同的文化传统对同类作品的评价差异），和这些小细节带给他本人的审美感动，所以我觉得节目名字“局部”太贴切了。

我是艺术尤其绘画的门外汉，小时候学校里美术课勉强及格那种，所以无法评论他观点的正确性，只有被科普的份，但有几点却触动了我。

一、元气满满。

这是陈丹青评价王希孟“千里江山图”时的话，后来他又在多处使用，比如瓦拉东作品，梵高早期习作，以及古希腊雕塑等。

他解释何为“元气”使用了木心的说法“孩子气”，也就是孩子似的不管不顾，青春的朝气、勇敢，以及原始野性之美。

这种美怎样从画里看出来我真不知道，但日常中倒是喜欢那些还葆有这些特质的人，大概“元气”这种东西都是先天带来，随着世俗成熟慢慢都会被消耗掉，所以犹为稀缺可贵。

有“元气”的人不一定周全，但一定真诚；不一定稳妥，但一定奋进。

这种真实而朝阳的人，有趣。

二、讯息与景别。

这是其中某集的标题，在这集里陈丹青花了很大篇幅讲电影的镜头和场景调动，来对比解读绘画里的群像以及场景安排。

相信朋友是因为这集而推荐我看的。

我固然被里面的技术解读震撼，但却想到红楼梦里刘姥姥二进大观园时贾母让惜春把大观园画出来，姑娘们聚在一起商量给惜春多长假期，其中宝钗的一大段道理真是把场景安排的难度说了个透“非离了肚子里头有些丘壑的，如何成画？

”（原文好长一段，有兴趣的参看四十二回的最后几页）。

现实里胸中有丘壑的人，也是能看到别人看不到的讯息，用于构建自己的画卷，绚烂或淡泊的随画卷生活。

这种看世界的视角独特而大气的人，有趣。

三、打开的作品（openwork）。

这是陈丹青讲到自印象派开始，绘画的成品变得没有明确的定义，是否画完，没有公认的依据，而全凭画家自己判断。

所以称其为打开的，是针对印象派之前的画，有明确的完成标准，是个封闭系统。

开放性带来的好处是绘画自由了，“一幅画可以永远画下去”。

画家们最头疼的就变成了不知道啥时候算画完了，陈丹青也终于明白了吴作人给他们上课时说的“应当知道什么时候停下来，要知道画，也要知道不画”。

我瞬间想到了“知止”。

《大学》第二句“知止而后有定，定而后能静，静而后能安，安而后能虑，虑而后能得”。

南怀瑾曾解读过 “知止”的一层含义是认清自己征服自己，深以为然。

人能做到的总比自己以为的多，而比自己想要的少，所以各种迷茫和焦虑。

但总有些人，不疾不徐，走在自己的时间点，一会儿慢，一会儿快，但清醒而坚定，因为知道要去何方。

这种“知，止，定”的人，同样有趣。

王尔德有句话“人不应该分为好人坏人，应该分为有趣和无趣”，既然无法判断好坏，那努力做个有趣的人总是件有趣的事吧。

拿着剧中局部的词句发散出我自己觉得有趣的想法，也算对《局部》的致敬。

＊E1《千里江山图》王希孟现藏 故宫博物院陈丹青评价这幅画中提到“通常成年的老熟的大师，喜欢做减法。

也就是所谓取舍和概括。

可十八岁英年的王希孟呢，他是忙着做加法。

人在十八岁年纪，才会有这股子雄心和细心。

”所谓雄心，是和千里江山的壮阔一脉相承的，在年轻的时候，在自信和激情的加持下，呈现出的东西总是充满生机和力量的。

陈在第二集《死亡的胜利》中提到“各种艺术的成熟壮大，根子全部在早期。

”“早期作品都很简单，但是生猛。

都很幼稚，但是天真。

都难免粗糙，但是精力饱满。

用中国的古画就是元气淋漓。

” 因为元气和内在的欣喜，王希孟挥笔成就这样一幅酣畅淋漓的画。

本集末尾陈丹青如是说“十八岁干的事，多半是不自知的。

他好也好在不自知。

在《千里江山图》中，我分明看见一位美少年，他不可能老。

他正好十八岁。

长几岁，小几岁，不会有《千里江山图》。

他好像知道。

过几年就死了。

”

《菜根谭》言 “涉世浅，点染亦浅；历事深，机械亦深。

故君子与其练达，不若朴鲁；与其曲谨，不若疏狂”。

我追崇那份赤子之心。

在浮躁的社会中，不论社会怎么加诸于现实的残酷与不安，只惟愿对艺术与美的激情永不消减。

另外这一集中关于绘画创作，陈认为“绘画是手绘的，手艺第一。

手艺之上，又是眼光第一。

这个眼光，分两层。

一是观察之眼，一个是指一边画着，一边你怎么判断自己这幅画，属于经验范畴，是不可学不可教，所谓天份，实指这个。

”作为一个庸庸无为的欣赏者，我可以理解为我一贯很喜欢的一种状态，即“既置身其中，又处身事外。

”置身其中，意味着全神贯注地投入，物我合一。

处身事外，即所谓对作品的判断。

要成就艺术，须有独特的艺术眼光，在艺术史的洪流中，能够被记住的人，既是传承者更是开拓者和引领者。

一味临摹，是匠人；发挥自身的才气，实现美感的创新，才是艺术家。

＊E2《死亡的胜利》布法马可现位于 意大利圣墓园（比萨斜塔旁边）

gorgeous：欧洲湿壁画（教堂里）& 魏晋唐宋·工笔重彩画

▲斯宾格勒《西方的没落》：各文明、各种文化都有一个春夏秋冬、生老病死，那么每个画家，每个画派，也都有自己的早期、中期、盛期、晚期，然后没落，然后死亡。

▲关注早期的作品北魏的敦煌壁画——元气淋漓，动人，想象力eg：无名作者《舍身饲虎图》云岗石窟compare with 龙门石窟：前者的雄大气魄甚于后者▲艺术顶顶要紧的，不是知识、不是熟练，也不是所谓的文化教养，而是直觉、本能和最最新鲜的感受力。

美感是需要导引和学习的。

——贡布里希

＃绘画内容：关于死亡，棺材，尸体，屠杀（西方经常出现的主题）The corpse is alive,as corpse:it is the living image of a dead thing.尸体作为尸体，是活生生的。

——罗兰·巴特中国人少画棺材和尸体compare：透露出不同国家关于死亡的认知和其中显现出的差异。

＊E3 人民的胜利· 蒋兆和《流民图》1943 展于北京太庙 现藏于中国美术馆＊E4 初习的作品·《海边的渔夫》1883 梵高阿姆斯特丹市中心·梵高博物馆阿姆斯特丹乡下 席勒·姆勒博物馆 梵高初期作品

1⃣️0⃣️ 《民国女画家》陈丹青先生说起民国女画家的时候，嘴角带着一抹温情的微笑，然后缓缓地、缓缓地说着话，话语如同暖阳之光，不同于之前的冷寂静谧，它从窗外洋洋洒洒、正大光明地浸入我们的躯体与思想。

原创|小孙字典没输字民国时代可以说是女性崛起的年代，从林徽因、宋氏三姐妹、陆小曼和杨绛等等，这些女人从外貌亦或是智慧都独具韵味，这些女性追求平等、渴望成功的欲望很强烈。

我们也能感悟到她们的倔强，感悟到她们如何义无反顾地创造生命，仿佛为当初战争年代的灰暗里加添了希望。

原创|小孙字典没输字这次提到两位中国女画家，一位是上海女子关紫兰先生，明艳的长相养出来一团静气，这团静气在画笔中也得以晕染开来，下笔颇有胆气，画笔纵横涂抹表现出娴静艳丽的欢愉气息。

而关紫兰的后半生大隐隐于市却也不掩她侠情柔骨的另一面，她施以援手资助恩师的孩子上学，鼎力相助恩师的家人归国，那层美丽的外表下流淌着人类的高尚品德。

人至暮年的她成了穿行上海弄堂间的妇人，偶尔爱去铜仁路喝咖啡，每月会去理发店修饰自己，嘱咐子女在她去世后洒骨灰到西湖，这样可以每年到西湖旅游，正是这样淡泊的态度成全她与世界一次坦诚的相知相惜。

原创|小孙字典没输字曾经名噪一时的关紫兰先生这一生也给我们启示，女人到了一定的年纪，即使是独一无二的也需向统一退让，即使是自由的也需向规则妥协，即使有着孤独的魂魄也需亲近群体，这才是能延续自己的生命。

原创|小孙字典没输字另一位民国女性画家丘堤先生，她不同留学日本的关紫兰先生那东洋路数，而是典型的法国路数，受到法国留学的丈夫影响，她掌握了温和的“立体主义”架构，画作有一种素简的气息，旧日的温良恭俭入了画魂，笔者偏爱她的《栀子花》，浓淡恰到好处，不温不火的风格使得物体有一种通透感。

看着《静物之二》光线洒在物体上面，让我们卸下生活的铠甲为《静物之二》里的物件和阳光停下来，感受到了一股佛的慈心。

原创|小孙字典没输字这期视频是最喜欢的，她们带着积淀时光的风雅碎步，轻轻叩响笔者的心门，相信这期视频会给你沉淀浮躁的内心，让你看到另一端日子的艰难与温情。

1⃣️1⃣️《徐杨的功德》世人皆知《清明上河图》，当我们的目光被它吸引的时候，再去看还有一副画也存在着重大的意义，这就是徐杨所绘的《乾隆南巡图》，每一个笔触都铿锵有力，那些风光、壮观的画面，不过因为是宫廷画师徐杨们在我们看不见的时候，流下了想象不到的汗水。

原创|小孙字典没输字这副画全凭画家的高超记忆力和精湛技术，描绘乾隆十六年乾隆皇帝第一次南巡的情景，让当时的“人间天堂，盛世繁华”的苏州城盛况出现在世人眼里，这是一件非常有历史价值的作品，真实反应当时社会风貌的纪实风格画卷。

中国拥有千年悠久的历史文化，我们作为炎黄子孙在历史的长河中寻找到一份情感的寄托，这样的画卷给后世遗留下了令人惊叹的历史。

嘿！

从室内到户外，换地盘了！

哈哈哈！

豁然开朗！

1⃣️2⃣️《讯息与景别》话说陈丹青老师提到画家卡帕奇奥眼睛不安分的时候，笔者不由得联想到疫情前那个无比快乐看着各路无名帅哥的自己，不安分的眼神也是捕捉美的眼睛，画下神明赐予世界的丑陋与美丽，即使是猖獗的丑陋，经过画家的神来之笔在观众眼中也只有满纸诉无尽的美丽，如火如荼地怒放，跃然纸上的智慧与美丽让后人的眼眸触及心灵并且重读信仰。

原创|小孙字典没输字卡帕齐奥的透视法，永远设定观众在现场，从观众的位置看出去，远远望去有很多人游荡。

而说到透视法，中国的长卷画与散点透视、移步换景相关，其“旷观”视角在古代好比纪录片的写实角度，然而这样“旷观”的角度就此止步于徐扬和王希孟，这样的美术史秘密就永远遗失了，去世的艺术家就此永远沉默了。

原创|小孙字典没输字不知为啥陈丹青先生在乌镇老宅前莫名流露出一种羞涩的感觉，乌镇也是很喜爱的古镇，尤其是晚上的乌镇夜色很迷人，暖黄色的灯光，那种暖色让人驻足留恋，早上那么多人瞬间消隐在低垂的夜景里，乌镇，按照旷观角度东栅的原生态文化底蕴、西栅的繁华喧嚣，如果是卡帕齐奥的透视法那就是亦或是泛舟在迷离的水乡上，遇颇有雅兴的船家即兴哼唱，亦或是找家有热气腾腾的小饭馆儿，惬意的吃着美味佳肴（记得光盘！

），亦或是石桥上看着灯火辉煌的建筑。

原创|小孙字典没输字以眼画美景，以笔写美景，以心记美景，这个场景从未离开过。

01：《千里江山图》王希孟，十八岁永不可得，“这是上帝叫他作的这副画”。

02：《死亡的胜利》布法马可，年轻，稚气，元气淋漓，文化差异带来的不同的主题传递。

03：《人民的胜利》，蒋兆和《流民图》，苦难的历史不能被遗忘，国内的现实主义画家岂止一句惨能形容，是我们的历史有问题，是我们的错。

04：《初习的作品》，是很偏执的艺术家看艺术家的故事，梵高的油画，尤以自画像系列看到了就会难受，从心里的抵触，个人意识好强。

05：《巴黎的青年》，巴齐耶的画真的很让人有静心的感觉，还挺乌托邦的，美好本身就是意义。

06：《谁养艺术家》：保罗•杜朗•卢埃尔07：《绘画的放纵》08：《非正式魅力》：自己做自己的太阳吧。

弗洛伊德活该是个艺术家。

09：《瓦拉东母子》：女性的目光是不同的，女人对女人才最为贴切。

10：《名国女画家》关紫兰，丘堤，是中国女子，是含蓄不失锋芒的大家闺秀。

第一季第一集 王希孟 《千里江山图》第二集 布法马可 《死亡的胜利》《地狱》“可是艺术顶顶要紧的，不是知识，不是熟练，不是咱们现在说的所谓文化教养，而是直觉，而是本能，而是那种最最新鲜的感受力。

”“因为我们中国的绘画文化、绘画传统，是《千里江山图》，不是《死亡的胜利》。

”第三集 蒋兆和 《流民图》“可是孟德斯鸠说过一句话：人在苦难中才更像一个人。

”“大家想想看，这是一个受难的民族，一个战胜国对待《流民图》的态度，这幅问世于沦陷时代的创作，日本敌国怎样憎恨不去说了，胜利后，《流民图》在本国还是遭遇憎惧，权力的意志让这幅画辗转于高层的毒语和封尘的库房，《流民图》中的流民像鬼魂一样流进蒋先生的画里，结果这幅画也像鬼魂一样，在胜利后的岁月背负罪名、差点被销毁，这才是真的灾难，而且是难以战胜的灾难。

”第四集 文森特·梵高 《杏花》《吃土豆的人》在荷兰初学画时的早期作品 憨人梵高 大巧若拙 画穷苦人的对比 德国珂罗惠支的《暴乱》 中国王式廓的《血衣》第五集 巴齐耶 《画室》《粉红色连衣裙》《家庭团聚》《夏日》第六七八集 文森特·梵高 《海边的渔夫》谁养艺术家、绘画的放纵、非正式魅力。

画家从巫师、到宫廷画师、到“self-employ”。

7以前画家的宫廷订件和印象派画家的自由创作。

锡管颜料的诞生让印象派随时随地作画得以实现。

一起写生的毕沙罗和塞尚的画作的对比，毕沙罗尽量完成，而塞尚每幅画都没有完成，“打开的作品openwork”。

8“毕加索说过另外一句话，他说希腊人，罗马人，文艺复兴人，在那画画都有一个规则，可是到了梵高开始，每个人必须做自己的太阳。

”“（吴作人）他说你们要知道，什么时候停下来，要知道画，也要知道不画。

”晚年的德加眼睛不太看得见了，就做点雕塑，也喜欢写十四行诗，写完之后就给他的诗人朋友马拉美看。

“他说，哎呀，我心里还有很多意象，没有写出来，结果马拉美对他说，亲爱的，诗不是意象，是字和词。

德加是非常刻薄的一个人，也非常会说话，可是听到这句话，他说，我在你面前丢丑了。

”“碑不如告，告不如书。

石刻的碑文不如墨写的文件，墨写的文件不如私信的草稿。

”“但我要提醒大家，所谓未完成，所谓打开的作品，是一个早就过时的命题，早就过时的革命，但所有革命啊，遗患无穷，除了若干天才，自从印象派闹了这么一场之后，全世界千千万万画家就猖狂起来，画了不知道多少糊涂乱抹未完成的画。

那么‘尽其妙也’也是一句漂亮话，漂亮话也是遗患无穷的。

”第九集 瓦拉东母子：苏珊娜·瓦拉东、莫里斯·尤特里罗她是第一个提供了女性视角的女裸体和男裸体的画家。

第十集 关紫兰《少女像》 丘堤《静物之一》《平湖秋月》“（关紫兰）她下笔的胆气，和瓦拉东有一拼，而且是纯然的天生，你比起刘海粟那种胆气那种霸悍，她一点不是造作的，一点不是刻意的”“（丘堤）她的静物画，以我所见，我愿意说是中国第一。

好在哪里呢，同样是画花、瓶子、衬布，她知道避俗，出手非常简静，她的画不比瓦拉东好，但是比瓦拉东高。

第二，就是她的素心。

第三就是见物性，物性又分两层，一个就是她画的那些东西，就是不修饰，不渲染，是物体的恰如其分，也是她对物体的敬意和爱意，另外一层呢，就是材料的物性，就是颜料和笔，丘先生敷色、行笔、起止、收束，她始终都是不温不火，到处都是浓淡得宜，这很难做到的，不光是本事，就所谓温良恭俭让入了画，就是丘先生这种境界。

第四呢，当然她也是非常民国的气息，自发，自在，自主，自适，而且自尊。

”第十一集 徐扬 《乾隆南巡图》第十二集 卡帕齐奥《朝圣前的典礼》讯息与景别影像介入大量次要讯息 意大利导演费里尼《八部半》 贝托鲁奇《1900年》《同流者》塔可夫斯基 《牺牲》 景别运用“一部电影，一幅画，其实是看导演和画家，怎样诱导观众的目光，我这么看这个场面，是要你也这么看，然后个人的风格，他要说的意思，就通过这个观看出来了，这个是视觉艺术的命根子。

”“但是这两位天才（卡帕齐奥和费里尼）的影像和画面，我又要说，和徐扬还有点接近，就是热衷于次要的信息，为什么呢，因为重要的不是故事，而是场景，诱人的未必是情节，而是观看本身。

”第十三集 苏里科夫《近卫兵临刑的早晨》《女贵族莫洛卓娃》 列宾《伊凡雷帝》《查波罗什人复信土耳其苏丹王》苏里科夫做到了油画民族化“西方对俄罗斯的文学和音乐高度重视，但是到今天为止，他们仍然坚持，对俄罗斯的绘画无知，至少，好像不想有知。

”“陀思妥耶夫斯基说过一句话：在亚洲，我们是欧洲人，在欧洲，我们是亚洲人。

”“西方对俄罗斯绘画的批评，通常是指，不是纯绘画，这种绘画是一种文学的附庸，我认同的，但我心里不服。

欧美极少数艺术家和学者知道苏里科夫和列宾，正好今年上半年，我和一位英国的老学者谈起俄罗斯的委屈，他也蛮同意，但他说西方人可能有两个词批评俄罗斯绘画，一个就是narrative，就是叙述性的绘画，还有一个就是sentimental，太伤感主义，我也认同的......但我还是不服，整个文艺复兴的绘画，就是《圣经》的附庸，是《新/旧约》的图解。

”（俄罗斯也是我的少年情结啊 片尾《山楂树》一响起来就眼睛酸）第十四集 弗拉·安吉里柯 《耶稣受难》《嘲弄耶稣》《三博士的朝拜》Angelico类似一个外号 意文 天使般的“你到了这里面，你不单是安静下来，而且一切到此为止，你的家，你的国，你过去的记忆，全都消失了，有一点点像电脑死机的样子。

同时呢，一切就开始了，你会自然而然地心里面有一念，就是万事罢休，从此静心修道，你会有这么一个念头。

你面对的是空荡荡的四壁，只有耶稣和圣徒陪着你，准确地说，其实就是你跟安吉里柯面对面，此外什么也没有。

”“13世纪中叶之后，整个14世纪，还有15世纪的上半，事情很有意思了，这两百年的宗教画，人性，神性，你用不着分的，你也很难分开，你瞧见神性的地方，就是人性，你被人性感动了，你会发现那个是神性。

......都说文艺复兴是欧洲人的黎明，在佛罗伦萨，在圣马可教堂的二楼，在一间一间小禅房里面，就在窗户旁边，那个安吉里柯的湿壁画，你会看见，什么是黎明的曙光。

”第十五集 菲罗马可斯（Phyromachos）《巨人的战役》 古希腊派格蒙祭坛雕塑鲁迅 《“题未定”草》“鲁迅很讨厌，读到他（朱光潜）这篇文章，他就出来跟他叫板，煞风景。

鲁迅举了古希腊雕塑和陶渊明的一些例子，说他们并不会全然是静穆，他们还有别的境界。

”“照马克思的说法，古希腊是人类的儿童时代。

”第十六集 马塞尔·杜尚 《下楼的裸女》《泉》《L.H.O.O.Q》《杜尚的盒子》被艺术耽误的职业棋手达达主义 超现实主义玛瑞娜·阿布拉莫维奇《艺术家在现场》 跟乌莱对视那幕堪比电影场景“即使在欧美，说起艺术，还是指绘画和雕刻的意思。

杜尚机警，一百多年前他就想，除了绘画和雕刻之外，艺术还有没有别的可能，他想重新定义艺术这个词，他做到了。

”“上次说到所谓前卫，就是事情做得太早，历史看不懂，也看不见，印象派小子很苦，等于在前线，直接跟沙龙、跟公众、跟旧势力斗。

马塞尔·杜尚的前卫啊，笑眯眯地躲着，稍微弄几下子，他不声张。

”“晚年他说，他重视呼吸胜于一切。

”“站在绘画的立场上，当然会说，塞尚去世的那一年，1906年，是现代艺术的起点......那么，你以非绘画的立场，我以为，应该算是杜尚放弃画画的1912年起算。

”

看陈丹青录制的《局部》，从头至尾就一个感想：无可奈何。

艺术这玩意，真的是无可奈何的事情，你不懂审美，不会欣赏，不得其门而入，那就是一点办法也没有，学也学不会的。

艺术观赏，本是一项极端个体化，私密化的体验，这种体验发乎本能，出乎直觉，用语言文字是几乎无法表述与传递的，只能在自己心里憋着。

说马蒂斯毕加索好——好在哪里？

洋洋洒洒，长篇累牍地解释这二者的好处，舌敝唇焦，结果必是煞费苦心，听者读者仍是不明所以；同理，勋伯格的音乐，有些人奉若天籁，另一些人则视之为噪音。

在艺术面前，感官永远压制住了语言。

语言是苍白疲乏的，任何一种语言都无法精确描述出一件伟大的艺术品其究竟伟大在何处。

当然，学者们可以通过专业领域的考察来论证其历史，学术以及社会价值，但若从审美的角度出发，这一切则是不可言说的。

在适当的时候，在某个特殊的片刻，语言是可以被取缔的。

文学，哲学，科学都需要语言，但是艺术不需要。

当我们废置了语言，我们便进入了艺术。

版权归作者所有，任何形式转载请联系作者。

作者：小山来源： https://www.freethink.fun今天继续说说陈丹青的《局部》，这次是增补版。

我准备分集好好说一说，可能在说的过程中，如果有偏题的行为，请见谅。

《局部》出了11集，我现在看到第八集，总的来说，这是一部非常浅显易懂的美术节目，我暂时还不知道如何形容这节目，至少它不是娱乐、综艺类节目，而人文方面也不是很强。

姑且把它定性为美育类节目。

和其他节目相比，陈丹青在讲美术的过程中，可以说是用一种近乎于低的方式来谈，在谈的过程中，有他自己的美术理念和美术想法在里面。

我们从第一集就能明显的看出来。

第一集、《局部》的第一集题目叫：千里江山图。

我第一次看时，以为陈丹青就是讲画，因为我负责了一档美术类微信，当然大多数时候是在说日本的设计、西方美术史，一般不敢涉及我们国家的美术。

仔细看这节目，陈丹青讲《千里江山图》时，在读完题跋后，会顺带说一下，断句如果不准确，希望国学家海涵之类的话。

这并非陈丹青的谦辞，而是我们国家的美术提倡书画一体，古人写东西，没有标点符号，今人在解读时，会从字到画，整个解读，所以断句不准确，影响很大，陈丹青在讲这幅画时，并没有放开来讲。

不过这毕竟是第一讲，有些生疏也是一定的，我们看后面的节目就知道，他越来越游刃有余，收放自如。

不说这个，继续说节目内容。

我们国家的美术是不好讲的，其原因无非就是一些考证、主旋律、画作分析等等，都不好讲。

除了这些，我觉得更重要的是，撕逼太严重。

有个词叫：文人相轻。

这个词用到绘画上也是一样，艺术这东西，在我们国家很难说谁谁谁最牛逼，谁谁谁就是大师。

就算是知道，写出来，也会有人去扒他们的黑历史。

这里就不详细说了。

陈丹青在《局部》的第三集里面已经提到，感兴趣的看了这一期节目，想要详细了解那幅《流民图》的，可以去网上查资料。

第一集，陈丹青其实是借《千里江山图》引出王希孟，表达的是年轻人在绘画上的天赋，列举一系列西方在艺术成就上非常牛逼、年轻有为的画家、音乐家、作家等等。

从个人感触方面来说，陈丹青一是在鼓励年轻人，要有思想，要敢想敢做，当然这并不是说像一些互联网上一些90后那样吹牛逼，艺术与创业开公司是有非常大的差别。

艺术可以是个人，企业必须全盘考量。

这里可以扩展一下，为什么我们国家这么多学美术的，到现在为止，也没有年轻人能画出伟大的作品？

如果看过陈丹青在《锵锵三人行》上的演讲，我们会知道，他其实非常不喜欢讲美术，而一讲，便对我们国家的美术教育不满。

你会从他的语言里会听到「学美术没什么用」、「画这么好干嘛，已经有摄像机，根本就没必要拥有这么多画家」等等。

只要讲美术，他就是语不惊人死不休的感觉。

其实这是有原因的，他之所以不喜欢孩子学美术，最大的一点就是那些孩子不是真心喜欢画画，只为应付考试（也就是艺考），还有一点就是，画得好真的没用，画家并非比武，靠技艺取胜，而是靠纯粹美和思想。

这一点他在《局部》后面几集里讲梵高，最为强烈。

借用他自己说的，我们国家的美术教育，是反艺术的。

我们不能说整个国家出不了美术人才，出不了伟大的画家。

或许更多的原因是这个社会关于艺术的培养是有问题的。

最后说一下，关于王希孟这个人，我在网上查到的资料是，这个人在史书中是没有记载的，而《千里江山图》没有其本人的款印，画上的题跋是蔡京所著。

这又是为什么呢？

现在你知道为什么我们国家的美术难讲了吧！

第二集、死亡到底是什么？

在第二讲里，陈丹青讲了名叫《死亡的胜利》的一幅画。

大多数时候，《局部》的标题可以忽略不计，陈丹青在讲一集时，可以延伸出很多内容，比如讲死亡，会涉及到中西美术的对死亡的看法，会涉及到美术的培养和教育，会涉及到战争等等。

说我们是一个破坏的国家，或许不那么为过，如果《死亡的胜利》这幅壁画出现在我们国家，被破坏成碎片后，会有人去修复吗？

当然这幅画并不会出现在我们国家，因为我们国家的主旋律是《千里江山图》，并非《死亡的胜利》。

大多数画寄情山水和人物，很少涉及死亡的命题。

就算涉及死亡和鬼魂之类，中西方之间在绘画上的差异也会很大。

比如在灵魂表现上，西方在表现灵魂时，会是赤裸裸，会用一杆称来称灵魂的重量，太重的就下地狱，轻的就上天堂。

而我们国家会忽略这些逻辑，鬼魂是能穿上衣服的，这在西方美术是看不见的。

节目里讲到，《死亡的胜利》这幅壁画可以和敦煌壁画相媲美，那这是为什么呢？

这里有许多历史原因，如果要了解，可以去看一本叫《美的历程》这本书，书里第五章和第六章，从各个层面讲诉了魏晋时期的书法、绘画、诗词等。

一个时代它艺术形式的出现和产生，有其必然性，敦煌壁画之所以那么惊天地泣鬼神，也是如此。

就正如节目中所说，梵高不可能出现在文艺复兴时期一样。

节目中提到的美术的教育问题，对此我是赞成的。

对美的追求如同读书，需要人去引导。

人不可能一生下来就识字，也不可能一生下来就知道什么是真正的美、纯粹的美。

读书之所以要人引导，是因为现在阿猫阿狗，无论是谁都能出一本书，读多了那些人写的书并不好。

美也是这样，需要人去引导，可惜的是，我们从小就没人去引导过如何认识美，接触美。

如果有谁提起美，就是土豪、牛逼之类的语言脱口而出，仿佛学美术就高人一等，其实不是这样。

没有一个正确的观念去对待美术，是一件很悲哀的事情。

陈丹青讲美术，我想就在上一堂美育课。

第三集、讲中国美术，是一件蛮难的事情，这件事可以从政治、社会、历史等等各方面去总结、归纳。

我们国家的美术喜欢撕逼，喜欢遮遮掩掩。

陈丹青没有，于是第三集他讲了蒋兆和的《流民图》。

我不知道有多少人看过《艺术的故事》这本书，书里有一句画说的很妙：一幅画对于一个文盲的意义，好比一本书对一个识字的人的意义。

我们每次去看美术展览，尤其是自己国家举办的展览，可以说，绝大部分的展览都是在讲抗战，讲那些很壮烈的故事。

借用陈丹青的那句话：我们国家的主旋律是《千里江山图》，而不是《死亡的胜利》。

现今很少有人知道蒋兆和的《流民图》也是这个原因。

很多时候，去看美术史，会很有趣，比如画家画画，都是谁要求他画？

谁出钱包养他们？

为什么埃及金字塔里的壁画脸谱型那么严重，而到了希腊，又那么的光华璀璨，文艺复兴又那么喜欢抠细节，搞得那么繁复……这一一切的一切看下来都非常有意思，如果再回头看看我们国家的美术史，对比之下，会发现西方永远在寻求变化，在寻求逻辑，在寻找自我。

我们国家大多寄情于山水和人物，很少将画作投向底层人物，千百年来出一个，却又被活生生扼杀。

《流民图》到底怎样，我们这里不去评价，借用孟德斯鸠的一句话：人在苦难中，才更像一个人。

一个人，从一个时代、一个世纪去看一幅画、一系列画，会发现很多有意思的地方。

画家有时候并不完全在画画，我想更多的，是在表达他们对这个世界的观点。

第四——八集、第四集和第八集有很多雷同的地方，我一起讲了。

个人觉得这几集最有意思的是陈丹青说的两个问题：梵高的画为什么那么好看？

一幅画怎样才算画完？

先说第一个问题，很多人都喜欢梵高的画，但为什么喜欢，没人能说清楚。

大部分人一说梵高的画好，就说他用色喜欢用对冲的颜色，并且用的非常漂亮。

要么就说《向日葵》，说他很大胆的把向日葵摆在画的正中间，大片大片的黄涂抹上去，令人着迷。

无论怎么描述，梵高画的魅力，迄今为止，我没见人说清楚明白过。

陈丹青讲梵高，也没讲清楚。

这并不是说他不知道，而是内心感受，已很难用语言去描述。

他只能用一个字形容：「憨」。

在我看来，或许用纯粹美更好一些。

梵高这一辈子画画，是真喜欢，他生平没靠画画赚过钱，没开过影展，更没人要求他去画画，去改画。

他只是喜欢画，仅此而已。

也就是是喜欢到纯粹的地步，使得他的画，美的自然，也正是纯粹的爱，才让他永远拥有一种孩童般的眼光看世界，孩童的眼睛看见什么就是什么，梵高看见什么就画什么。

不多不少，不增不减，老老实实。

很多画家终其一生都在追逐这种纯粹美。

陈丹青也是，可惜很难达到。

可以说这是画家一种终极追求，在很多人看来这或许很好笑，觉得如果是这样，那自己也能画画。

要明白的是，画家在经过不断的绘画训练后，再走回原点，和就在原地踏步的人，是很不一样的，这是一种对美追逐的过程，除他自己，别人无法感受。

之后再说第二个问题，一幅画怎样才算画完。

我当初看陈丹青讨论这个问题时，很惊讶，在我的印象里，画总有画完的时候，怎么可能没有完就拿出来了。

后来才发现，他所说的完，已经上升到一种哲学上的高度，类似于人是怎么来的，人应该去哪儿等等。

美术到了「印象派」这一阶段，就变得无法琢磨，因为这一帮子人画画，基本上都是画给自己看的，画山、画水、画人等等，都是自己画着玩儿。

他们不会为了谁去改画，就是为了单纯的快乐，当然这也导致他们过得都很清贫。

那一幅画到底怎样才算画完？

没有答案，也可能有答案。

不过我更多的相信，一幅画无论是画完，还是没画完，在每个艺术家看来，都有他特别的意义所在。

我们不需要去纠结这个问题，太过于痴迷，反倒会把自己变得模糊。

最后，美术史没完，我只是抛装引玉，希望你能对美术感兴趣。

谢谢你能看到最后。

-昨夜翻阅张佳玮所写《莫奈和他的眼睛》，看完后久不能眠，思前想后甚觉堵得慌，只因这本书吊书袋子太过严重，书中对莫奈及印象派所写知识，甚为潦草。

1、莫奈生平比较简单，以前做微信，曾有幸查阅资料，得知他是印象派代表人物，擅长光与影的实验与表现技法，启蒙美术老师布丹，结婚两次，妻子卡米耶、爱丽丝，有一帮印象派的好哥们，晚年眼病，死于1926年，一生所画500多幅画作，无非如此。

莫奈生平就同一杯白开水样，倒是张佳玮用吊书袋子的办法东平西凑，将它扩展开来，只是这种扩展方法，太过草草，对整个印象派产生的时代背景、文学背景、演变过程以及莫奈的绘画技法都了解得略为肤浅，不够深入透彻，甚至有些断章取义，春秋笔法的意味在里面。

对于莫奈及印象派那帮老哥们我了解得不多，也未在现实生活中看过真迹，如果要粗略的了解莫奈生平，个人建议上维基百科查阅就好，若要了解印象派绘画技法，最好的方式是看原画，自己去感受，不要被太多华丽的形容词所误导。

张佳玮所写莫奈的传记，我是不敢苟同，也不推荐阅读的。

一部好的个人传记，从个人角度来说，要么是根据史料有所发挥和研究，要么就本本分分记录人物。

如果充满大量形容词并配以不够深入的历史背景加以发挥阐述，甚至揣摩每个人的内心戏，只能当做茶余饭后的笑料，不足为信。

不过印象派的发展确实历经磨难，书中所言不假，用陈丹青在《局部》里的话说，这帮人走得太过前卫，以至于很苦，促使学院画派瞧不起他们。

只是现在西方对学院画派所犯下的错误几乎闭口不谈，不知为何。

2、看完书本，闲来无事，我所幸翻出剩下4集《局部》看，陈丹青说是讲画，倒不如说在讲自己的喜好，历史，文学以及内心感受。

他坐在那里，讲俄国列宾、苏里科夫，说俄国家画手大气粗，是饱含历史的画作，有人说好，有人说不好，这些都无可厚非，只是现在大多数人在谈美术史时，从西方，美英法德等国入手，甚至在西方的美术馆里，都很难见俄国画家的画。

这是文化霸权主义？

可能是，也可能不是。

陈丹青在视频里不想用这种词，说一用便落了下乘。

不过我倒觉得俄罗斯19世纪后对文化输出确实弱掉很多，至少我们国家西化倾斜是不言而喻的事。

说文化霸权，还是俄国文化有些太过拘谨，或不如西方百花齐放有趣。

3、之后说看画，去美术馆看过画的人，对一幅画的感受，与电脑和书本上看来的感受完全不一样。

我以前看《蒙娜丽莎》，对着电脑和书本，以为是幅大画，后来翻美术史，书里写达芬奇无论在哪儿都带着《蒙娜丽莎》，心里总有不妥，直到在网上看见罗浮宫里的展出，才发现那不过是很小的画。

当然，米开朗基罗在教堂墙壁上画的《创世纪》更为惊人。

一幅画在现场看，位于何种位置，对于欣赏者来说，都有不可思议的感受。

我个人既爱，又恨在美术馆看画，爱是迫不得已，恨是一幅画与美术馆的场景不合，像一场面宏大悲伤的作品，配上白色的墙面，挂在那里，隐隐有不舒服之感。

若遇到一些雕塑，摆放位置狭小，无法转圈看，也是一大损失。

不过全世界大多数的美术作品都已不在原位，希腊的在英法德都有，中国长卷画若太长，无法完整呈现，也不行。

唯有那些西方教堂和东方古建筑里，人走进去能看见一幅幅漂亮的壁画，基督教，佛教的画，历经岁月，虽微有裂痕，却古朴的摆放在那里，使人静穆。

4、在《局部》倒数第二集，有个观点非常有趣：超越。

透过电脑屏幕我第一次看见一组名为《巨人的战役》的雕塑，镜头里那些遒劲的肌肉、挣扎的面孔透露出来的胆魄与气势，时隔千年，经久不衰。

真正的艺术家心里知道，希腊雕刻家的胆魄和能力，自己是无法超越的。

无论是有人将罗丹比作伦勃朗，还是亨利·摩尔与希腊雕刻家相提并论，谦逊的艺术家们会慎重告诫别人，提醒自己，前人之作无法超越。

那种伟大，是一种虔诚的佩服。

这不禁令我想到文学，古人说文无第一，武无第二。

那真正的文学，有没有所谓的高低之分。

或许真正的文学家，在心里也会有几位无法超越的前者吧。

5、最后说说现代艺术，我去年差不多去川美看过几次美术展，九大美院的作品来罗中立美术馆展出，我也跑去看过，看时只觉处处惊喜，欢喜不已，整个美术展可以呆一天，一幅一幅画仔仔细细的看。

有的巧藏机关，如发现，会心一笑，有的甚为不解，像小时候做奥数题，抓头挠耳，看明白后哈哈大笑，看不明白则暗自伤叹。

现代艺术很不好讲，仔细说来，何谓现代艺术，有的人觉得塞尚死后，也就是从1907年算是现代。

有的人则认为从杜尚开始算作现代艺术。

从表现上来说，艺术已抛开雕刻、绘画，已如行为艺术，表演艺术，观念艺术等等百花齐放的种类。

我就看这些一件件从眼前闪过，猛然惊醒，恍然明白去年在各大美术学院所看的作品，无不有这些艺术的痕迹在里面，走过一圈，回到原点，内心悲喜交织，到最后到底是伤心失意多过欢喜，那一刻也明白拾人牙慧的含义。

现代艺术已超过了绘画和雕塑。

它是前进还是倒退姑且不论（现在也没法论，或者很难论），但绘画所承载的历史意义，已在退去，人们不必去看一幅画明白佛祖或者耶稣在传什么教义，也不必因为彰显家中气氛购买一幅画。

现在也几乎很少人靠绘画或雕刻为生。

一切的种种，都意味着这个时代，已经不太需要绘画，它正在被边缘化。

那艺术该何去何从？

陈丹青没说，也没法说。

或许，我想，一切都应交给时间这把公平的尺子，它自会引导艺术向前走。

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作者：小山来源： https://www.freethink.fun

第一集王希孟《千里江山图》存世唯一名作，十八岁完成。

上溯 山水画发端 唐 李思迅、李昭道父子 江山楼阁图 李思训五代 荆浩、关仝（ tóng ）（北方画派 “荆关”）、董源、巨然 成为“唐风”至“宋格”的一大桥梁 关山行旅图 关仝 后梁 万壑松风图 巨然 南唐、北宋 匡庐图 荆浩 五代南宋 刘松年、李唐、马远、夏圭的“院体”山水，在明代被列为“北宗” 踏歌图 马远溪山清远图 夏圭

王希孟《千里江山图》 宋徽宗年代 纵51.5cm；横1191.5cm到宋代，山水画气格越来越大十八岁，年轻人的无畏 ，心静，也纯 绘画的观察之眼 、经验范畴元 王振鹏 《江山揽胜图》明 董其昌 晚清 黄宾虹 齐白石 张大千 而明清文人画确立了山水画的老人符 第二集比萨斜塔 圣墓园 博纳米科·布法马可 《死亡的胜利》《胜利》 处于乔托的晚期，即明早期文人画开端 西方艺术史 加上古希腊罗马、文艺复兴开端 湿壁画 十三十四世纪即魏晋南北朝时期 工笔重彩画乔托·迪·郭多纳弗拉·安杰利科、马萨乔、弗兰切斯卡、菲利皮诺·利皮、基尔兰达约（米开朗琪罗老师）圣马克修道院 弗拉·安杰利科《报佳音》 圣彼得·保罗教堂《圣象》 西斯廷教堂《最后的审判》 阿科罗提利遗址十五世纪 壁画 贝诺佐·戈佐里 《博士来拜》

博士来拜 戈佐里十五世纪中叶 文艺复兴鼎盛时期 “文艺复兴三杰”： 达芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔《最后的晚餐》的教堂被轰炸，唯独这面墙没炸早期的作品，面对两个问题，一个是新的主题，有原创力。

第二个是工具。

湿壁画从乔托有新的开端，到步法马可后，壮观，细腻视觉效果上更生猛。

中国壁画 北魏到明清 ，鼎盛是唐宋时期第三集

蒋兆和《爸爸永不回来了》

1945《流民图》1943第四集《初习的作品》

《海边的渔夫》1883年 梵高 《吃土豆的人》1885劳特累克的下层人与梵高的作对比，一个滑稽，一个憨后印象派三位：塞尚、高更、梵高 画群像，构图 珂勒慧支的穷苦人王式阔《血衣》第五集《巴黎的青年》

让·弗雷德里科·巴齐耶《巴齐耶的画室：拉孔达明街9号》1870印象派：马奈 塞尚 德加 莫奈 雷诺阿 巴齐耶 都受前期浪漫主义影响 唯巴齐耶 稍理性，兼科学和诗意《乡间》1868 《福斯坦堡街画室》1865 《夏日》1869（哈佛 福格美术馆）《家庭团聚》1867描绘男性偏多 他的造型表现，是适度的木心 俳句： 年轻人充满希望的清瘦一战，众多艺术家应征入伍，马尔克“蓝骑士”团体、亨利·戈蒂耶·布尔泽斯卡 “直接雕刻”、艾萨克·罗森博格、雷蒙·杜尚·德隆 “达达主义”第六集《谁养艺术家》

《微笑的男孩》弗兰兹·哈尔斯 1625过度完成 对比十五世纪到十八世纪，绘画的社会、宗教、政治作用，订单多来自王公贵族，量的众多出现宗教画以外的历史画、风俗画、风景画、肖像画、群象画、家族肖像画。

《博士来拜》本诺佐·戈佐里1461、《夜巡》伦勃朗·哈尔曼松·范·莱茵、《圣乔治警卫队》弗兰斯·哈尔斯 1627 《琵琶演奏者》1624文艺复兴没画完的画直到十九世纪中叶，印象派的出现，未完成的画也可以被接受被赞美。

绘画的功能和角色的转变。

从前，宫廷的画家宫廷养，教宗的时代教会养，十九世纪，画家工会，独立画家，自己养自己。

艺术赞助史 一种关系产生一种艺术，各有好鄙。

第七集《绘画的放纵》舒伯特 第八交响乐《未完成的乐章》 巴比松画派 画画讲的是 感觉 才能 经验 状态莫奈的日出 和透纳的 日出 对比出来，强调外出写生的印象派，绘画放开了，自由了。

绘画时长大大缩短，半自觉的开始玩颜料、笔触、布等媒材，而到毕加索、马蒂斯开始自觉

马奈《贝尔特·莫里索》1872 印象派提出的一个问题：一幅画怎样算画完 毕沙罗，他的画所给出的命题，一幅画可以一直画下去，你再也无法确定怎样算画完塞尚 他在乎自己所谓的均衡，回到普桑（十七世纪画家 文艺复兴）的均衡，古典的理想。

体现在他画面的是只注意物体的边缘，一种不在意画完的openwork.毕加索：一幅画配上框子挂上墙就死掉了第八集《非正式魅力》

毕加索 《格特鲁德·斯坦》（收藏家）你会慢慢像这幅画的。

书《蓝围巾男人》马丁·盖福特 与 弗洛依德对话 画家弗洛伊德本人说：一幅画接近完成，最拿不准的是就是该不该罢手。

他说从梵高开始，每人开始做自己的太阳。

中国的文人画 确立的一种中国画的新态度：画中的一切都是假的十九世纪中后 印象派同期后期 雕塑家 马约尔和布尔德尔 开始关注 石头、泥土、木头本身的质地量感音乐家 夏尔·卡米尔·圣·桑 和德彪西开始玩 音色、音符 （印象主义音乐鼻祖）文学诗歌 夏尔·皮埃尔·波德莱尔和 斯特凡·马拉美 兴于调理字和词 此乃我们魏晋唐宋早已玩过的把戏赵孟頫和钱选的对话： 士夫画，戾家画 ，谬甚也。

（期间聪明透顶的语焉不详）南宋画家，从与物传神尽其妙又到谬甚也包括晋 陆机《平复帖》、王羲之《十七帖》东晋、颜真卿《祭侄文稿》唐都属于非正式文本 碑不如告，告不如书 书写的滋味 逸笔草草 恰到好处第九集《瓦拉东母子》印象派之后的巴黎画派，有偏于野兽派的，有偏于立体主义，还有异与两者的。

毕加索、马蒂斯、勃拉克 ，同期的德朗（横跨野兽派和立体主义）、马尔凯（三言两语、懒洋洋的）、维亚尔、弗拉芒克、基斯林、郁特里罗、藤田嗣治、苏珊·瓦拉东。

瓦拉东 纯真的野性 远超贝尔特·莫里索、玛丽·卡萨特 （她曾拿着刀撕维拉斯凯兹的《镜前的维纳斯》，是为伤男性的目光还是伤维纳斯的背）她的女裸体，没有亲密没有暧昧，没有男性的目光，很自然很放松。

是一种女人在私密场合对另一个女人的欣赏。

德加画的时候具有一种无情，男人总在搜索好看的女人体。

而她画的男人体也有一种私密性，带着浪漫主义色彩，化身亚当。

她爱上儿子的朋友，养了一只山羊，不满意的画就放给羊吃掉。

她的目光只顺从她的对象，只剩下感性，画面显得单纯透顶。

不像后期二十世纪的一些女权艺术家画的那么直白大胆。

其儿子莫里斯·郁特里罗画遍了蒙马特高地

第十集《民国女画家》十六世纪的阿特米西亚·真蒂莱斯基《犹滴杀死荷罗孚尼》1618珂勒慧支不画油画，力气很大做雕塑哈哈哈哈，主题沉重。

乔治娅·欧姬芙（美）其丈夫阿尔弗雷德· 斯蒂格利兹二战以后的女画家 奇奇·史密斯 装置 雕塑 玛瑞纳·阿布拉莫维奇（南斯拉夫 行为）黎薇元初 赵孟頫太太 管道升 明 文徵明玄孙 文淑 清初 秦淮名妓 马守真、顾眉民国 留学日本 关紫兰 、 丘堤 （留日男画家陈袍一 、关良关金堂）

《少女像》1929 关紫兰 明国气息， 大家闺秀画得出来的

丘堤 出手简静 一股法系、有素心、有“物性” 她们属于一种上海早已失去的表情十一集《徐扬的功德》大卫·霍克尼对中国长卷：移动观看，散点透视 长卷唯中国的特殊观看方式三希堂 “旷观”西洋的透视法，体现了以我为主的哲学观。

任何文化艺术一开始都体现着 散点透视

《乾隆南巡图》 整个的调度，上帝视角，庞大的典礼，队伍，全凭记忆、默写《江山揽胜图》元 王振鹏 彩色版《清明上河图》仇英 明 《山乡巨变》贺友直康乾盛世 在整个历史是一个承平期，清代其宫廷画一度被贬低，被评柔弱、萎靡、繁琐、艳俗，其实亦为一种美历史的记忆，乌镇 《并非衰落的百年》万青力 十二集《讯息与景别》威尼斯画家 简提尔·贝里尼 丁托列托的天顶画 人肉的漩涡

维托雷·卡帕奇奥异于佛罗伦萨人文主义的画 不愿意漏掉一丝细节、次要讯息彼得·卢奇 费里尼 电影和艺术，都是一样，都是导演画家诱导观众的观看方式，理性管不住目光“上前一小步，文明一大步”类比《公民凯恩》奥逊·威尔斯 开始运用镜头叙述的变化，影像记录大量次要信息，使之同时进行的。

《一九零零年》《同流者》贝纳尔多·贝托鲁奇 善于各种景别的切换（前景中景远景）只是观看 只是场面《八又二分之一》费德里克·费里尼这各中体现的一种观看的意志 重要的不是故事，而是场景。

诱人的未必是情节，而是观看本身。

《安德烈·卢布廖夫》《牺牲》安德烈·塔可夫斯基彼得·勃鲁盖尔《儿童的游戏》1556十三集《俄罗斯冤案》十七世纪，彼得大帝强行实施“脱亚入欧”，去掉东正教绘画的几百年，俄罗斯西化以后的美术史几百年后，进入19世纪黄金时期。

稍后音乐带来强烈表现直到二十世纪中叶，彼得·柴可夫斯基、罗斯特罗波维奇、安东宁·德沃夏克、穆索尔斯基。

文学：普希金、果戈里、屠格涅夫、陀思妥耶夫斯基、托尔斯泰、契诃夫

《伊凡雷帝》《库列斯克省的祈祷行列》《查波罗什人复信土耳其苏丹王》列宾、苏里科夫、《玛丽亚·叶尔莫洛夫肖像》瓦伦丁·谢洛夫（列宾学生）、《春》艾萨克·列维坦前卫艺术奶妈的大家，被“恩准”进入现代美术史的：康定斯基、夏加尔、马列维奇、弗拉基米尔·塔特林《近卫兵临刑的早餐》、《女贵族莫罗佐娃》、《缅希科夫在贝列佐夫镇》《攻克雪城》、《苏沃洛夫率军越过阿尔卑斯山》、《耶尔马克征服西伯利亚》、《斯切潘·拉辛》俄罗斯艺术的血气方刚 民族派、西化派。

西方认为俄罗斯绘画不是纯绘画，是文学的附庸。

这些历史画代表十九世纪写实传统的强弩之末，其美学属沙龙绘画。

导演尼基塔·米哈尔科夫系苏里科夫孙子）十四集《圣马可教堂》20世纪八十年代的”3C” 所谓新绘画：恩佐·库奇、桑德罗·基亚、弗朗切斯科·克莱门特。

和美国“新表现主义”一起，给主流美术界一种错觉，绘画又回来了。

到了九十年代中期，他们就过时了。

克莱门特：面对一幅好画，会不断愿意看下去，并且越看下去老会有新的发现。

《三博士的朝拜》《天使报喜》1438-46弗拉·安吉里柯 他的画简朴、干净、浅淡、神圣 十五世纪 在圣马可教堂九年，赞助者美帝奇欧洲十三世纪以前，宗教画充满神性，十五世纪中叶以后充满人性，而这之中的十四世纪，神人不可分。

马萨齐奥 画，热情、真切第十五集 《巨人的战役》看画时，一种画让人震撼、感动，还一种是静穆温克尔曼：高贵的单纯和静穆的伟大鲁迅《题未定“草”》说到古希腊雕塑，应悬想它是新东西时的锋棱、光泽、是发闪的。

《雅典娜女神与巨人的战役》土耳其的版图，曾经是公元前800-500年 古希腊；公元前565年 拜占庭帝国；公元前300年 古罗马帝国 公元1683年奥斯曼帝国以弗所遗址 赫拉克利特（辩证法奠基人）“人不可能同时踏入同一条河流”

《巨人的战役》派格蒙城邦遗址 祭坛 于德国柏林派格蒙美术馆

罗丹 、亨利·摩尔态度谦逊，自知不比古希腊雕塑公元前480-430年 菲迪亚斯（帕特农神殿、宙斯神殿）公元前5世纪 波流克烈特斯《荷矛者》公元前480-440 米隆（掷铁饼者） 公元前4世纪 普拉克烈特斯（《赫尔墨斯》）公元前395-350 斯珂帕斯（《梅利埃格头像》） 公元前2世纪 留西波斯（《赫尔墨斯》）公元前2世纪 菲洛马克思对比同时期，秦始皇兵马俑十六期《杜尚的决定》《泉》1917 杜尚 有研究称为德国女诗人艾尔莎·冯·弗雷坦戈·罗琳霍文作艺术，和绘画、雕塑分开，艺术的能指，所指， 杜尚观念里的绘画的传播功能已经终结了《杜尚访谈录》皮埃尔·卡巴纳 王瑞芸译 “你做的很多事情，其实是为了让别人高兴”“沉默、缓慢、独处”“拒绝一件事和接受一件事，其实是一回事”

第十画：民国女画家二十世纪初，女权文化萌芽，出现了几位女性艺术的先驱。

例：行为艺术家阿布拉莫维奇（与乌莱）：《情人·长城》→《艺术家在场》中国古代女画家：赵孟頫的太太管道升、文征明的玄孙、秦淮名妓马守真顾眉…民国女画家：关紫兰：画中有闺中女气，但下笔的胆气毫不造作，画风受东洋影响。

丘堤：法国路数，相对温和的立体主义架构，静物画出手简静，带着一种素心，画中可见“物性”，不修饰不渲染，恰如其分，不温不火。

第九画：瓦拉东母子巴黎画派：二十世纪初十九世纪末，印象派影响之后的巴黎画派画家，有偏于野兽派的，有偏于立体派的，也有自成一派的，风格百花齐放。

例：德朗：横跨野兽派与立体主义；马尔凯：集印象派之大成。

瓦拉东：她的时代还没有女性艺术一说，她的风格十分本色和野性。

当时男性画家笔下的女裸体常被定义为泛爱的欲念的符号。

她提供了一个罕见的视角：从女性的角度描绘女裸体——没有尴尬也没有暧昧，只是在私密的场合观察另一个女人。

瓦拉东也画男裸体——带着某种儿女对父兄、母亲对儿孙的亲昵的目光，但就其爱上儿子的朋友一事，画中是否有欲念还不能妄断。

她的静物画也很优秀，没有风格的自觉和野心干扰，她的创作都十分单纯。

郁特里罗（瓦拉东之子）：他画遍了蒙马特高地，画中白墙的丰富色彩也影响了吴冠中。

第八画：非正式的魅力“绘画何时停手，是否有规则？

”：毕加索为收藏夹斯坦画的肖像画了一百多遍。

佛洛伊德，二战之后有名的具象画家，他画画的覆盖程度、量感、覆盖程度是毕沙罗的几十倍。

但他却说过一句话：“每幅画接近完成时，我最不能确定的就是什么时候应该罢手。

”毕加索说：“希腊人、罗马人、文艺复兴人，都顶着规则在画画。

而从梵高开始，每个人都必须做自己的太阳。

”吴作人：“你们要知道什么时候停下来，要知道什么时候画，也要知道什么时候不画。

”十九世纪末期二十世纪初期：印象派同期后期欧洲其他艺术领域打破规则的“自由”表现：雕塑：布尔德尔、马约尔，关注石头泥土木头本身的质感；音乐：圣桑、德彪西开始玩音色和音符；文学：波德莱尔、马拉美醉心于调理字与词。

中国画：中国的工笔画和西洋画一样，都有一个完整的规则。

而文人画（士夫画）则不同，逸笔草草，恰到好处。

他们是拿着朝廷俸禄的文人，把一种新的态度和闲情带入了绘画。

书法：中国历史上非正式的书法作品反而高于正式的书法作品。

这和欧洲是很不一样的。

第七画：绘画的放纵“未完成”的艺术：舒伯特《未完成交响乐》，梵高《海边的渔夫》巴比松画派：柯罗户外作画，同一个景别画两张，一张写生，一张带回去慢慢画。

这已经是印象派的铺垫了。

印象派：管状颜料出现了，户外作画开始流行，笔触和颜色自由了，绘画被放开了，艺术家懂得和媒材玩了。

“一幅画怎么才算画完”是印象派提出的颠覆性的话题，在当时引起很大争议。

柯罗看不惯印象派，梵高也看不惯野兽派。

可见艺术趣味的改变需要好几代人的努力。

然而什么才叫“画完”呢，毕沙罗和塞尚常一起作画。

毕沙罗喜欢不断堆砌颜料追求完成感，而塞尚的每幅画看上去都可以再继续画下去。

塞尚在作画的过程里找到了自己的方法，追求普桑的“均衡”，因此非常注意边缘。

他不在乎自己的画有没有画完，永远处于打开的状态，展现出了绘画的过程。

他的理念之后也渐渐影响了立体派、抽象派。

十九世纪是一个转折，人们发现了“一幅画可以不画完”，以及“一幅画可以无穷无尽地画下去”。

第六画：谁养艺术家画的完成度：蒙娜丽莎是一张过度完成的画。

哈尔斯的《微笑的男孩》虽然潦草但是具有完成度。

艺术的角色：十九世纪前艺术是服务行业，是作为高级装饰物存在的。

艺术家画的也都是订件。

例如达维特为拿破仑画加冕礼。

浪漫派的阶段艺术家的角色改变了，艺术的功能也改变了。

十九世纪中叶，印象派的画家开始做历史陌生的事情，他们开始关注自我的意志。

继而出现了艺术家“self-employ”的形式。

新兴的资产阶级也在艺术的供求关系中产生变化，他们可以作为经纪人参与艺术买卖。

第五画：巴黎的青年作品与环境：赋予一个作品与之匹配的展示空间是很有必要的。

就像莫高窟的壁画脱离了洞窟的语境就会失去几分原有的味道；教堂的壁画脱离了原有环境画面的意思就会打折扣。

一幅作品与它原生的环境相辅相成造就了一种独有的文化气息。

例：大都会艺术博物馆根据展品的文化背景布展。

维多利亚和阿尔伯特博物馆展示的中国绘画，因为布展空间与中国画不相衬，他们调整了灯光，让环境极暗、光线聚集在画面上，使得画“孤立”、与周围隔绝，观众也就被引导着忽视环境去直面画作本身。

印象派早期：巴齐耶最有名的是《巴齐耶的画室》，现存于奥赛美术馆，从中能看到印象派诞生的时刻。

巴齐耶参军后29岁就去世了。

他是一个早熟的天才，不仅擅长造型和光影，而且善于组织场面、画群像。

他在19世纪同性恋文化备受打压的情况下画了许多青年男性肖像，非常坦然。

他的画明亮、均衡、温和，非常健康。

第四画：初习的作品梵高早期：18811883有一种画好在“憨”。

米勒1875年逝世，梵高在他去世六年左右开始临摹他的画作。

他早期在荷兰也画了许多下层劳动人民。

摄影家桑德的人物摄影作品也有这种“憨”的感觉。

珂勒惠支，表现主义画家，和蒋兆和一样，都有着卓越的技巧，画悲天悯人的主题。

但他们都属于“巧手”，而梵高与他们都不相同。

第三画：人民的胜利蒋兆和：“悲天悯人”的人道主义画家，主题常常是可怜的受苦之人，著名的作品有战争时期1943年的《流民图》，其中人物描绘、历史意义、道德重量都首屈一指。

第二画：死亡的胜利意大利壁画：戈佐里是十五世纪非常著名的壁画家。

然而意大利比萨斜塔旁的圣墓园中，还有两幅布法马可在文艺复兴时期的作品《死亡的胜利》、《地域》，他活跃在13世纪乔托晚期。

油画方便传播，而欧洲最好的是湿壁画。

湿壁画是将研磨好的干粉颜料掺入清水再将颜料涂抹在刚抹在墙壁表面的湿灰泥上，干燥之后，图案便永久保存于墙壁表面。

现在许多教堂里都有留存。

十三十四世纪，意大利已经出了一连串画家。

十五世纪文艺复兴盛期出了文艺复兴三杰。

二战将达芬奇最后的晚餐的教堂炸毁了，而壁画却有幸没有毁损。

早期艺术的魅力：幼稚天真但精力饱满、元气淋漓。

各种文化、各种文明都有生老病死的过程，但根基都在早期作品。

早期艺术具有原创力；工具的创新也在早期；新主题和新工具又互为因果。

例：布法马可《死亡的胜利》、《地狱》-文艺复兴早期壁画北魏壁画-中国早期壁画【龙门石窟（武则天时代）与云冈石窟（北魏时期）的比较】贡布里希：美感需要导引和学习。

而艺术最重要的是直觉、是最新鲜的感受力、是可贵的无知。

第一画：千里江山图国画历史：中国山水画的发端比欧洲人所谓的风景画早了近千年：隋：展子虔唐：李思训、李昭道父子，传世的只有李思训的《江山楼阁图》，现存于台北故宫五代：董源、巨然、荆浩、关仝北宋：刘、李、马、夏，山水画气格越来越大，路数越来越多，但青绿山水画这样歌功颂德的形式仍是主流。

年轻的画家：《千里江山图》20米长手卷，作者王希孟18岁为宫廷所作，现存于故宫。

委拉斯凯兹也是少年进宫，二十岁做宫廷画家，六十岁才得到爵位，因此在《宫娥》中郑重地把自己的形象地位画了出来。

米开朗基罗雕刻圣母耶稣时23岁，雕刻大卫时候26岁；德拉克罗瓦23岁画《但丁小舟》；毕加索玫瑰色时期也在20岁左右。

绘画靠手艺，眼光。

眼光包括观察之眼和经验之眼。

观察之眼是不可教的，这就是所谓天才的天赋所在。

年轻时的艺术家充满好奇心，感知功能是全息的。

《千里江山图》：王希孟沿袭的全景观是北宋开拓的图式，犹有过之。

《千里江山图》的“开阔”非常具体，每个局部都是自称格局的一幅画。

成年的、老熟的大师喜欢做减法，也就是取舍和概括。

而英年的王希孟则忙着做加法。

北宋末年：张择端也属皇家画院，画出了著名的《清明上河图》。

一幅是世俗繁华的史诗，一幅是锦绣河山的颂唱。

这两幅巨作都成于北宋末年，看不出亡国之兆。

不久金人入侵。

补充：元代王振鹏又有《江山揽胜图》，但画品气格都远不及《千里江山图》。